Artes visuales de principios del siglo XX. Las direcciones principales de las bellas artes del siglo XX - SkillsUp - un catálogo conveniente de lecciones sobre diseño, gráficos por computadora, lecciones de Photoshop, lecciones de Photoshop. Temas y preguntas de los seminarios.

Este artículo contiene una breve descripción de los principales estilos artísticos del siglo XX. Será útil conocer tanto a artistas como a diseñadores.

Modernismo (del francés moderne modern)

en el arte, el nombre acumulativo de las tendencias artísticas que se establecieron en la segunda mitad del siglo XIX en forma de nuevas formas de creatividad, donde prevalecía no tanto la adhesión al espíritu de la naturaleza y la tradición, sino la visión libre del maestro , libre de cambiar el mundo visible a su discreción, siguiendo una impresión personal, una idea interior o un sueño místico (estas tendencias continuaron en gran medida la línea del romanticismo). El impresionismo, el simbolismo y el modernismo fueron sus direcciones más significativas, a menudo interactuando activamente.En la crítica soviética, el concepto de "modernismo" se aplicó de manera antihistórica a todos los movimientos artísticos del siglo XX que no correspondían a los cánones del realismo socialista.

abstraccionismo(arte bajo el signo de "formas cero", arte no objetivo): una dirección artística que se formó en el arte de la primera mitad del siglo XX, negándose por completo a reproducir las formas del mundo visible real. Se considera que los fundadores del abstraccionismo son V. Kandinsky, P. Mondrian y K. Malevich. W. Kandinsky creó su propio tipo de pintura abstracta, liberando los puntos impresionistas y "salvajes" de cualquier signo de objetividad. Piet Mondrian llegó a su inutilidad a través de la estilización geométrica de la naturaleza, iniciada por Cézanne y los cubistas. Las corrientes modernistas del siglo XX, centradas en el abstraccionismo, se apartan por completo de los principios tradicionales, negando el realismo, pero al mismo tiempo se mantienen dentro del marco del arte. La historia del arte con la llegada del abstraccionismo experimentó una revolución. Pero esta revolución no surgió por casualidad, sino de forma bastante natural, ¡y fue predicha por Platón! En su obra posterior Philebus, escribió sobre la belleza de las líneas, las superficies y las formas espaciales en sí mismas, independientemente de cualquier imitación de objetos visibles, de cualquier mimesis. Este tipo de belleza geométrica, en contraste con la belleza de las formas naturales “irregulares”, según Platón, no es relativa, sino incondicional, absoluta.

futurismo- tendencia literaria y artística en el arte de la década de 1910. Otvodya cebe pol ppoobpaza ickycctva bydyschego, fytypizm in kachectve ocnovnoy ppogpammy vydvigal ideyu pazpysheniya kyltypnyx ctepeotipov and ppedlagal vzamen apologiyu texniki and ypbanizma HOW glavnyx ppiznakov nactoyaschego and gpyadyschego. Una importante idea artística del futurismo fue la búsqueda de una expresión plástica de la rapidez del movimiento como principal signo del ritmo de la vida moderna. La versión rusa del futurismo se denominó kybofuturismo y se basó en una combinación de los principios plásticos del cubismo francés y las instalaciones estéticas generales europeas del futurismo. Utilizando intersecciones, cambios, colisiones e influjos de formas, los artistas intentaron expresar la aplastante pluralidad de impresiones de una persona contemporánea, un habitante de la ciudad.

Cubismo- "la revolución artística más completa y radical desde el Renacimiento" (J. Golding). Pintores: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Cubismo - (cubismo francés, de cubo - cubo) una dirección en el arte del primer cuarto del siglo XX. El lenguaje plástico del cubismo se basaba en la deformación y descomposición de los objetos en planos geométricos, el desplazamiento plástico de la forma. Muchos artistas rusos han sentido fascinación por el cubismo, a menudo combinando sus principios con las técnicas de otras tendencias artísticas modernas: el futurismo y el primitivismo. El cubofuturismo se convirtió en una variante específica de la interpretación del cubismo en suelo ruso.

Purismo- (purisme francés, del latín purus - limpio) una tendencia en la pintura francesa de finales de los años 10 y 20. Los principales representantes son el artista. A. Ozanfan y arquitecto C. E. Jeanneret (Le Corbusier). Rechazando las tendencias decorativas del cubismo y otros movimientos de vanguardia de la década de 1910, la deformación de la naturaleza que adoptaron, los puristas se esforzaron por una transferencia ordenada racionalmente de formas de objetos estables y concisas, como si "limpiaran" los detalles, a la imagen de Elementos “primarios”. Las obras de los puristas se caracterizan por la planitud, el ritmo suave de las siluetas ligeras y los contornos de los objetos del mismo tipo (jarras, vasos, etc.). Al no haber recibido desarrollo en formas de caballete, los principios artísticos esencialmente repensados ​​del purismo se reflejaron parcialmente en la arquitectura moderna, principalmente en los edificios de Le Corbusier.

serrealismo- un movimiento cosmopolita en literatura, pintura y cine que surgió en 1924 en Francia y terminó oficialmente su existencia en 1969. Contribuyó en gran medida a la formación de la conciencia del hombre moderno. Las principales figuras del movimiento. andré bretón- escritor, líder e inspirador ideológico del movimiento, Luis Aragón- uno de los fundadores del surrealismo, quien de una manera extraña luego se transformó en un cantante del comunismo, Salvador Dalí- artista, teórico, poeta, guionista, que definió la esencia del movimiento con las palabras: "¡El surrealismo soy yo!", un director de fotografía sumamente surrealista luis buñuel, artista Juan Miro- "la pluma más hermosa del sombrero del surrealismo", como la llamó Breton, y muchos otros artistas de todo el mundo.

fauvismo(del francés les fauves - salvaje (animales)) Dirección local en la pintura temprana. siglo 20 El nombre F. fue dado en burla a un grupo de jóvenes artistas parisinos ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), quienes participaron conjuntamente en una serie de exposiciones en 1905-1907, después de su primera exposición en 1905. El nombre fue adoptado por el propio grupo y se estableció firmemente detrás de él. La dirección no tuvo un programa claramente formulado, un manifiesto o una teoría propia y duró poco, dejando, sin embargo, una huella notable en la historia del arte. Sus participantes estaban unidos en esos años por el deseo de crear imágenes artísticas exclusivamente con la ayuda de un color abierto extremadamente brillante. Desarrollo de los logros artísticos de los postimpresionistas ( Cézanne, Gauguin, Van Gogh), apoyándose en algunas técnicas formales del arte medieval (vidrieras, arte románico) y el grabado japonés, populares en los círculos artísticos de Francia desde la época de los impresionistas, los fauvistas buscaron maximizar el uso de las posibilidades colorísticas de la pintura.

Expresionismo(de la expresión francesa - expresividad) - una tendencia modernista en el arte de Europa occidental, principalmente en Alemania, el primer tercio del siglo XX, que se desarrolló en un período histórico determinado, en vísperas de la Primera Guerra Mundial. La base ideológica del expresionismo fue una protesta individualista contra el mundo feo, la creciente alienación del hombre del mundo, los sentimientos de falta de hogar, el colapso, la desintegración de aquellos principios sobre los que la cultura europea parecía descansar tan firmemente. Los expresionistas tienden a gravitar hacia el misticismo y el pesimismo. Técnicas artísticas características del expresionismo: el rechazo del espacio ilusorio, el deseo de una interpretación plana de los objetos, la deformación de los objetos, el amor por las disonancias cromáticas agudas, un color especial que encarna el drama apocalíptico. Los artistas percibían la creatividad como una forma de expresar emociones.

Suprematismo(del lat. supremus - más alto, más alto; primero; último, extremo, aparentemente, a través del polaco supremacja - superioridad, supremacía) La dirección del arte de vanguardia del primer tercio del siglo XX, el creador, principal representante y teórico de los cuales era un artista ruso Kazimir Malévich. El término en sí no refleja la esencia del suprematismo. De hecho, en la comprensión de Malevich, esta es una característica estimada. El suprematismo es la etapa más alta en el desarrollo del arte en el camino de la liberación de todo lo no artístico, en el camino hacia la revelación última de lo no objetivo como la esencia de cualquier arte. En este sentido, Malevich también consideró el arte ornamental primitivo como suprematista (o “supremo”). Primero aplicó este término a un gran grupo de sus pinturas (39 o más) que representan abstracciones geométricas, incluido el famoso "Cuadrado negro" sobre un fondo blanco, "Cruz negra" y otros, exhibidos en la exposición futurista de Petrogrado "cero-diez en 1915 Fue detrás de estas y otras abstracciones geométricas similares que se adjuntó el nombre de Suprematismo, aunque el mismo Malevich se refirió a él en muchas de sus obras de los años 20, que exteriormente contenían algunas formas de objetos concretos, especialmente figuras de personas, pero conservaban el “ espíritu suprematista”. Y de hecho, los desarrollos teóricos posteriores de Malevich no dan pie para reducir el suprematismo (al menos el propio Malevich) sólo a abstracciones geométricas, aunque ellas, por supuesto, constituyen su núcleo, esencia e incluso (blanco y negro y blanco y negro). suprematismo) llevan a la pintura al límite de su existencia en general como forma de arte, es decir, al cero pictórico, más allá del cual ya no hay pintura propiamente dicha. Este camino en la segunda mitad del siglo fue continuado por numerosas direcciones en las actividades artísticas que abandonaron los pinceles, las pinturas y los lienzos.

ruso vanguardia La década de 1910 presenta un panorama bastante complejo. Se caracteriza por un rápido cambio de estilos y tendencias, una abundancia de grupos y asociaciones de artistas, cada uno de los cuales proclamó su propio concepto de creatividad. Algo similar sucedió en la pintura europea de principios de siglo. Sin embargo, la mezcla de estilos, el "desorden" de corrientes y direcciones eran desconocidos para Occidente, donde el movimiento hacia nuevas formas era más consistente. Muchos maestros de la generación más joven se movieron con extraordinaria rapidez de un estilo a otro, de una etapa a otra, del impresionismo a la modernidad, luego al primitivismo, cubismo o expresionismo, pasando por muchos pasos, lo que era completamente atípico para los maestros de la pintura francesa o alemana. . La situación que se desarrolló en la pintura rusa se debió en gran parte a la atmósfera prerrevolucionaria del país. Ella exacerbó muchas de las contradicciones que eran inherentes a todo el arte europeo en su conjunto, porque. Los artistas rusos estudiaron en modelos europeos, estaban bien familiarizados con varias escuelas y tendencias pictóricas. Una especie de "explosión" rusa en la vida artística desempeñó así un papel histórico. En 1913, fue el arte ruso el que alcanzó nuevas fronteras y horizontes. Apareció un fenómeno completamente nuevo de no objetividad, una línea más allá de la cual los cubistas franceses no se atrevieron a cruzar. Uno por uno cruzan esta línea: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

cubofuturismo Tendencia local en la vanguardia rusa (en pintura y poesía) de principios del siglo XX. En las artes visuales, el cubo-futurismo surge a partir de un replanteamiento de los hallazgos pictóricos, el cubismo, el futurismo y el neoprimitivismo ruso. Las principales obras se crearon en el período 1911-1915. Las pinturas más características del cubo-futurismo surgieron bajo el pincel de K. Malevich, y también fueron escritas por Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter. Las primeras obras cubo-futuristas de Malevich se exhibieron en la famosa exposición de 1913. "Objetivo", en el que también debutó el luchismo de Larionov. En apariencia, las obras cubo-futuristas tienen algo en común con las composiciones creadas al mismo tiempo por F. Leger y son composiciones semi-objetivas compuestas de cilindros, conos, matraces, formas huecas tridimensionales coloreadas en forma de concha. , a menudo con un brillo metálico. Ya en las primeras obras de este tipo de Malevich, se nota una tendencia a pasar del ritmo natural a los ritmos puramente mecánicos del mundo de las máquinas (Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Retrato de Klyun, 1913).

neoplasticismo- una de las primeras variedades de arte abstracto. Fue creado hacia 1917 por el pintor holandés P. Mondrian y otros artistas que formaban parte de la asociación Style. El neoplasticismo se caracteriza, según sus creadores, por el deseo de "armonía universal", expresada en combinaciones estrictamente equilibradas de grandes figuras rectangulares, claramente separadas por líneas negras perpendiculares y pintadas en los colores locales del espectro principal (con la adición de blanco y tonos grises). Neoplasticisme (Nouvelle plastique) Este término apareció en Holanda en el siglo XX. Piet Mondrian definió sus conceptos plásticos, sistematizados y defendidos por el grupo y la revista "Style" ("De Stiji") fundada en Leiden en 1917. La característica principal del neoplasticismo fue el uso estricto de los medios expresivos. El neoplasticismo permite que solo se formen líneas horizontales y verticales. Cruzar líneas en ángulo recto es el primer principio. Hacia 1920 se le añadió un segundo que, eliminando el trazo y enfatizando el plano, limita los colores a rojo, azul y amarillo, es decir, tres colores primarios puros a los que sólo se pueden añadir el blanco y el negro. Con la ayuda de este rigor, el neoplasticismo pretendía ir más allá de la individualidad para alcanzar el universalismo y así crear una nueva imagen del mundo.

"bautismo" oficial orfismo sucedió en el Salon des Indépendants en 1913. Así escribió el crítico Roger Allard en su informe sobre el Salón: "... notamos para los futuros historiadores que en 1913 nació una nueva escuela de orfismo ..." ("La Cote" París 19 de marzo de 1913). Otro crítico, Andre Varno, se hizo eco de él: "El Salón de 1913 estuvo marcado por el nacimiento de una nueva escuela de la escuela órfica" ("Comoedia" París, 18 de marzo de 1913). Por fin Guillermo Apollinaire reforzó esta afirmación exclamando, no sin orgullo: “Esto es orfismo. Aquí, por primera vez, apareció esta tendencia, que yo predije” (“¡Montjoie!” Suplemento de París del 18 de marzo de 1913). De hecho, el término fue inventado Apollinaire(El orfismo como culto a Orfeo) y se anunció públicamente por primera vez durante una conferencia sobre pintura moderna y se leyó en octubre de 1912. ¿Qué quiso decir? Él mismo no parece saberlo. Además, no sabía cómo definir los límites de esta nueva dirección. De hecho, la confusión que prevalece hasta el día de hoy se debió a que Apollinaire confundió inconscientemente dos problemas que estaban interconectados, por supuesto, pero antes de intentar conectarlos, debería haber enfatizado sus diferencias. Por un lado, la creación Delaunay Medios expresivos pictóricos totalmente basados ​​en el color y, por otro lado, la expansión del cubismo a través de la aparición de varias direcciones diferentes. Después de una ruptura con Marie Laurencin a finales del verano de 1912, Apollinaire buscó refugio en la familia Delaunay, que lo recibió con amistosa comprensión en su taller de la rue Grand-Augustin. Justo este verano, Robert Delaunay y su esposa experimentaron una profunda evolución estética que condujo a lo que más tarde llamó el "período destructivo" de la pintura basada únicamente en las cualidades constructivas y espacio-temporales de los contrastes de color.

Posmodernismo (posmoderno, posvanguardia) -

(del latín post "después" y modernismo), el nombre colectivo de las corrientes artísticas que se hicieron especialmente evidentes en la década de 1960 y se caracterizan por una revisión radical de la posición del modernismo y la vanguardia.

expresionismo abstracto etapa de posguerra (finales de los años 40 - 50 del siglo XX) en el desarrollo del arte abstracto. El término en sí fue introducido en la década de 1920 por un crítico de arte alemán. E. von Sydow (E. von Sydow) para referirse a ciertos aspectos del arte expresionista. En 1929, el estadounidense Barr lo utilizó para caracterizar las primeras obras de Kandinsky, y en 1947 llamó a las obras "abstracto-expresionistas". willem de kooning y abadejo. Desde entonces, el concepto de expresionismo abstracto se ha consolidado detrás de un campo bastante amplio, estilística y técnicamente variado, de la pintura abstracta (y más tarde de la escultura), que se desarrolló rápidamente en la década de los 50. en los Estados Unidos, en Europa y luego en todo el mundo. Se considera que los antepasados ​​directos del expresionismo abstracto son los primeros Kandinsky, expresionistas, orfistas, en parte dadaístas y surrealistas con su principio de automatismo mental. La base filosófica y estética del expresionismo abstracto fue en gran medida la filosofía del existencialismo, popular en el período de posguerra.

Confeccionado(Inglés ready-made - ready) El término fue introducido por primera vez en el léxico de la historia del arte por el artista marcel duchamp para designar sus obras, que son objetos de uso utilitario, sacados del medio ambiente de su normal funcionamiento y expuestos sin alteración alguna en una exposición de arte como obras de arte. Ready-Made reclamó una nueva mirada a la cosa y la cosidad. Un objeto que dejaba de cumplir sus funciones utilitarias y se insertaba en el contexto del espacio del arte, es decir, se convertía en un objeto de contemplación no utilitario, comenzaba a revelar unos nuevos significados y movimientos asociativos, desconocidos tanto para el arte tradicional como para el la esfera cotidiano-utilitaria del ser. El problema de la relatividad de lo estético y lo utilitario surgió con fuerza. Primer Ready-Made Duchamp expuesto en Nueva York en 1913. El más infame de sus Ready-Made. acero "Rueda de una bicicleta" (1913), "Secador de botellas" (1914), "Fuente" (1917): así se designó un urinario ordinario.

Arte pop. Después de la Segunda Guerra Mundial, se formó un gran estrato social de personas en Estados Unidos que ganaban suficiente dinero para comprar bienes que no eran particularmente importantes para ellos. Por ejemplo, el consumo de bienes: Coca cola o jeans Levi's se convierten en un atributo importante de esta sociedad. Una persona que usa tal o cual producto muestra su pertenencia a un determinado estrato social. Se formó la cultura de masas actual. Las cosas se convirtieron en símbolos, estereotipos. El arte pop utiliza necesariamente estereotipos y símbolos. arte pop(Pop Art) encarnó la búsqueda creativa de los nuevos estadounidenses, que se basaron en los principios creativos de Duchamp. Esta: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, otro. El arte pop está adquiriendo la importancia de la cultura de masas, por lo que no sorprende que tomara forma y se convirtiera en un movimiento artístico en Estados Unidos. Sus aliados: Hamelton R, tonelada China elegido como autoridad Kurt Schwieters. El arte pop se caracteriza por un trabajo: una ilusión de un juego que explica la esencia del objeto. Ejemplo: pastel K. Oldemburgo representada de diversas maneras. Un artista puede no representar un pastel, pero disipar las ilusiones, mostrar que una persona ve de verdad. R. Rauschenberg también es original: pegó varias fotografías en el lienzo, las delineó y adjuntó a la obra algún peluche. Una de sus obras famosas es un erizo disecado. También es muy conocida su pintura, donde utilizó fotografías de Kenedy.

Primitivismo (Arte Ingenuo). Este concepto se utiliza en varios sentidos y, de hecho, es idéntico al concepto "arte primitivo". En diferentes idiomas y por diferentes científicos, estos conceptos se utilizan con mayor frecuencia para referirse a la misma gama de fenómenos en la cultura artística. En ruso (así como en algunos otros), el término "primitivo" tiene un significado algo negativo. Por lo tanto, es más apropiado centrarse en el concepto arte ingenuo. En el sentido más amplio, esta es la designación de bellas artes, que se distingue por la simplicidad (o simplificación), la claridad y la inmediatez formal del lenguaje pictórico y expresivo, con la ayuda de la cual una visión especial del mundo no cargada por las convenciones civilizatorias. es expresado. El concepto apareció en la nueva cultura europea de los últimos siglos, por lo que refleja las posiciones e ideas profesionales de esta cultura, que se consideraba a sí misma como la etapa más alta de desarrollo. Desde estas posiciones, se entiende también por arte ingenuo el arte arcaico de los pueblos antiguos (antes del egipcio o antes de las antiguas civilizaciones griegas), por ejemplo, el arte primitivo; el arte de pueblos retrasados ​​en su desarrollo cultural y civilizatorio (la población indígena de África, Oceanía, los indios de América); arte amateur y no profesional en la más amplia escala (por ejemplo, los famosos frescos medievales de Cataluña o el arte no profesional de los primeros inmigrantes americanos de Europa); muchas obras del llamado "gótico internacional"; arte popular; finalmente, el arte de talentosos artistas primitivistas del siglo XX, que no recibieron una educación artística profesional, pero sintieron el don de la creatividad artística en sí mismos y se dedicaron a su realización independiente en el arte. Algunos de ellos (francés A. Russo, K. Bombois, georgiano N. Pirosmanishvili, croata I. Generalich, Americano SOY. robertson y otros) han creado verdaderas obras maestras artísticas que han pasado a formar parte del tesoro del arte mundial. El arte ingenuo, en cuanto a la visión del mundo y los métodos de su presentación artística, es algo cercano al arte de los niños, por un lado por un lado, y al trabajo de los enfermos mentales, por otro. Sin embargo, en esencia difiere de ambos. Lo más cercano en términos de cosmovisión al arte infantil es el arte Naif de los pueblos arcaicos y nativos de Oceanía y África. Su diferencia fundamental con el arte infantil radica en su profunda sacralidad, tradicionalismo y canonicidad.

sin arte(Net Art - del inglés net - network, art - art) La forma más nueva de arte, las prácticas artísticas modernas, se desarrollan en las redes informáticas, en particular, en Internet. Sus investigadores en Rusia, contribuyendo a su desarrollo, O. Lyalina, A. Shulgin, creen que la esencia del Net-art se reduce a la creación de espacios creativos y de comunicación en la Web, brindando total libertad de existencia en red para todos. Por tanto, la esencia del Net-art. no representación, sino comunicación, y su unidad original de arte es un mensaje electrónico. Hay al menos tres etapas en el desarrollo del Net-art, que surgieron en los años 80 y 90. siglo 20 El primero fue cuando los aspirantes a artistas web crearon imágenes a partir de letras e íconos encontrados en el teclado de una computadora. La segunda comenzó cuando los artistas underground y todo el mundo que quería mostrar algo de su trabajo llegaron a Internet.

ARTE ABSTRACTO(Esp. Op-art - una versión abreviada del arte óptico - arte óptico) - un movimiento artístico de la segunda mitad del siglo XX, que utiliza varias ilusiones visuales basadas en las características de la percepción de figuras planas y espaciales. La corriente continúa la línea racionalista del tecnicismo (modernismo). Se remonta al llamado abstraccionismo "geométrico", cuyo representante fue V. Vasarely(de 1930 a 1997 trabajó en Francia) - el fundador del op art. Las posibilidades del Op-art han encontrado alguna aplicación en gráficos industriales, carteles y arte de diseño. La dirección del op art (arte óptico) se originó en los años 50 dentro del abstraccionismo, aunque esta vez fue de otra variedad - la abstracción geométrica. Su distribución como corriente se remonta a la década de los 60. siglo 20

Pintada(graffiti - en arqueología, cualquier dibujo o letra rayado en cualquier superficie, del italiano graffiare - scratch) Esta es la designación de obras de subcultura, que son principalmente imágenes de gran formato en las paredes de edificios públicos, estructuras, transporte, hechas usando varios tipos de pistolas pulverizadoras, botes de pintura en aerosol. De ahí el otro nombre "spray art" - Spray-art. Su origen está asociado a la aparición masiva de grafitis. en los años 70 en los vagones del metro de Nueva York, y luego en las paredes de los edificios públicos, tienda de persianas. Los primeros autores de graffiti. eran en su mayoría jóvenes artistas desempleados de minorías étnicas, principalmente puertorriqueños, por lo que en el primer Graffiti aparecían algunos rasgos estilísticos del arte popular latinoamericano, y el solo hecho de su aparición en superficies no destinadas a ello, sus autores protestaban contra su posición impotente. A principios de los años 80. se formó toda una tendencia de maestros casi profesionales G. Sus nombres reales, previamente ocultos bajo seudónimos, se hicieron conocidos ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, VISTO, ATURDIMIENTO). Algunos de ellos trasladaron su técnica al lienzo y empezaron a exponer en galerías de Nueva York, y pronto aparecieron los grafitis en Europa.

HIPERREALISMO(hiperrealismo - inglés), o fotorrealismo (fotorrealismo - inglés) - artista. movimiento en pintura y escultura, a partir de la fotografia, reproduccion de la realidad. Tanto en su práctica como en sus orientaciones estéticas hacia el naturalismo y el pragmatismo, el hiperrealismo se acerca al arte pop. están unidos principalmente por un retorno a la figuración. Actúa como antítesis del conceptualismo, que no sólo rompió con la representación, sino que también puso en entredicho el principio mismo de la realización material del arte. concepto.

arte de la tierra(del inglés land art - earthen art), una dirección en el arte del último tercioXXsiglo, basado en el uso de un paisaje real como principal material y objeto artístico. Los artistas cavan trincheras, crean extraños montones de piedras, pintan rocas, eligiendo para sus acciones lugares generalmente desiertos, paisajes vírgenes y salvajes, por lo que, por así decirlo, se esfuerzan por devolver el arte a la naturaleza. gracias a su<первобытному>En apariencia, muchas acciones y objetos de este tipo se acercan a la arqueología, así como al arte fotográfico, ya que la mayoría del público sólo puede contemplarlos en series de fotografías. Parece que tendremos que aceptar otra barbarie en el idioma ruso. No sé si es coincidencia que el término<лэнд-арт>apareció al final años 60 en una época en que en las sociedades desarrolladas el espíritu rebelde del estudiantado dirigía sus fuerzas a derrocar los valores establecidos.

MINIMALISMO(minimal art - Inglés: minimal art) - artista. flujo que emana de la mínima transformación de los materiales utilizados en el proceso de creatividad, simplicidad y uniformidad de formas, monocromáticas, creativas. autocontrol del artista. El minimalismo se caracteriza por el rechazo a la subjetividad, la representación, el ilusionismo. Rechazando el clásico creatividad y tradición. artístico materiales, los minimalistas utilizan materiales industriales y naturales de geometría simple. Se utilizan formas y colores neutros (negro, gris), pequeños volúmenes, en serie, métodos de transporte de producción industrial. Un artefacto en el concepto minimalista de creatividad es un resultado predeterminado del proceso de su producción. Habiendo recibido el desarrollo más completo en pintura y escultura, el minimalismo, interpretado en un sentido amplio como la economía del artista. fondos, encontró aplicación en otras formas de arte, principalmente teatro y cine.

El minimalismo se originó en los Estados Unidos en el trans. piso. años 60 Sus orígenes están en el constructivismo, el suprematismo, el dadaísmo, el abstraccionismo, el Amer formalista. pintura de los años 50, pop art. Directo precursor del minimalismo. es un Amer. artista F. Estela, quien presentó en 1959-60 una serie de "Pinturas negras", donde prevalecían las ordenadas líneas rectas. Las primeras obras minimalistas aparecen en 1962-63 El término "minimalismo". pertenece a R. Walheim, quien lo introduce en relación con el análisis de la creatividad M. Duchamp y artistas pop, minimizando la intervención del artista en el entorno. Sus sinónimos son “arte genial”, “arte ABC”, “arte serial”, “estructuras primarias”, “arte como proceso”, “arte sistemático”. cuadro". Entre los minimalistas más representativos se encuentran − C. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. Los une el deseo de encajar el artefacto en el entorno, de vencer la textura natural de los materiales. D. Jade lo define como "específico". objeto”, diferente al clásico. trabajos plasticos. letras. Independiente, la iluminación juega un papel como una forma de crear arte minimalista. situaciones, soluciones espaciales originales; Se utilizan métodos informáticos de creación de obras.

La tendencia realista en el arte a fines del siglo XIX comenzó a perder terreno. Con el cambio de siglo, el Art Nouveau comenzó a dominar. Se caracteriza por líneas ornamentadas, motivos biomórficos, el uso de nuevos materiales y tecnologías.

En la pintura, la convencionalidad decorativa, la ornamentación de la alfombra, clara, como si se manifestaran imágenes escultóricas.

M. A. Vrubel (1856–1910) fue un destacado representante del estilo Art Nouveau, cuyo arte se realizó bajo el lema "todo es decorativo". "Demonio" - la imagen definitoria en el trabajo de Vrubel. En su imagen no hay deseo de la victoria de sus propias dudas, sino solo abatimiento y desesperanza. Los pinceles de Vrubel pertenecen a muchos retratos, uno de ellos es el empresario y filántropo Mamontov. El artista expresó la fabulosidad y la extrañeza en sus obras "Pan", "La princesa cisne" y otras imágenes míticas.

Vrubel utilizó diferentes técnicas en su trabajo, a veces mezclando géneros y tipos de arte. También incursionó en la escultura y el dibujo. Participó en los murales monumentales de la Iglesia del Salvador sobre la Sangre Derramada en San Petersburgo.

La idea de “arte puro” dio lugar a la aparición de la revista “World of Art”. Esta revista se convirtió en el centro de la vida artística en el período prerrevolucionario.

Los artistas que se unieron en torno al "Mundo del Arte" fomentaron el estudio de la historia de Rusia, despertaron el interés por los artistas del siglo XVIII y desarrollaron actividades museísticas. Contribuyeron al desarrollo de la ilustración (I. Ya. Bilibin (1876-1942), K. A. Somov (1869-1939)) y el arte decorativo teatral (L. S. Bakst (1866-1924), N. K. Roerich (1874-1947))

El estado de ánimo revolucionario influyó directamente en la pintura y la gráfica. El artista K. Yuon representó la revolución a escala cósmica en la obra "Nuevo planeta". El reflejo de la realidad revolucionaria a los ojos de los artistas se puede observar en las obras de K. S. Petrov-Vodkin "Muerte de un comisario", "1918 en Petrogrado" y N. Kupriyanov "Autos blindados".

En 1922, se creó la Asociación de Artistas de la Rusia Revolucionaria. Uno de los representantes destacados fue Isaac Brodsky, quien creó obras "canónicas": "Lenin en Smolny" y "Discurso de Lenin en la fábrica de Putilov".

"Sobre los monumentos de la república": el decreto de Lenin de 1918, que anuncia el plan de agitación de las masas con la ayuda de esculturas monumentales dedicadas a las figuras de la revolución y la cultura (plan "Monumental Propaganda"). Los escultores en poco tiempo tuvieron que crear muchas obras con materiales baratos y asequibles.

Tatlin crea en 1920 la torre de la III Internacional, simbolizando arte nuevo, aspiraciones revolucionarias.

Ivan Shardr crea una serie de esculturas de personas del trabajo socialista: "Trabajador", "Campesino", "Hombre del Ejército Rojo", así como un monumento a Gorki para la Plaza de la Estación Belorussky.

En la década de 1920, aparecieron las obras de V. Mukhina: el proyecto "Trabajo liberado", "Mujer campesina", "Trabajadora y mujer de granja colectiva", un grupo escultórico que le dio fama al artista.

La inauguración de la Exposición Agrícola de Toda la Unión en Moscú es un paso decisivo en el desarrollo de la escultura en la Unión Soviética. S. T. Konenkov también participó en la decoración escultórica. Además, creó esculturas, implementando el plan "Propaganda Monumental": el bajorrelieve "A los Caídos en la Lucha por la Paz y la Hermandad de las Naciones", "Stepan Razin".

realismo socialista

En el Primer Congreso de Escritores Soviéticos de toda la Unión en 1934, se formularon las reglas básicas de un nuevo método de literatura y arte, el realismo socialista. Fue un duro control ideológico y propagandístico diseñado para elogiar a los héroes del trabajo socialista, revolucionarios, obreros, campesinos. Se suponía que la trama de la obra de arte reflejaba la realidad revolucionaria, el deseo de un futuro más brillante y puntos de vista materialistas.

La pintura de B. Ioganson "El interrogatorio de los comunistas" transmite claramente todos los principios del realismo socialista: emociones significativas, imágenes sólidas y formas monumentales.

A. Deineka escribe obras sobre los temas de construcción de nueva arquitectura, deportes y aviación: "Futuros pilotos", "En la construcción de nuevos talleres", "En el Donbass". Trabajos sobre mosaicos de la estación de metro de Mayakovskaya (Moscú).

El famoso "Nuevo Moscú" de Y. Pimenov es un símbolo de nueva vida, la alegría del cambio: la reconstrucción de Moscú y el papel inusual de una mujer.

La Gran Guerra Patria

La Gran Guerra Patriótica influyó significativamente en el desarrollo del arte. Como en el período revolucionario, el principal género de las bellas artes fue el cartel. Maestros del pasado trabajaron en los carteles, así como jóvenes artistas que se hicieron famosos por carteles tan famosos como "¡La patria llama!", "¡Por la patria!", "¡Guerrero del Ejército Rojo, salve!".

El arte de principios del siglo XIX está asociado a la época de resurgimiento social provocada por la Guerra Patria de 1812 y el movimiento antisiervo, que desembocó en el levantamiento decembrista de 1825.

En el campo de la cultura artística de este período, se observó un cambio de dirección relativamente rápido: clasicismo da paso romanticismo, y el romanticismo en el camino de su desarrollo se encuentra con creciente realismo En arte. De hecho, esto fue principalmente en pintura Si los artistas del siglo XVIII lucharon por el realismo al transmitir la singularidad individual del individuo, en el siglo XIX comenzaron a representar lo que era valioso, lo que les preocupaba en la vida pública.

En el segundo cuarto del siglo XIX, el capitalismo ya se había establecido en la mayoría de los países de Europa, mientras que en Rusia aún continuaba la desintegración del sistema de servidumbre feudal. Sin embargo, tanto en Europa como en Rusia, este período se caracteriza por el surgimiento de una vida social tormentosa - en Europa es principalmente La Revolución Francesa y sus consecuencias, y en Rusia la creciente lucha contra la servidumbre, especialmente tras el fracaso del levantamiento decembrista.

Durante este período, el clasicismo, que dominaba las paredes academia de artes, ha agotado su trascendencia progresiva. En 1829, la Academia quedó subordinada al departamento de la corte imperial, por lo que pasó a ser conductor de opiniones oficiales. En un esfuerzo por fortalecer su posición en el arte, los profesores de la Academia intentaron dominar ciertas técnicas características del romanticismo. Así, se formó el método del romanticismo académico, que fue diseñado para crear una belleza sublime ideal, lejos de la vida cotidiana real.

En contraste con el arte académico, en la primera mitad del siglo XIX, comenzó a tomar forma en Rusia otro arte, que comenzó a llamarse crítico realismo. Los artistas comenzaron abiertamente, sin recurrir a la forma condicional de las historias del evangelio, a exponer los vicios de su sociedad contemporánea, se considera legítimamente al fundador del realismo crítico ruso en la pintura. Pavel Fedotov.

La segunda mitad del siglo XIX en Rusia estuvo marcada por un nuevo auge en la lucha de liberación por una vida mejor. La intelectualidad tomó el lugar principal en el movimiento social. La servidumbre fue abolida, pero la vida no se volvió más fácil a partir de esto.

Durante este período, la importancia del arte aumentó, en particular, la pintura, que se consideraba un medio poderoso para educar a las personas. A finales de la primera mitad del siglo XIX comenzó a trabajar Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, que ahora ha comenzado a jugar un papel muy importante en la sociedad, como conductor de caminos democráticos. Aquí, el sistema pedagógico veneciano, basado en un estudio detallado de la vida circundante, echó raíces de inmediato. También jugó su papel el hecho de que la Escuela estuviera ubicada lejos de la capital, como en medio de la vida de la gente. El más destacado de los alumnos de la Escuela fue V. G. Perov

El arte en el período de la segunda mitad se distingue por un alto contenido ideológico, un interés apasionado por resolver problemas sociales apremiantes y su carácter popular. Servir a la gente se ha convertido en uno de los principales objetivos de los artistas progresistas rusos. Por primera vez en la historia del arte ruso, la vida de los trabajadores se convirtió en el tema principal de las obras de los artistas democráticos. Las personas no están representadas desde afuera, sino como desde adentro. Los artistas que se convirtieron en defensores del pueblo, muchos de los cuales procedían del pueblo, hablaron sobre su opresión, su vida dura y su falta de derechos. Estos estados de ánimo socialmente críticos también penetraron en las clases de la Academia de las Artes: en 1861 su graduado v jacobi realizó la pintura "Alto de prisioneros". Y en 1864, la imagen tuvo un éxito rotundo. K. Flavitsky "Princesa Tarakanova", que está dedicada a la misteriosa prisionera de la Fortaleza de Pedro y Pablo, a quien se consideraba hija de Isabel Petrovna.

Princesa Tarakanova (1864)

A pesar de todos estos cambios en la vida pública de Rusia, la Academia de las Artes de San Petersburgo siguió defendiendo el arte académico, alejado de la vida, abstracto. El tipo más alto de pintura todavía se consideraba pintura de historia principalmente sobre temas mitológicos y religiosos. Como resultado, los artistas avanzados, reacios a aceptar los principios atrasados ​​de la Academia, entraron en conflicto con el antiguo sistema de enseñanza, lo que resultó en una apertura abierta. "disturbios del 14" artistas Los graduados, encabezados por el artista Kramskoy, se negaron a completar su tesis sobre el tema mitológico que había planteado. Exigieron libertad en la elección de un tema. El Consejo de la Academia negó a los graduados su solicitud, luego abandonaron la Academia en protesta, rechazando su diploma.

Al salir de la Academia el 9 de noviembre de 1863, los protestantes organizaron Artel de artistas. El iniciador de todo el asunto fue Ivan Nikolaevich Kramskoy. Los miembros de Artel alquilaron un apartamento y se establecieron juntos. La casa estaba a cargo de la esposa de Kramskoy. Artel pronto ganó reconocimiento. A menudo la llamaban "Academia Kramskoy". Todos los jueves, por las tardes, pintores y escritores se reunían en el taller de artel. En estas noches, se discutieron temas interesantes de política, vida social, arte, todo esto contribuyó a la educación de la juventud artística, la reunión de fuerzas artísticas.

El artel existió durante unos 7 años y se disolvió en 1870. El Artel fue reemplazado por una nueva asociación de arte: Asociación de Exposiciones Itinerantes de Arte.

Un lugar muy importante en el arte del siglo XIX es actividades de P. M. Tretyakov, quien demostró ser un verdadero ciudadano de Rusia, iniciando una colección de pintura y escultura rusa, a partir de la antigüedad. Gastó todo su dinero en la compra de pinturas y, a menudo, apoyó con dinero a artistas pobres y talentosos.

El área principal de la pintura rusa de la segunda mitad del siglo XIX fue género doméstico. El líder todavía estaba tema campesino. The Wanderers retrató la vida popular, mostrando el conflicto social entre las clases gobernantes y oprimidas de la sociedad rusa.Las tradiciones acusatorias continuaron en la pintura. Toma un gran lugar tema de los niños

En la segunda mitad del siglo XIX, se llevó a cabo una reforma en las bellas artes rusas, según la cual los temas mitológicos y religiosos comenzaron a dar paso a la representación de hechos históricos reales. El comienzo de esta reforma fue establecido por el artista ruso Ge ​​N.N.

En el paisaje ruso de la segunda mitad del siglo XIX, se desarrolla una fuerte lucha por el establecimiento de un tema nacional. Artistas notables Savrasov, Shishkin, Levitan y otros en estos años rompen con las tradiciones del paisaje académico "idealizado", "suavizado", lejos de la vida, principalmente italiano y francés, y recurren a la imagen de la naturaleza de su país natal. La declaración de Chernyshevsky "Lo bello es la vida" encontró una cálida respuesta entre los maestros de la pintura de paisajes. Al representar la naturaleza en su apariencia natural y cotidiana, los Wanderers mostraron en ella una amplia poesía y belleza.

En la segunda mitad del siglo XX, varios pintores particularmente brillantes, poderosos y talentosos, maestros de la pintura histórica, se destacaron en la pintura rusa: estos son I. Repin, V. Surikrv, V. Vasnetsov.

El arte ruso de finales del siglo XIX y XX tomó forma en un estado de ánimo revolucionario. Las opiniones decadentes y el pesimismo penetraron en el entorno de la intelectualidad creativa. Los valores estéticos han cambiado en la sociedad. En busca de su propio camino en el arte, muchos artistas comenzaron a unirse en varias organizaciones artísticas: asociaciones.

En 1903, muchos artistas realistas se unieron en "Unión de Artistas Rusos", donde continuaron las tradiciones de los Wanderers, escribieron obras veraces y realistas. Los artistas notables de este período fueron Serov, Vrubel, Nesterov, Ryabushkin, etc.

Esta vez se considera el pináculo de la pintura rusa y la introducción del realismo en ella. Los fenómenos sociales y las revoluciones del país tuvieron una especial influencia en el arte. Ya había censura y crítica en la pintura. Las autoridades de la época dejaron una huella significativa en el trabajo de los pintores. Casi todos los artistas domésticos estaban obligados a pintar al menos un cuadro dedicado a la nueva política y al nuevo orden social.

Las direcciones principales de la pintura rusa del siglo XX.

En el período del siglo XX, marcó el final del realismo ruso en la pintura y el comienzo del soviético o socialista. Se considera especial la época de la Gran Guerra, que se distinguió por el movimiento unido del partido y el pueblo. Las pinturas militares causaron sensación y son relevantes en el período actual. La corriente socialista del género del paisaje fue la menos afectada.

vanguardia rusa

La palabra "vanguardia" significa innovación, movimiento avanzado. La vanguardia doméstica combina las corrientes radicales de la pintura. En un principio se le llamó modernismo, arte nuevo, abstraccionismo y otros nombres. Los primeros atisbos en la dirección aparecieron en los años anteriores a la guerra. La vanguardia rusa combina momentos como el rechazo absoluto del pasado en la cultura y la unificación de los procesos de destrucción y creación. En la pintura hay lugar al mismo tiempo para la agresión, el deseo de destruir los viejos valores artísticos y la creación de algo completamente diferente.

En esta dirección, en primer lugar, vale la pena destacar a Wassily Kandinsky, quien pintó las pinturas "Vida colorida", "Canción del Volga", "Óvalo blanco", "Moscú". La Plaza Roja". Las vanguardias también incluyen a Kazimir Malevich, quien es un representante del supermatismo, uno de los movimientos de vanguardia. Esta corriente caracteriza la etapa final del arte, la ausencia de objetos. Empezaron a hablar de él tras la aparición de lienzos con abstracciones geométricas.

realismo socialista

Después de que se produjera la revolución y se produjeran muchas convulsiones y cambios, comenzó un nuevo período y una nueva dirección en las artes visuales. Correspondía a esa época y se llamó realismo socialista. Esto fue exigido por el gobierno y el pueblo. El realismo socialista se distinguió por la presencia del heroísmo, expresó líderes, personas, eventos, la verdad del partido, y no la visión del artista mismo. La sociedad totalitaria ha cambiado la pintura rusa más allá del reconocimiento. Consistía principalmente en pinturas dedicadas a los acontecimientos históricos de esa época, los héroes y líderes del estado, así como la vida cotidiana de un simple trabajador.

Muchos lo llamaron "estilo severo", porque no había ilusiones, conjeturas, descuidos infantiles. Solo la verdad despiadada se mostraba en los lienzos. El heroísmo de esa época residía en la tensión interna y los esfuerzos del líder. En el realismo socialista, el trabajo era una vocación y los héroes eran pioneros y constructores. Al final del siglo, junto con el colapso de la cultura soviética, llega una nueva dirección en la pintura rusa.

posmodernismo

Una nueva dirección en la pintura rusa vino a reemplazar al modernismo, que no estaba del todo claro en la sociedad. El posmodernismo se caracteriza por las imágenes fotográficas. La pintura está lo más cerca posible del aspecto original. El estilo se distingue por características tipológicas. En primer lugar, la forma terminada. Los pintores usan imágenes clásicas, pero las interpretan de una manera nueva, dan exclusividad. Muy a menudo, los representantes del posmodernismo combinan formas de varias direcciones, dando una ligera ironía a la imagen y algún tipo de secundario.

Otra característica de la dirección es la falta de reglas. En el posmodernismo, el artista tiene control total sobre la elección de formas y modos de representar su pintura. Una cierta libertad dio un nuevo aliento al arte en general. Hubo instalaciones de arte y performances. El posmodernismo en la pintura también se caracteriza por la ausencia de técnicas claras y una popularidad global general. El apogeo de esta dirección llegó en los años 90 del siglo XX. Los representantes más destacados son los siguientes artistas: A. Menus, M. Tkachev, S. Nosova, D. Dudnik.

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Arte ruso de finales del siglo XIX y principios del XX

Introducción

Cuadro

Konstantin Alekseevich Korovin

Valentín Alexandrovich Serov

Mijaíl Alexandrovich Vrubel

"Mundo del Arte"

"Unión de Artistas Rusos"

"Jota de diamantes"

"Unión juvenil"

Arquitectura

Escultura

Bibliografía

Introducción

La cultura rusa de finales del siglo XIX y principios del XX es un período complejo y controvertido en el desarrollo de la sociedad rusa. La cultura del cambio de siglo siempre contiene elementos de una era de transición, que incluye las tradiciones de la cultura del pasado y las tendencias innovadoras de una nueva cultura emergente. Hay una transferencia de tradiciones y no solo una transferencia, sino el surgimiento de otras nuevas, todo esto está conectado con el proceso turbulento de búsqueda de nuevas formas de desarrollar la cultura, corregido por el desarrollo social de esta época. El cambio de siglo en Rusia es un período de grandes cambios que se gestan, un cambio en el sistema estatal, un cambio de la cultura clásica del siglo XIX a la nueva cultura del siglo XX. La búsqueda de nuevas formas de desarrollar la cultura rusa está asociada con la asimilación de tendencias progresistas en la cultura occidental. La diversidad de direcciones y escuelas es una característica de la cultura rusa de principios de siglo. Las tendencias occidentales se entrelazan y complementan con las modernas, llenas de contenido específicamente ruso. Una característica de la cultura de este período es su orientación hacia una comprensión filosófica de la vida, la necesidad de construir una imagen holística del mundo, donde el arte, junto con la ciencia, juega un papel muy importante. El foco de la cultura rusa de finales del siglo XIX y principios del XX resultó ser una persona que se convierte en una especie de vínculo de conexión en la variopinta variedad de escuelas y áreas de la ciencia y el arte, por un lado, y una especie de punto de partida. para analizar todos los artefactos culturales más diversos, por el otro. De ahí el poderoso fundamento filosófico que subyace en la cultura rusa de principios de siglo.

Destacando las prioridades más importantes en el desarrollo de la cultura rusa de finales del siglo XIX y principios del XX, no se pueden ignorar sus características más importantes. El final del siglo XIX - el comienzo del siglo XX en la historia de la cultura rusa generalmente se llama el Renacimiento ruso o, en comparación con la edad de oro de Pushkin, la edad de plata de la cultura rusa.

Con el cambio de siglo se desarrolló un estilo que afectó a todas las artes plásticas, comenzando principalmente con la arquitectura (en la que dominó durante mucho tiempo el eclecticismo) y terminando con la gráfica, lo que se denominó estilo Art Nouveau. Este fenómeno no es inequívoco, en la modernidad también hay pretensiones decadentes, pretensiones, diseñadas principalmente para gustos burgueses, pero también hay un deseo de unidad de estilo que es significativo en sí mismo. El estilo Art Nouveau es una nueva etapa en la síntesis de la arquitectura, la pintura y las artes decorativas.

En las artes visuales, el Art Nouveau se mostró: en la escultura, por la fluidez de las formas, la especial expresividad de la silueta, el dinamismo de las composiciones; en la pintura: el simbolismo de las imágenes, la adicción a la alegoría. simbolismo moderno vanguardista plata

Los simbolistas rusos jugaron un papel importante en el desarrollo de la estética de la Edad de Plata. El simbolismo como fenómeno en la literatura y el arte apareció por primera vez en Francia en el último cuarto del siglo XIX y, a fines del siglo, se había extendido a la mayor parte de Europa. Pero después de Francia, es en Rusia donde el simbolismo se realiza como el fenómeno cultural más grande, significativo y original. El simbolismo ruso al principio tenía básicamente los mismos requisitos previos que el simbolismo occidental: "una crisis de una cosmovisión y moralidad positivas". El principio principal de los simbolistas rusos es la estetización de la vida y el deseo de diversas formas de sustitución de la estética por la lógica y la moralidad. En primer lugar, el simbolismo ruso se caracteriza por la demarcación con las tradiciones de los "años sesenta" revolucionarios y democráticos y el populismo, con la ideologización del ateísmo, el utilitarismo. Según los simbolistas rusos, corresponden a los principios del arte "puro", libre.

Otro fenómeno llamativo de la Edad de Plata que ha adquirido trascendencia mundial es el arte y la estética de las vanguardias. En el espacio de las áreas de conciencia estética ya enumeradas, los artistas de vanguardia se distinguieron por un carácter enfáticamente rebelde. Percibieron la crisis de la cultura clásica, el arte, la religión, la sociabilidad, el estado con deleite como una muerte natural, la destrucción de lo viejo, obsoleto, irrelevante, y se realizaron como revolucionarios, destructores y sepultureros de "toda chatarra" y creadores de todo nuevo, en general, una nueva raza emergente. Las ideas de Nietzsche sobre el superhombre, desarrolladas por P. Uspensky, fueron tomadas literalmente por muchos artistas de vanguardia y probadas, especialmente por los futuristas, por sí mismos.

De ahí la rebeldía y la extravagancia, el deseo de todo lo fundamentalmente nuevo en los medios de expresión artística, en los principios de acercamiento al arte, la tendencia a expandir los límites del arte hasta que cobra vida, pero sobre principios completamente diferentes a los de los representantes. de la estética teúrgica. La vida para las vanguardias de los años 10. siglo 20 - esto es, ante todo, una revuelta revolucionaria, una revuelta anarquista. El absurdo, el caos, la anarquía se comprenden por primera vez como sinónimos de modernidad y precisamente como principios creativamente positivos basados ​​en la negación total del principio racional en el arte y el culto a lo irracional, intuitivo, inconsciente, sin sentido, abstruso, informe, etc. . Las direcciones principales de la vanguardia rusa fueron: abstraccionismo (Vasily Kandinsky), suprematismo (Kazimir Malevich), constructivismo (Vladimir Tatlin), cubofuturismo (cubismo, futurismo) (Vladimir Mayakovsky).

Cuadro

Para los pintores del cambio de siglo, son características otras formas de expresión que las de los Wanderers, otras formas de creatividad artística, en imágenes que son contradictorias, complicadas y reflejan la modernidad sin ilustratividad ni narrativa. Los artistas buscan dolorosamente la armonía y la belleza en un mundo que es fundamentalmente ajeno tanto a la armonía como a la belleza. Por eso muchos vieron su misión en cultivar el sentido de la belleza. Este tiempo de "vísperas", la expectativa de cambios en la vida pública, dio lugar a muchas tendencias, asociaciones, agrupaciones, un choque de cosmovisiones y gustos diferentes. Pero también dio lugar al universalismo de toda una generación de artistas que surgieron después de los Wanderers "clásicos".

Lecciones impresionistas en pintura al aire libre, la composición de "encuadres aleatorios", una forma pictórica amplia y libre: todo esto es el resultado de la evolución en el desarrollo de los medios pictóricos en todos los géneros del cambio de siglo. En busca de "belleza y armonía", los artistas se prueban a sí mismos en una variedad de técnicas y formas de arte, desde pintura monumental y escenografía teatral hasta diseño de libros y artes y oficios.

La pintura de género se desarrolló en la década de 1990, pero se desarrolló de manera algo diferente que en el movimiento errante "clásico" de las décadas de 1970 y 1980. Así, el tema campesino se revela de una manera nueva. S. A. Korovin (1858-1908) describe la división en la comunidad rural en la pintura "Sobre el mundo" (1893).

En el cambio de siglo, se perfila un camino un tanto peculiar en el tema histórico. Entonces, por ejemplo, A.P. Ryabushkin (1861-1904) trabaja más en el género histórico que en el género puramente histórico. “Mujeres rusas del siglo XVII en la iglesia” (1899), “Tren nupcial en Moscú. Siglo XVII ”(1901): estas son escenas cotidianas de la vida de Moscú en el siglo XVII. La estilización de Ryabushkin se refleja en la planitud de la imagen, en un sistema especial de ritmo plástico y lineal, en el esquema de color construido sobre colores principales brillantes, en la solución decorativa general. Ryabushkin introduce audazmente los colores locales en el paisaje al aire libre, por ejemplo, en "The Wedding Train ...": el color rojo del vagón, grandes manchas de ropa festiva contra el fondo de edificios oscuros y nieve, dado, sin embargo, en los más finos matices de color. El paisaje siempre transmite poéticamente la belleza de la naturaleza rusa.

FA Malyavin (1869-1940) creó un nuevo tipo de pintura, en el que las tradiciones artísticas del folclore fueron dominadas y traducidas al lenguaje del arte moderno de una manera completamente especial.Sus imágenes de "mujeres" y "niñas" tienen un cierto significado simbólico. - suelo saludable Rusia. Sus pinturas son siempre expresivas, y aunque estas son, por regla general, obras de caballete, reciben una interpretación monumental y decorativa bajo el pincel del artista. "Risas" (1899, Museo de Arte Moderno, Venecia), " Whirlwind" (1906,) es una imagen realista de campesinas, que se ríen a carcajadas o se precipitan sin control en un baile circular, pero este realismo es diferente al de la segunda mitad del siglo. todo el lienzo.

M. V. Nesterov (1862-1942) se refiere al tema de la antigua Rusia, pero la imagen de Rusia aparece en las pinturas del artista como una especie de mundo ideal, casi encantado, en armonía con la naturaleza, pero desapareció para siempre como la legendaria ciudad de Kitezh. Este agudo sentido de la naturaleza, delicia en el mundo, frente a cada árbol y brizna de hierba, se manifiesta especialmente en una de las obras más famosas de Nesterov del período prerrevolucionario: "Visión del joven Bartolomé" (1889-1890) . En la revelación de la trama de la imagen, existen las mismas características estilísticas que las de Ryabushkin, pero invariablemente se expresa un sentido profundamente lírico de la belleza de la naturaleza, a través del cual la alta espiritualidad de los personajes, su iluminación, su alienación de se transmiten alborotos mundanos.

MV Nesterov hizo mucha pintura monumental religiosa. Los murales siempre están dedicados al antiguo tema ruso (por ejemplo, en Georgia, a Alexander Nevsky). En las pinturas murales de Nesterov, se observan muchos signos reales, especialmente en el paisaje, las características del retrato, en la imagen de los santos. En el deseo del artista por una interpretación plana de la composición de la elegancia, la ornamentación, la refinada sofisticación de los ritmos plásticos, se manifestó una indudable influencia del Art Nouveau.

El género paisajístico en sí mismo se desarrolla a finales del siglo XIX también de una manera nueva. Levitan, de hecho, completó la búsqueda de los Wanderers en el paisaje. Una nueva palabra en el cambio de siglo iba a ser dicha por K.A. Korovin, VA Serov y M. A. Vrubel.

Konstantin Alekseevich Korovin

Para el brillante colorista Korovin, el mundo aparece como un "disturbio de colores". Generosamente dotado por la naturaleza, Korovin se dedicó tanto al retrato como a la naturaleza muerta, pero no sería un error decir que el paisaje siguió siendo su género favorito. Trajo al arte las fuertes tradiciones realistas de sus maestros de la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, Savrasov y Polenov, pero tiene una visión diferente del mundo, establece otras tareas. Comenzó a pintar en plein air temprano, ya en el retrato de una corista en 1883, se puede ver su desarrollo independiente de los principios del plein airismo, incorporado luego en una serie de retratos realizados en la finca de S. Mamontov en Abramtsevo ("En el barco", retrato de TS Lyubatovich, etc.), en los paisajes del norte, ejecutado durante la expedición de S. Mamontov al norte ("Invierno en Laponia"). Sus paisajes franceses, unidos por el título "Luces de París", son ya una pintura completamente impresionista, con su más alta cultura de estudio. Impresiones nítidas e instantáneas de la vida de una gran ciudad: calles tranquilas en diferentes momentos del día, objetos disueltos en un ambiente de aire ligero, moldeados por una pincelada dinámica, "temblorosa", vibrante, una corriente de pinceladas que crean el ilusión de un velo de lluvia o aire de la ciudad saturado con miles de vapores diferentes, características que recuerdan los paisajes de Manet, Pissarro, Monet. Korovin es temperamental, emocional, impulsivo, teatral, de ahí el brillo brillante y la euforia romántica de sus paisajes ("Paris. Capuchin Boulevard", 1906, State Tretyakov Gallery; "Paris at night. Italian Boulevard", 1908,). Korovin conserva las mismas características de estudio impresionista, maestro pictórico, sorprendente maestría en todos los demás géneros, principalmente en retratos y bodegones, pero también en paneles decorativos, en artes aplicadas, en escenarios teatrales, en los que se dedicó toda su vida (Retrato de Chaliapin, 1911, Museo Ruso; "Pescado, vino y frutas" 1916, Galería Estatal Tretyakov).

El generoso don de Korovin para la pintura se manifestó brillantemente en la pintura teatral y decorativa. Como pintor teatral, trabajó para el Teatro Abramtsevo (y Mamontov fue quizás el primero en apreciarlo como artista teatral), para el Teatro de Arte de Moscú, para la Ópera Rusa Privada de Moscú, donde comenzó su amistad de por vida con Chaliapin, para el Empresa Diaghilev. Korovin elevó la escenografía teatral y la importancia del artista en el teatro a un nuevo nivel, hizo toda una revolución en la comprensión del papel del artista en el teatro y tuvo una gran influencia en sus contemporáneos con su colorida y "espectacular" escenografía. , revelando la esencia misma de la interpretación musical.

Valentín Alexandrovich Serov

Uno de los más grandes artistas, innovador de la pintura rusa de principios de siglo, fue Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911). Serov se crió entre figuras prominentes de la cultura musical rusa (su padre es un compositor famoso, su madre es pianista), estudió con Repin y Chistyakov.

Serov a menudo pinta a representantes de la intelectualidad artística: escritores, artistas, artistas (retratos de K. Korovin, 1891, Galería Estatal Tretyakov; Levitan, 1893, Galería Estatal Tretyakov; Yermolova, 1905, Galería Estatal Tretyakov). Todos son diferentes, a todos los interpreta profundamente de forma individual, pero en todos ellos reposa la luz de la exclusividad intelectual y de la vida creativa inspirada.

Retrato, paisaje, bodegón, doméstico, pintura histórica; óleo, gouache, témpera, carboncillo: es difícil encontrar géneros pictóricos y gráficos en los que Serov no trabajaría y materiales que no usaría.

Un tema especial en la obra de Serov es el campesino. En su género campesino no hay agudeza social itinerante, pero hay un sentido de la belleza y la armonía de la vida campesina, admiración por la belleza saludable del pueblo ruso ("En el pueblo. Una mujer con un caballo", en el mapa , pastel, 1898, Galería Estatal Tretyakov). Los paisajes invernales son especialmente exquisitos con su gama de colores plata-perla.

Serov interpretó el tema histórico a su manera: las "cacerías reales" con paseos placenteros de Isabel y Catalina II fueron transmitidas por el artista del nuevo tiempo, irónico, pero también admirando invariablemente la belleza de la vida en el siglo XVIII. El interés de Serov por el siglo XVIII surgió bajo la influencia de El mundo del arte y en relación con el trabajo sobre la publicación de La historia del gran duque, el zar y la caza imperial en Rusia.

Serov fue un artista de pensamiento profundo, en constante búsqueda de nuevas formas de realización artística de la realidad. Inspirándose en el Art Nouveau, las ideas sobre la planitud y el aumento de la decoración se reflejaron no solo en composiciones históricas, sino también en su retrato de la bailarina Ida Rubinstein, en sus bocetos para El secuestro de Europa y La Odisea y Navzikai (ambos de 1910, Galería Estatal Tretyakov , cartón, témpera). Es significativo que Serov al final de su vida se vuelva hacia el mundo antiguo. En la leyenda poética, interpretada por él libremente, fuera de los cánones clásicos, quiere encontrar la armonía, búsqueda a la que el artista dedicó toda su obra.

Mijaíl Alexandrovich Vrubel

El camino creativo de Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) fue más directo, aunque al mismo tiempo inusualmente complejo. Antes de la Academia de las Artes (1880), Vrubel se graduó de la facultad de derecho de la Universidad de San Petersburgo. En 1884, fue a Kiev para supervisar la restauración de los frescos de la iglesia de San Cirilo y él mismo crea varias composiciones monumentales. Realiza bocetos en acuarela de los murales de la Catedral de Vladimir. Los bocetos no se transfirieron a las paredes, ya que el cliente estaba asustado por su falta de canonicidad y expresividad.

En los años 90, cuando el artista se instaló en Moscú, se formó el estilo de escritura de Vrubel, lleno de misterio y poder casi demoníaco, que no puede confundirse con ningún otro. Esculpe la forma como un mosaico, a partir de piezas afiladas "facetadas" de diferentes colores, como si brillaran desde el interior ("Niña contra el telón de fondo de una alfombra persa", 1886, KMRI; "Adivino", 1895, Galería Estatal Tretyakov) . Las combinaciones de colores no reflejan la realidad de la relación de colores, pero tienen un significado simbólico. La naturaleza no tiene poder sobre Vrubel. Él la conoce, la conoce perfectamente, pero crea su propio mundo de fantasía, poco parecido a la realidad. Gravita hacia temas literarios, que interpreta de manera abstracta, tratando de crear imágenes eternas de gran poder espiritual. Entonces, habiendo tomado ilustraciones para "El demonio", pronto se aparta del principio de la ilustración directa ("La danza de Tamara", "No llores, niño, no llores en vano", "Tamara en el ataúd", etc. ). La imagen del Demonio es la imagen central de toda la obra de Vrubel, su tema principal. En 1899, escribió "The Flying Demon", en 1902 - "The Downcast Demon". El demonio de Vrubel es, ante todo, una criatura que sufre. El sufrimiento prevalece sobre el mal en él, y esta es la peculiaridad de la interpretación nacional rusa de la imagen. Los contemporáneos, como se señaló correctamente, vieron en sus "Demonios" un símbolo del destino de un intelectual: un romántico que intentaba escapar rebeldemente de una realidad desprovista de armonía hacia un mundo irreal de sueños, pero sumergido en la dura realidad de lo terrenal.

Vrubel creó sus pinturas y obras gráficas más maduras a principios de siglo, en el género de paisaje, retrato, ilustración de libros. En la organización e interpretación decorativo-planar del lienzo o lámina, en la combinación de lo real y lo fantástico, en la apuesta por soluciones ornamentales rítmicamente complejas en sus obras de este período, se van afirmando cada vez más los rasgos de la modernidad.

Al igual que K. Korovin, Vrubel trabajó mucho en el teatro. Su mejor escenografía se realizó para las óperas de Rimsky-Korsakov The Snow Maiden, Sadko, The Tale of Tsar Saltan y otras en el escenario de la Ópera Privada de Moscú, es decir, para aquellas obras que le dieron la oportunidad de "comunicarse" con el folclore ruso. , cuento de hadas, leyenda.

El universalismo del talento, la imaginación sin límites, la pasión extraordinaria en la afirmación de nobles ideales distinguen a Vrubel de muchos de sus contemporáneos.

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) es un exponente directo del simbolismo pictórico. Sus obras son una tristeza elegíaca por los viejos "nidos nobles" vacíos y los moribundos "cerezos", por mujeres hermosas, espiritualizadas, casi sobrenaturales, vestidas con una especie de trajes atemporales que no llevan signos externos de lugar y tiempo.

Sus obras de caballete, sobre todo, no se asemejan ni siquiera a paneles decorativos, sino a tapices. El espacio se resuelve de forma extremadamente condicional, plana, las figuras son casi etéreas, como, por ejemplo, las muchachas junto al estanque en el cuadro "Estanque" (1902, témpera, Galería Estatal Tretyakov), inmersas en una meditación onírica, en profunda contemplación. Los tonos de color gris pálido y desteñido realzan la impresión general de belleza frágil, sobrenatural y anémica, fantasmal, que se extiende no solo a las imágenes humanas, sino también a la naturaleza representada por él. No es casualidad que Borisov-Musatov llamara a una de sus obras "Fantasmas" (1903, témpera, Galería Estatal Tretyakov): figuras femeninas silenciosas e inactivas, estatuas de mármol junto a las escaleras, un árbol semidesnudo, una gama de azul descolorido, los tonos grises y violetas realzan la fantasmalidad de lo representado.

"Mundo del Arte"

"World of Art": una organización que surgió en San Petersburgo en 1898 y unió a los maestros de la más alta cultura artística, la élite artística de Rusia de esos años. "World of Art" se ha convertido en uno de los mayores fenómenos de la cultura artística rusa. Casi todos los artistas famosos participaron en esta asociación.

En los artículos editoriales de los primeros números de la revista, las principales disposiciones del "Mundo del Arte" sobre la autonomía del arte, que los problemas de la cultura moderna son exclusivamente problemas de forma artística, y que la tarea principal del arte es educar los gustos estéticos de la sociedad rusa, principalmente a través del conocimiento de las obras del arte mundial. Debemos darles lo que les corresponde: gracias al Mundo del Arte, el arte inglés y alemán fue realmente apreciado de una manera nueva y, lo más importante, la pintura rusa del siglo XVIII y la arquitectura del clasicismo de San Petersburgo se convirtieron en un descubrimiento para muchos. "World of Art" luchó por "la crítica como arte", proclamando el ideal de un crítico-artista con una alta cultura profesional y erudición. El tipo de tal crítico fue encarnado por uno de los creadores de The World of Art, A.N. Benoit.

Exposiciones organizadas "Miriskusniki". La primera fue también la única internacional que reunió, además de rusos, a artistas de Francia, Inglaterra, Alemania, Italia, Bélgica, Noruega, Finlandia, etc. En ella participaron pintores y artistas gráficos tanto de San Petersburgo como de Moscú. Pero la grieta entre estas dos escuelas -San Petersburgo y Moscú- ya era evidente casi desde el primer día. En marzo de 1903 se clausuró la última, quinta exposición del Mundo del Arte, en diciembre de 1904 se publicó el último número de la revista Mundo del Arte. La mayoría de los artistas se trasladaron a la "Unión de artistas rusos" organizada sobre la base de la exposición "36" de Moscú, escritores: a la revista New Way inaugurada por el grupo de Merezhkovsky, simbolistas de Moscú unidos en torno a la revista "Vesy", músicos organizados " Tardes de Música Contemporánea", Diaghilev se dedicó por completo al ballet y al teatro.

En 1910, se hizo un intento de devolverle la vida al "Mundo del Arte" (dirigido por Roerich). La fama llegó al "Mundo del Arte", pero el "Mundo de las Artes" esencialmente ya no existía, aunque formalmente la asociación existió hasta principios de la década de 1920 (1924), con una total falta de integridad, tolerancia ilimitada y flexibilidad de posiciones. La segunda generación de "Mundo del Arte" estuvo menos ocupada con los problemas de la pintura de caballete, sus intereses radican en la gráfica, principalmente el libro, y las artes escénicas y decorativas, en ambas áreas realizaron una verdadera reforma artística. En la segunda generación del "Mundo del Arte" también hubo personas importantes (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin, etc.), pero no hubo artistas innovadores en absoluto.

El artista principal del "Mundo del Arte" fue K. A. Somov (1869-1939). Hijo del curador jefe del Hermitage, que se graduó en la Academia de las Artes y viajó por Europa, Somov recibió una excelente educación. La madurez creativa le llegó temprano, pero, como señaló acertadamente el investigador (V.N. Petrov), siempre tuvo cierta dualidad: la lucha entre un poderoso instinto realista y una visión del mundo dolorosamente emocional.

Somov, como lo conocemos, apareció en el retrato del artista Martynova ("Dama de azul", 1897-1900, Galería Estatal Tretyakov), en el retrato "Echo of the Past Time" (1903, en el mapa, aqua. , gouache, Galería Estatal Tretyakov), donde crea una caracterización poética de la frágil y anémica belleza femenina de la modelo decadente, negándose a transmitir los verdaderos signos cotidianos de la modernidad. Viste a los modelos con trajes antiguos, les da a su apariencia las características del sufrimiento secreto, la tristeza y la ensoñación, el doloroso quebrantamiento.

Somov posee una serie de retratos gráficos de sus contemporáneos: la élite intelectual (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky, etc.), en los que utiliza una técnica general: sobre un fondo blanco, en un cierto atemporal esfera: dibuja un rostro, una semejanza en la que no se logra a través de la naturalización, sino mediante generalizaciones audaces y una selección adecuada de detalles característicos. Esta falta de signos del tiempo crea la impresión de estática, rigidez, frialdad, casi trágica soledad.

Antes que nadie en El mundo del arte, Somov recurrió a los temas del pasado, a la interpretación del siglo XVIII. ("Carta", 1896; "Confidencialidades", 1897), siendo el precursor de los paisajes de Versalles de Benois. Es el primero en crear un mundo surrealista, tejido a partir de los motivos de la cultura nobiliaria, estamental y cortesana y sus propias sensaciones artísticas puramente subjetivas, impregnadas de ironía. El historicismo del "Mundo del Arte" fue un escape de la realidad. No el pasado, sino su puesta en escena, el anhelo de su irrecuperabilidad: este es su motivo principal. No es verdadera diversión, sino un juego de diversión con besos en los callejones, así es Somov.

El líder ideológico del "Mundo del Arte" fue A. N. Benois (1870-1960), un talento inusualmente versátil. Pintor, grafista e ilustrador de caballete, artista de teatro, director, autor de libretos de ballet, teórico e historiador del arte, figura musical, fue, en palabras de A. Bely, el principal político y diplomático del "Mundo del Arte". . Como artista, está relacionado con Somov por tendencias estilísticas y adicción al pasado ("Estoy intoxicado con Versalles, esto es una especie de enfermedad, amor, pasión criminal ... Me mudé por completo al pasado ...") . En los paisajes de Versalles, Benois fusionó la reconstrucción histórica del siglo XVII. y las impresiones contemporáneas del artista, su percepción del clasicismo francés, el grabado francés. De ahí la clara composición, la clara espacialidad, la grandiosidad y la fría severidad de los ritmos, la oposición entre la grandiosidad de los monumentos de arte y la pequeñez de las figuras humanas, que son sólo el personal entre ellas (la 1ª serie de Versalles de 1896-1898 denominada "La Últimos paseos de Luis XIV"). En la segunda serie de Versalles (1905-1906), la ironía, que también es característica de las primeras hojas, se colorea con notas casi trágicas (“El paseo del rey”, c., gouache, agua, oro, plata, pluma, 1906 , Galería Estatal Tretyakov). El pensamiento de Benois es el pensamiento de un artista teatral por excelencia, que conoció y sintió muy bien el teatro.

Benois percibe la naturaleza en una conexión asociativa con la historia (vistas de Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo, realizadas por él en técnica de acuarela).

Benois el ilustrador (Pushkin, Hoffman) es toda una página en la historia del libro. A diferencia de Somov, Benois crea una ilustración narrativa. El plano de la página no es para él un fin en sí mismo. Una obra maestra de la ilustración de libros fue el diseño gráfico de El jinete de bronce (1903,1905,1916,1921-1922, tinta y acuarela imitando la xilografía en color). En una serie de ilustraciones del gran poema, el personaje principal es el paisaje arquitectónico de San Petersburgo, ahora solemnemente patético, ahora pacífico, ahora siniestro, contra el que la figura de Eugenio parece aún más insignificante. Así es como Benois expresa el trágico conflicto entre el destino del estado ruso y el destino personal de un hombrecito ("Y toda la noche el pobre loco, / Dondequiera que volvía sus pies, / El Jinete de Bronce estaba en todas partes con él / Con un fuerte pisotón al galope”).

Como artista de teatro, Benois diseñó las representaciones de las "Estaciones rusas", de las cuales la más famosa fue el ballet "Petrushka" con la música de Stravinsky, trabajó mucho en el Teatro de Arte de Moscú y, más tarde, en casi todas las principales etapas europeas.

Un lugar especial en el "Mundo del Arte" lo ocupa N. K. Roerich (1874-1947). Conocedor de la filosofía y etnografía de Oriente, arqueólogo-científico, Roerich recibió una excelente educación, primero en casa, luego en las facultades de derecho e histórico-filológicas de la Universidad de San Petersburgo, luego en la Academia de las Artes, en el taller. de Kuindzhi, y en París en el estudio de F. Cormon. Pronto ganó la autoridad de un científico. Estaba relacionado con el "Mundo del Arte" por el mismo amor por la retrospección, solo que no de los siglos XVII-XVIII, sino de la antigüedad pagana eslava y escandinava, a la antigua Rusia; tendencias estilísticas, decoración teatral ("Messenger", 1897, State Tretyakov Gallery; "The Elders Converge", 1898, Russian Museum; "Sinister", 1901, Russian Museum). Roerich estaba más estrechamente asociado con la filosofía y la estética del simbolismo ruso, pero su arte no encajaba en el marco de las tendencias existentes porque, de acuerdo con la cosmovisión del artista, se volvió, por así decirlo, a toda la humanidad con un atractivo. por una unión amistosa de todos los pueblos. De ahí el especial carácter épico de sus cuadros.

Después de 1905, el ambiente de misticismo panteísta creció en el trabajo de Roerich. Los temas históricos dan paso a las leyendas religiosas (La batalla celestial, 1912, Museo Ruso). El ícono ruso tuvo una gran influencia en Roerich: su panel decorativo "La batalla de Kerzhents" (1911) se exhibió durante la representación de un fragmento del mismo título de la ópera de Rimsky-Korsakov "La leyenda de la ciudad invisible de Kitezh y el Maiden Fevronia” en el parisino “Russian Seasons”.

El "Mundo del Arte" fue un importante movimiento estético de principios de siglo, revalorizando toda la cultura artística moderna, estableciendo nuevos gustos y problemas, devolviendo al arte -al más alto nivel profesional- las formas perdidas de la gráfica del libro y la representación teatral y la pintura decorativa, que ganó reconocimiento en toda Europa gracias a sus esfuerzos, creó una nueva crítica de arte, que promovió el arte ruso en el extranjero, de hecho, incluso abrió algunas de sus etapas, como el siglo XVIII ruso. El "Mundo del Arte" creó un nuevo tipo de pintura histórica, retrato, paisaje con características estilísticas propias (distintas tendencias estilísticas, predominio de las técnicas gráficas sobre las pictóricas, una comprensión del color puramente decorativa, etc.). Esto determina su importancia para el arte ruso.

Las debilidades del "Mundo del Arte" se reflejaron principalmente en la variedad e inconsistencia del programa, proclamando el modelo "o Böcklin, luego Manet"; en visiones idealistas sobre el arte, en una indiferencia afectada por las tareas cívicas del arte, en la apatía programática, en la pérdida del significado social de la imagen. La intimidad del "Mundo del Arte", su puro esteticismo determinaron el corto período histórico de su vida en la era de formidables presagios trágicos de la inminente revolución. Estos fueron solo los primeros pasos en el camino de las búsquedas creativas, y muy pronto los jóvenes superaron a los estudiantes del Mundo del Arte.

"Unión de Artistas Rusos"

En 1903, se fundó una de las mayores asociaciones de exhibición de principios de siglo, la Unión de Artistas Rusos. Al principio, casi todas las figuras prominentes del "Mundo del Arte": Benois, Bakst, Somov, ingresaron, Vrubel, Borisov-Musatov participaron en las primeras exposiciones. Los iniciadores de la creación de la asociación fueron artistas moscovitas vinculados al "Mundo del Arte", pero lastrados por la estética programática de los petersburgueses.

Paisaje nacional, cuadros pintados con amor de la Rusia campesina, uno de los géneros principales de los artistas de la "Unión", en el que el "impresionismo ruso" se expresó de una manera peculiar con sus motivos predominantemente rurales en lugar de urbanos. Así los paisajes de I.E. Grabar (1871-1960), con su humor lírico, con los más finos matices pictóricos que reflejan cambios instantáneos en la verdadera naturaleza, es una especie de paralelo en suelo ruso con el paisaje impresionista francés ("September Snow", 1903, State Tretyakov Gallery). El interés de Grabar por la descomposición del color visible en colores puros espectrales de la paleta también lo relaciona con el neoimpresionismo, con J. Seurat y P. Signac ("March Snow", 1904, State Tretyakov Gallery). El juego de colores en la naturaleza, los complejos efectos colorísticos se convierten en objeto de estudio detenido de los "Aliados", quienes crean en el lienzo un mundo figurativo pictórico y plástico, desprovisto de narrativa e ilustratividad.

Con todo el interés por la transmisión de la luz y el aire en la pintura de los maestros de la "Unión", nunca se observa la disolución del objeto en el medio luz-aire. El color se vuelve decorativo.

Los "Aliados", a diferencia de los habitantes de Petersburgo, los artistas gráficos del "Mundo del Arte", son principalmente pintores con un sentido decorativo elevado del color. Un excelente ejemplo de esto son las pinturas de F.A. Malyavin.

En general, Los aliados gravitaron no solo hacia los estudios al aire libre, sino también hacia las formas pictóricas monumentales. Hacia 1910, época de la escisión y formación secundaria del "Mundo del Arte", en las exposiciones de la "Unión" se podía ver un paisaje intimista (Vinogradov, Yuon, etc.), pintura cercana al divisionismo francés (Grabar , Larionov temprano) o cerca del simbolismo ( P. Kuznetsov, Sudeikin); también asistieron los artistas del "Mundo del Arte" de Diaghilev: Benois, Somov, Bakst.

La "Unión de Artistas Rusos", con sus sólidos cimientos realistas, que desempeñó un papel importante en las bellas artes nacionales, tuvo cierto impacto en la formación de la escuela de pintura soviética, habiendo existido hasta 1923.

En 1907, en Moscú, la revista Golden Fleece organizó la única exposición de artistas después de Borisov-Musatov, llamada Blue Rose. P. Kuznetsov se convirtió en el artista principal de Blue Rose. El más cercano de todos los "Goluborozovtsy" al simbolismo, que se expresó principalmente en su "lenguaje": inestabilidad del estado de ánimo, vaga e intraducible musicalidad de las asociaciones, refinamiento de las relaciones de color. La plataforma estética de los expositores también tuvo un efecto en los años siguientes, y el nombre de esta exposición se convirtió en un nombre familiar para toda una tendencia en el arte de la segunda mitad del siglo XX. Toda la actividad de la "Rosa Azul" también lleva la huella más fuerte de la influencia del estilo Art Nouveau (estilización plana-decorativa de formas, ritmos lineales caprichosos).

Las obras de P. V. Kuznetsov (1878-1968) reflejan los principios básicos de los Osos Azules. Kuznetsov creó un cuadro de panel decorativo en el que buscó abstraerse de la concreción cotidiana, para mostrar la unidad del hombre y la naturaleza, la estabilidad del ciclo eterno de la vida y la naturaleza, el nacimiento del alma humana en esta armonía. De ahí el anhelo de formas pictóricas monumentales, soñadora-contemplativa, depurada de todo lo instantáneo, universal, notas atemporales, un deseo constante de transmitir la espiritualidad de la materia. Una figura es sólo un signo que expresa un concepto; el color sirve para transmitir sentimientos; ritmo, para introducirse en un cierto mundo de sensaciones (como en la pintura de iconos, un símbolo de amor, ternura, dolor, etc.). De ahí la recepción de una distribución uniforme de la luz sobre toda la superficie del lienzo como uno de los fundamentos del efecto decorativo de Kuznetsov. Serov dijo que la naturaleza de P. Kuznetsov "respira". Esto se expresa perfectamente en sus suites Kyrgyz (Steppe) y Bukhara, en paisajes de Asia Central. Kuznetsov estudió las técnicas de la pintura de iconos rusos antiguos, el Renacimiento italiano temprano. Esta apelación a las tradiciones clásicas del arte mundial en busca de su propio gran estilo, como correctamente señalaron los investigadores, fue de fundamental importancia en un período en el que a menudo se negaba por completo cualquier tradición.

El exotismo de Oriente - Irán, Egipto, Turquía - se realiza en los paisajes de M. S. Saryan (1880-1972). Oriente era un tema natural para el artista armenio. Saryan crea en su pintura un mundo lleno de brillante decoratividad, más apasionante, más terrenal que el de Kuznetsov, y la solución pictórica se construye siempre sobre relaciones cromáticas contrastantes, sin matices, en nítida comparación de sombras (“Date Palm, Egypt”, 1911 , mapas. , temple, GTG).

Las imágenes de Saryan son monumentales debido a la generalización de formas, grandes planos coloridos, la lapidación general del lenguaje: esta es, por regla general, una imagen generalizada de Egipto, ya sea Persia, Armenia nativa, manteniendo la naturalidad vital, como si está escrito de la naturaleza. Los lienzos decorativos de Saryan son siempre alegres, corresponden a su idea de creatividad: “... una obra de arte es el resultado mismo de la felicidad, es decir, el trabajo creativo. Por lo tanto, debe encender la llama de la quema creativa en el espectador, contribuir a la identificación de su deseo natural de felicidad y libertad.

"Jota de diamantes"

En 1910, varios artistas jóvenes - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova y otros - se unieron en la organización Jack of Diamonds, que tenía su propia carta, organizó exposiciones y publicó sus propias colecciones de artículos. La “Jota de Diamantes” existió en realidad hasta 1917. Como el postimpresionismo, principalmente Cézanne, fue una “reacción al impresionismo”, la “Jota de Diamantes” opuso la vaguedad, la intraducibilidad, los matices más sutiles del lenguaje simbólico de la “Jota de Diamantes”. Blue Rose” y el estilismo estético del “Mundo del Arte”. El "Knave of Diamonds", llevado por la materialidad, la "materialidad" del mundo, profesaba una construcción clara de la imagen, enfatizaba la objetividad de la forma, la intensidad, la plenitud del color. No es casualidad que la naturaleza muerta se convierta en el género favorito de los “Valetovitas”, así como el paisaje se convierte en el género favorito de los miembros de la Unión de Artistas Rusos. La sutileza en la transmisión del cambio de humor, el psicologismo de las características, la subestimación de los estados, la desmaterialización de la pintura de los Blue Bearers, su poesía romántica son rechazados por los valetovitas. Se oponen a la festividad casi espontánea de los colores, la expresión del dibujo de contorno, la escritura amplia, pastosa y jugosa, que transmiten una visión optimista del mundo, creando un estado de ánimo cuadrado casi ridículo. El "Knave of Diamonds" permite tales simplificaciones en la interpretación de la forma, que son similares a una estampa popular popular, un juguete popular, azulejos de pintura, un letrero. El anhelo de primitivismo (del latín primitivus - primitivo, inicial) se manifestó en varios artistas que imitaron las formas de arte simplificadas de las llamadas eras primitivas - tribus y nacionalidades primitivas - en busca de ganar inmediatez e integridad de la percepción artística. La “Jota de Diamantes” extrajo sus percepciones de Cezanne (de ahí el nombre de “cezanneísmo ruso”), más aún del cubismo (“cambio” de formas) e incluso del futurismo (dinámica, varias modificaciones de forma.

La extrema simplificación de la forma, la conexión directa con el arte de la señalización es especialmente notable en M.F. Larionov (1881-1964), uno de los fundadores de la "Jota de Diamantes", pero ya en 1911 rompió con él. Larionov pinta paisajes, retratos, naturalezas muertas, trabaja como artista de teatro de la empresa Diaghilev, luego se vuelve a la pintura de género, su tema es la vida de una calle provincial, cuarteles de soldados. Las formas son planas, grotescas, como deliberadamente estilizadas como un dibujo infantil, una estampa popular o un letrero. En 1913, Larionov publicó su libro "Luchismo", de hecho, el primero de los manifiestos del arte abstracto, cuyos verdaderos creadores en Rusia fueron V. Kandinsky y K. Malevich.

Artista N. S. Goncharova (1881-1962), la esposa de Larionov, desarrolló las mismas tendencias en sus pinturas de género, principalmente sobre un tema campesino. En los años que se reseñan, en su obra, más decorativa y colorida que el arte de Larionov, monumental en su fuerza interior y laconismo, se siente profundamente la pasión por el primitivismo. Al describir el trabajo de Goncharova y Larionov, a menudo se usa el término "neoprimitivismo".

MZ Chagall (1887-1985) creó fantasías transformadas a partir de las aburridas impresiones de la vida de la pequeña ciudad de Vitebsk e interpretadas con un espíritu ingenuo-poético y grotesco-simbólico. Con espacio surrealista, colores brillantes, primitivización deliberada de la forma, Chagall resulta estar cerca tanto del expresionismo occidental como del arte popular primitivo ("I and the Village", 1911, Museo de Arte Contemporáneo, Nueva York; "Over Vitebsk", 1914 , col. Zak. Toronto; "Boda", 1918, Galería Estatal Tretyakov).

"Unión juvenil"

La Unión de la Juventud es una organización de San Petersburgo formada casi simultáneamente con la Jota de Diamantes (1909). El papel principal fue interpretado por L. Zheverzheev. Al igual que los "valetovtsy", los miembros de la "Unión de la Juventud" publicaron colecciones teóricas. Hasta el colapso de la asociación en 1917. La "Unión de la Juventud" no tenía un programa específico, profesaba el simbolismo, el cubismo, el futurismo y la "no objetividad", pero cada uno de los artistas tenía su propia cara creativa.

El arte de los años prerrevolucionarios en Rusia está marcado por la inusitada complejidad e inconsistencia de las búsquedas artísticas, de ahí las sucesivas agrupaciones con su propia configuración programática y simpatías estilísticas. Pero junto con los experimentadores en el campo de las formas abstractas en el arte ruso de esa época, el "Mundo del Arte" y los "Goluborozitas", "aliados", "bribones de diamantes" continuaron trabajando al mismo tiempo, también hubo una poderosa corriente de corrientes neoclásicas, un ejemplo de lo cual puede ser el trabajo de un miembro activo del "arte Mir" en su "segunda generación" Z. E. Serebryakova (1884-1967). En sus lienzos de género poético con su dibujo lacónico, modelado plástico palpablemente sensual y equilibrio de composición, Serebryakova procede de las altas tradiciones nacionales del arte ruso, principalmente Venetsianov y aún más: el arte ruso antiguo ("Campesinos", 1914, Museo Ruso; "Cosecha", 1915 , Museo de Arte de Odessa; "Blanqueamiento del lienzo", 1917, Galería Estatal Tretyakov).

Finalmente, la obra de K. S. Petrov-Vodkin (1878-1939), un artista-pensador que luego se convirtió en el maestro de arte más destacado del período soviético, es una brillante evidencia de la vitalidad de las tradiciones nacionales, la gran pintura rusa antigua. En el famoso cuadro El baño del caballo rojo (1912, viernes), el artista recurrió a una metáfora figurativa. Como se señaló correctamente, el joven sobre un caballo rojo brillante evoca asociaciones con la imagen popular de San Jorge el Victorioso ("San Yegory"), y la silueta generalizada, la composición rítmica y compacta, la saturación de manchas de colores contrastantes que el sonido con toda su fuerza, y la planitud en la interpretación de las formas conducen a la memoria de un antiguo icono ruso. Petrov-Vodkin crea una imagen armoniosamente iluminada en la pintura monumental "Chicas en el Volga" (1915, Galería Estatal Tretyakov), en la que también siente su orientación hacia las tradiciones del arte ruso, lo que lleva al maestro a una verdadera nacionalidad.

Arquitectura

La era del capitalismo industrial altamente desarrollado provocó cambios significativos en la arquitectura, principalmente en la arquitectura de la ciudad. Hay nuevos tipos de estructuras arquitectónicas: fábricas, estaciones, tiendas, bancos, con la llegada del cine: cines. El golpe lo dieron los nuevos materiales de construcción: hormigón armado y estructuras metálicas, que permitieron taponar espacios gigantescos, hacer enormes escaparates y crear un estrafalario patrón de encuadernaciones.

En la última década del siglo XIX, quedó claro para los arquitectos que al utilizar los estilos históricos del pasado, la arquitectura había llegado a un callejón sin salida; según los investigadores, ya era necesario, según los investigadores, no “reorganizar ” estilos históricos, sino para comprender creativamente lo nuevo que se estaba acumulando en el entorno de una ciudad capitalista en rápido crecimiento. . Los últimos años del siglo XIX y principios del XX son la época del dominio de la modernidad en Rusia, que se formó en Occidente principalmente en la arquitectura belga, del sur de Alemania y austriaca, un fenómeno en general cosmopolita (aunque aquí también, la modernidad rusa se diferencia del europeo occidental, porque es una mezcla con el histórico neorrenacentista, neobarroco, neorrococó, etc.).

Un ejemplo sorprendente del Art Nouveau en Rusia fue el trabajo de F.O. Shejtel (1859-1926). Casas rentables, mansiones, edificios de empresas comerciales y estaciones: en todos los géneros, Shekhtel dejó su letra. La asimetría del edificio es efectiva para él, el aumento orgánico de los volúmenes, la diferente naturaleza de las fachadas, el uso de balcones, porches, miradores, sandriks sobre las ventanas, la introducción de una imagen estilizada de lirios o lirios en el decoración arquitectónica, el uso de vidrieras con el mismo motivo ornamental, diferentes texturas de materiales en el diseño de interiores. Un patrón extraño, construido sobre los giros de las líneas, se extiende a todas las partes del edificio: el friso de mosaico, amado por el Art Nouveau, o un cinturón de azulejos de cerámica vidriada en colores decadentes desvaídos, encuadernaciones de vidrieras, un patrón de cerca, celosías de balcón; en la composición de las escaleras, incluso en los muebles, etc. Caprichosos contornos curvilíneos dominan todo. En el Art Nouveau, se puede rastrear una cierta evolución, dos etapas de desarrollo: la primera es decorativa, con especial pasión por el ornamento, la escultura decorativa y la pintura (cerámica, mosaicos, vidrieras), la segunda es más constructiva, racionalista.

Art Nouveau está bien representado en Moscú. Durante este período se construyeron aquí estaciones de ferrocarril, hoteles, bancos, mansiones de la burguesía adinerada, casas de vecindad. La mansión Ryabushinsky en Nikitsky Gates en Moscú (1900-1902, arquitecto F.O. Shekhtel) es un ejemplo típico del Art Nouveau ruso.

Apelar a las tradiciones de la arquitectura rusa antigua, pero a través de las técnicas de la modernidad, sin copiar los detalles naturalistas de la arquitectura rusa medieval, que era característico del "estilo ruso" de mediados del siglo XIX, sino variando libremente, tratando de transmitir el espíritu mismo de la antigua Rusia, dio lugar al llamado estilo neorruso de principios del siglo XX (a veces llamado neorromanticismo). Su diferencia con el Art Nouveau en sí está principalmente en el disfraz, y no en revelar, lo que es típico del Art Nouveau, la estructura interna del edificio y el propósito utilitario detrás de la ornamentación intrincadamente compleja (Shekhtel - Estación Yaroslavsky en Moscú, 1903-1904; AV Shchusev - estación de tren Kazansky en Moscú, 1913-1926; V. M. Vasnetsov - el antiguo edificio de la Galería Tretyakov, 1900-1905). Tanto Vasnetsov como Shchusev, cada uno a su manera (y el segundo bajo la gran influencia del primero), estaban imbuidos de la belleza de la arquitectura rusa antigua, especialmente Novgorod, Pskov y el Moscú temprano, apreciaban su identidad nacional e interpretaban creativamente su formularios

Art Nouveau se desarrolló no solo en Moscú, sino también en San Petersburgo, donde se desarrolló bajo la influencia indudable de los escandinavos, llamados "modernos del norte": P.Yu. Suzor en 1902-1904 construye el edificio de la empresa Singer en Nevsky Prospekt (ahora la Casa de los Libros). Se suponía que la esfera terrestre en el techo del edificio simbolizaba la naturaleza internacional de las actividades de la empresa. El revestimiento de la fachada utilizó piedras preciosas (granito, labradorita), bronce y mosaicos. Pero el modernismo de San Petersburgo estuvo influenciado por las tradiciones del clasicismo monumental de San Petersburgo. Esto sirvió como impulso para el surgimiento de otra rama de la modernidad: el neoclasicismo del siglo XX. En la mansión de A.A. Polovtsov en la isla de Kamenny en San Petersburgo (1911-1913) arquitecto I.A. Fomin (1872-1936) afectó de lleno los rasgos de este estilo: la fachada (volumen central y alas laterales) se resolvió en el orden jónico, y los interiores de la mansión de forma reducida y más modesta, por así decirlo, repiten el enfilada del salón del Palacio Tauride, pero los enormes ventanales de la semi-rotonda del jardín de invierno, dibujo estilizado de detalles arquitectónicos definen claramente la época de principios de siglo. Las obras de una escuela de arquitectura puramente de San Petersburgo de principios de siglo - casas de vecindad - al comienzo de la avenida Kamennoostrovsky (No. 1-3), Conde M.P. Tolstoi en la Fontanka (No. 10-12), edificios b. Azov-Don Bank en Bolshaya Morskaya y el Hotel Astoria pertenecen al arquitecto F.I. Lidval (1870-1945), uno de los maestros más destacados del Art Nouveau de San Petersburgo.

El Art Nouveau fue uno de los estilos más significativos que finalizó el siglo XIX y abrió el siguiente. En él se utilizaron todos los logros modernos de la arquitectura. Moderno no es sólo un determinado sistema constructivo. Desde el reinado del clasicismo, el moderno es quizás el estilo más consistente en términos de su enfoque holístico, la solución de conjunto del interior. El Art Nouveau como estilo capturó el arte de los muebles, utensilios, telas, alfombras, vidrieras, cerámica, vidrio, mosaicos, es reconocido en todas partes por sus contornos y líneas dibujadas, su gama especial de colores descoloridos, pasteles y su patrón favorito de lirios e iris.

Escultura

Escultura rusa a finales de los siglos XIX y XX. y los primeros años prerrevolucionarios están representados por varios nombres importantes. En primer lugar, este es P.P. Trubetskoy (1866-1938). Sus primeros trabajos rusos (retrato de Levitan, imagen de Tolstoy a caballo, ambos - 1899, bronce) dan una imagen completa del método impresionista de Trubetskoy: la forma está, por así decirlo, toda impregnada de luz y aire, dinámica, diseñada para ser visto desde todos los puntos de vista y desde diferentes ángulos crea una caracterización multifacética de la imagen. La obra más notable de P. Trubetskoy en Rusia fue el monumento de bronce a Alejandro III, erigido en 1909 en San Petersburgo, en la Plaza Znamenskaya. Aquí Trubetskoy deja su estilo impresionista. Los investigadores han notado repetidamente que la imagen del emperador de Trubetskoy se resuelve, por así decirlo, en contraste con la de Falconet, y junto a El jinete de bronce, esta es una imagen casi satírica de la autocracia. Nos parece que este contraste tiene un significado diferente; no Rusia, “levantada sobre sus patas traseras”, como un barco botado en aguas europeas, sino la Rusia de la paz, la estabilidad y la fuerza es simbolizada por este jinete sentado pesadamente sobre un pesado caballo.

El impresionismo en una refracción creativa peculiar y muy individual encontró expresión en las obras de A. S. Golubkina (1864-1927). En las imágenes de Golubkina, especialmente las mujeres, hay mucha pureza moral, democracia profunda. En la mayoría de los casos, se trata de imágenes de personas pobres comunes: mujeres agotadas o "niños de la mazmorra" enfermizos.

Lo más interesante en el trabajo de Golubkina son sus retratos, siempre dramáticos, que generalmente son característicos del trabajo de este maestro, e inusualmente diversos (retrato de VF Ern (madera, 1913, Galería Estatal Tretyakov) o un busto de Andrei Bely (yeso, 1907, Galería Estatal Tretyakov)) .

En la obra de Trubetskoy y Golubkina, a pesar de todas sus diferencias, hay algo en común: rasgos que los relacionan no solo con el impresionismo, sino también con el ritmo de líneas fluidas y formas de la modernidad.

El impresionismo, que capturó la escultura de principios de siglo, afectó poco el trabajo de S. T. Konenkov (1874-1971). El mármol "Nike" (1906, Galería Estatal Tretyakov) con rasgos claramente retratados (además, eslavos) de una cara redonda con hoyuelos en las mejillas presagia las obras que Konenkov realizó después de un viaje a Grecia en 1912. Las imágenes de la mitología pagana griega son entrelazado con la mitología eslava. Konenkov comienza a trabajar en madera, se basa mucho en el folclore ruso, los cuentos de hadas rusos. De ahí su "Stribog" (árbol, 1910, Galería Estatal Tretyakov), "Velikosil" (árbol, privado, col.), imágenes de mendigos y ancianos ("Old Man-Polyevichok", 1910).

En el renacimiento de la escultura de madera, el gran mérito de Konenkov. El amor por la epopeya rusa, por el cuento de hadas ruso coincidió en el tiempo con el "descubrimiento" de la pintura de iconos rusos antiguos, la escultura de madera rusa antigua, con un interés en la arquitectura rusa antigua. A diferencia de Golubkina, Konenkov carece de dramatismo, de colapso mental. Sus imágenes están llenas de optimismo popular.

En el retrato, Konenkov fue uno de los primeros en plantear el problema del color a principios de siglo. Su coloración de piedra o madera es siempre muy delicada, teniendo en cuenta las características del material y las características de la solución plástica.

De las obras monumentales de principios de siglo, es necesario señalar el monumento a N.V. Gogol N. A. Andreeva (1873-1932), abrió en Moscú en 1909. Este es Gogol de los últimos años de su vida, enfermo terminal. Inusualmente expresivos son su perfil triste con una nariz afilada ("Gogol"), una figura delgada envuelta en un abrigo; En el lenguaje lapidario de la escultura, Andreev transmitió la tragedia de una gran personalidad creativa. En un friso en bajorrelieve sobre un pedestal en composiciones de múltiples figuras, los héroes inmortales de Gogol se representan de una manera completamente diferente, con humor o incluso satíricamente.

A. T. Matveev (1878-1960). Superó la influencia impresionista de su maestro en sus primeros trabajos: desnudo (el tema principal de esos años. Arquitectónica estricta, laconismo de formas generalizadas estables, un estado de iluminación, paz, armonía distinguen a Matveev, contrastando directamente su trabajo con escultórico impresionismo.

Como señalaron acertadamente los investigadores, las obras del maestro están diseñadas para una percepción reflexiva a largo plazo, requieren un estado de ánimo interno, "silencio" y luego se abren más completa y profundamente. Poseen la musicalidad de las formas plásticas, gran gusto artístico y poesía. Todas estas cualidades son inherentes a la lápida de V.E. Borisov-Musatov en Tarusa (1910, granito). En la figura de un niño dormido, es difícil ver la línea entre el sueño y la inexistencia, y esto se hace en las mejores tradiciones de la escultura conmemorativa del siglo XVIII. Kozlovsky y Martos, con su sabia y serena aceptación de la muerte, que a su vez nos lleva aún más lejos, a estelas antiguas arcaicas con escenas de "golosinas fúnebres". Esta lápida es el pináculo en el trabajo de Matveev del período prerrevolucionario, quien todavía tenía que trabajar fructíferamente y convertirse en uno de los famosos escultores soviéticos. En el período anterior a octubre, aparecieron varios jóvenes maestros talentosos en la escultura rusa (S.D. Merkurov, V.I. Mukhina, I.D. Shadr, etc.), quienes en la década de 1910 recién comenzaban su actividad creativa. Trabajaron en diferentes direcciones, pero conservaron las tradiciones realistas que trajeron al nuevo arte, desempeñando un papel importante en su formación y desarrollo.

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