Bellas artes de principios del siglo XX. Las principales direcciones de las bellas artes del siglo XX: SkillsUp: un catálogo conveniente de lecciones sobre diseño, gráficos por computadora, lecciones de Photoshop y lecciones de Photoshop. Temas y preguntas de las clases del seminario.

Este artículo proporciona una breve descripción de los principales estilos artísticos del siglo XX. Será útil saberlo tanto para artistas como para diseñadores.

Modernismo (del francés moderne modern)

en arte, nombre colectivo de las tendencias artísticas que se establecieron en la segunda mitad del siglo XIX en forma de nuevas formas de creatividad, donde ya no prevalecía tanto seguir el espíritu de la naturaleza y la tradición, sino más bien la libre mirada de un maestro, libre de cambiar el mundo visible a su propia discreción, siguiendo impresiones personales, ideas internas o un sueño místico (estas tendencias continuaron en gran medida la línea del romanticismo). Sus direcciones más significativas, a menudo interactuantes activamente, fueron el impresionismo, el simbolismo y el modernismo. En la crítica soviética, el concepto de "modernismo" se aplicó ahistóricamente a todos los movimientos artísticos del siglo XX que no correspondían a los cánones del realismo socialista.

abstraccionismo(arte bajo el signo de “formas cero”, arte no objetivo) es una dirección artística que se formó en el arte de la primera mitad del siglo XX, abandonando por completo la reproducción de formas del mundo real visible. Los fundadores del arte abstracto son considerados V. Kandinsky, P. Mondrian y K. Malevich. V. Kandinsky creó su propio tipo de pintura abstracta, liberando las manchas impresionistas y "salvajes" de cualquier signo de objetividad. Piet Mondrian llegó a su no objetividad a través de la estilización geométrica de la naturaleza iniciada por Cézanne y los cubistas. Los movimientos modernistas del siglo XX, centrados en el abstraccionismo, se apartan por completo de los principios tradicionales, negando el realismo, pero al mismo tiempo permaneciendo dentro del marco del arte. La historia del arte experimentó una revolución con la llegada del arte abstracto. Pero esta revolución no surgió por casualidad, sino de forma bastante natural, ¡y fue predicha por Platón! En su última obra Filebo, escribió sobre la belleza de las líneas, las superficies y las formas espaciales en sí mismas, independientemente de cualquier imitación de objetos visibles, de cualquier mimesis. Este tipo de belleza geométrica, a diferencia de la belleza de las formas naturales "irregulares", según Platón, no es relativa, sino incondicional, absoluta.

futurismo- movimiento literario y artístico en el arte de la década de 1910. Al asignarse el papel de prototipo del arte del futuro, el futurismo como programa principal propuso la idea de destruir los estereotipos culturales y, en cambio, ofreció una apología de la tecnología y el tecnismo urbano como principales signos del presente y el futuro. Una idea artística importante del futurismo fue la búsqueda de una expresión plástica de la velocidad del movimiento como principal signo del ritmo de la vida moderna. La versión rusa del futurismo se llamó kybofuturismo y se basó en una combinación de los principios plásticos del cubismo francés y las instalaciones estéticas generales europeas del futurismo pizma. Utilizando intersecciones, cambios, colisiones y afluencias de formas, los artistas intentaron expresar la multiplicidad fragmentada de impresiones de una persona contemporánea, un habitante de la ciudad.

Cubismo- “la revolución artística más completa y radical desde el Renacimiento” (J. Golding). Artistas: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Cubismo - (cubismo francés, de cubo - cubo) dirección en el arte del primer cuarto del siglo XX. El lenguaje plástico del cubismo se basó en la deformación y descomposición de objetos en planos geométricos, un cambio plástico de forma. Muchos artistas rusos quedaron fascinados por el cubismo, combinando a menudo sus principios con las técnicas de otras corrientes artísticas modernas: el futurismo y el primitivismo. Una versión específica de la interpretación del cubismo en suelo ruso se ha convertido en el cubofuturismo.

Purismo- (purisme francés, del latín purus - puro) movimiento en la pintura francesa de finales de los años 10 y 20. Los principales representantes son el artista. A. Ozanfán y arquitecto SE Jeanneret (Le Corbusier). Rechazando las tendencias decorativas del cubismo y otros movimientos de vanguardia de la década de 1910 y la deformación de la naturaleza que aceptaban, los puristas buscaron una transferencia racionalistamente ordenada de formas de objetos estables y lacónicas, como si estuvieran "limpias" de detalles, a la representación de " elementos primarios”. Las obras de los puristas se caracterizan por la planitud, el ritmo suave de las siluetas luminosas y los contornos de objetos similares (jarras, vasos, etc.). Sin desarrollarse en forma de caballete, los principios artísticos del purismo, significativamente repensados, se reflejaron parcialmente en la arquitectura moderna, principalmente en los edificios de Le Corbusier.

serrealismo- un movimiento cosmopolita en la literatura, la pintura y el cine que surgió en 1924 en Francia y que oficialmente finalizó su existencia en 1969. Contribuyó significativamente a la formación de la conciencia. hombre moderno. Las principales figuras del movimiento son André Bretón- escritor, líder e inspirador ideológico del movimiento, Luis Aragón- uno de los fundadores del surrealismo, que más tarde se transformó de forma extraña en un cantante del comunismo, Salvador Dalí- artista, teórico, poeta, guionista, que definió la esencia del movimiento con las palabras: "¡El surrealismo soy yo!", un cineasta muy surrealista luis buñuel, artista Joan Miró- “la pluma más hermosa del sombrero del surrealismo”, como la llamaron Breton y muchos otros artistas de todo el mundo.

Fauvismo(del francés les fauves - salvaje (animales)) Dirección local en la pintura temprana. Siglo XX El nombre F. fue asignado burlonamente a un grupo de jóvenes artistas parisinos ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marche, E.O. Friez, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), que participaron conjuntamente en varias exposiciones entre 1905 y 1907, después de su primera exposición en 1905. El nombre fue adoptado por el propio grupo y se consolidó firmemente. El movimiento no tenía un programa, manifiesto ni teoría propia claramente formulados y, sin embargo, no duró mucho, dejando una huella notable en la historia del arte. Sus participantes en esos años estaban unidos por el deseo de crear imágenes artísticas exclusivamente con la ayuda de colores abiertos extremadamente brillantes. Desarrollando los logros artísticos de los postimpresionistas ( Cézanne, Gauguin, Van Gogh), apoyándose en algunas técnicas formales del arte medieval (vidrieras, arte románico) y grabados japoneses, populares en los círculos artísticos de Francia desde la época de los impresionistas, los fauvistas buscaron maximizar el uso de las posibilidades coloristas de la pintura.

Expresionismo(de la expresión francesa - expresividad) - un movimiento modernista en el arte de Europa occidental, principalmente en Alemania, en el primer tercio del siglo XX, que surgió en un período histórico determinado, en vísperas de la Primera Guerra Mundial. La base ideológica del expresionismo fue una protesta individualista contra el mundo feo, la creciente alienación del hombre del mundo, el sentimiento de falta de hogar, el colapso y el colapso de aquellos principios sobre los que la cultura europea parecía descansar tan firmemente. Los expresionistas se caracterizan por una afinidad por el misticismo y el pesimismo. Técnicas artísticas características del expresionismo: rechazo del espacio ilusorio, deseo de una interpretación plana de los objetos, deformación de los objetos, amor por las disonancias coloridas agudas, una coloración especial que contiene drama apocalíptico. Los artistas percibieron la creatividad como una forma de expresar emociones.

suprematismo(del latín supremus - más alto, más alto; primero; último, extremo, aparentemente, a través del polaco supremacja - superioridad, supremacía) La dirección del arte de vanguardia del primer tercio del siglo XX, cuyo creador, principal representante y teórico fue un artista ruso Kazimir Malevich. El término en sí no refleja la esencia del suprematismo. De hecho, en opinión de Malevich, esta es una característica evaluativa. El suprematismo es la etapa más alta del desarrollo del arte en el camino de la liberación de todo lo extraartístico, en el camino de la identificación última de lo no objetivo, como esencia de cualquier arte. En este sentido, Malevich consideraba suprematista (o “supremacista”) el arte ornamental primitivo. Primero aplicó este término a un gran grupo de sus pinturas (39 o más) que representan abstracciones geométricas, incluido el famoso "Cuadrado Negro" sobre un fondo blanco, "Cruz Negra", etc., exhibido en la exposición futurista de Petrogrado "Cero- Diez" en 1915. Fueron estas y otras abstracciones geométricas similares las que dieron lugar al nombre de suprematismo, aunque el propio Malevich le atribuyó muchas de sus obras de los años 20, que aparentemente contenían algunas formas de objetos específicos, especialmente figuras humanas, pero conservaban el “espíritu suprematista”. Y, de hecho, los desarrollos teóricos posteriores de Malevich no dan motivos para reducir el suprematismo (al menos por parte del propio Malevich) sólo a abstracciones geométricas, aunque, por supuesto, constituyen su núcleo, esencia e incluso (en blanco y negro y en blanco). suprematismo blanco) llevan la pintura al límite de su existencia en general como forma de arte, es decir, al cero pictórico, más allá del cual ya no hay pintura misma. Este camino fue continuado en la segunda mitad del siglo por numerosas tendencias en la actividad artística que abandonaron los pinceles, las pinturas y los lienzos.

ruso vanguardia La década de 1910 presenta un panorama bastante complejo. Se caracteriza por un rápido cambio de estilos y tendencias, una abundancia de grupos y asociaciones de artistas, cada uno de los cuales proclamó su propio concepto de creatividad. Algo parecido ocurrió en la pintura europea de principios de siglo. Sin embargo, la mezcla de estilos, la “confusión” de tendencias y direcciones eran desconocidas en Occidente, donde el movimiento hacia nuevas formas fue más consistente. Muchos maestros de la generación más joven se movieron con extraordinaria rapidez de un estilo a otro, de una etapa a otra, del impresionismo al modernismo, luego al primitivismo, el cubismo o el expresionismo, pasando por muchas etapas, lo cual era completamente atípico para los maestros de la pintura francesa o alemana. . La situación que se desarrolló en la pintura rusa se debió en gran medida al ambiente prerrevolucionario que reinaba en el país. Agravó muchas de las contradicciones inherentes a todo el arte europeo en su conjunto, porque Los artistas rusos aprendieron de modelos europeos y conocían bien diversas escuelas y movimientos artísticos. La peculiar “explosión” rusa en la vida artística jugó así un papel histórico. En 1913, fue el arte ruso el que alcanzó nuevas fronteras y horizontes. Apareció un fenómeno completamente nuevo de no objetividad: una línea más allá de la cual los cubistas franceses no se atrevieron a cruzar. Uno tras otro cruzan esta línea: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

cubofuturismo Dirección local en la vanguardia rusa (en pintura y poesía) de principios del siglo XX. En las bellas artes, el cubofuturismo surgió a partir de un replanteamiento de los hallazgos pictóricos, el cubismo, el futurismo y el neoprimitivismo ruso. Las principales obras fueron realizadas en el período 1911-1915. Las pinturas más características del cubofuturismo provienen del pincel de K. Malevich, y también fueron pintadas por Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Ekster. Las primeras obras cubofuturistas de Malevich se exhibieron en la famosa exposición de 1913. “Target”, en el que también debutó el rayismo de Larionov. En apariencia, las obras cubo-futuristas se hacen eco de las composiciones de F. Léger creadas al mismo tiempo y son composiciones semi-objetivas compuestas de formas volumétricas huecas cilíndricas, cónicas, de matraz y de concha, que a menudo tienen un brillo metálico. Ya en las primeras obras similares de Malevich se nota una tendencia hacia la transición del ritmo natural a los ritmos puramente mecánicos del mundo de las máquinas ("El carpintero", 1912, "El molinillo", 1912, "Retrato de Klyun", 1913). .

Neoplasticismo- una de las primeras variedades del arte abstracto. Creado en 1917 por el pintor holandés P. Mondrian y otros artistas miembros de la asociación “Style”. El neoplasticismo se caracteriza, según sus creadores, por el deseo de "armonía universal", expresado en combinaciones estrictamente equilibradas de grandes figuras rectangulares, claramente separadas por líneas perpendiculares de negro y pintadas en colores locales del espectro principal (con la adición de blanco). y tonos grises). Neoplasticismo (Nouvelle plastique) Este término apareció en Holanda en el siglo XX. Piet Mondrian definió para ellos sus conceptos plásticos, erigido en sistema y defendido por el grupo y la revista “Style” (“De Stiji”) fundado en Leiden en 1917. La característica principal del neoplasticismo fue el uso estricto de los medios expresivos. Para construir una forma, el neoplasticismo sólo permite líneas horizontales y verticales. La intersección de líneas en ángulo recto es el primer principio. Hacia 1920 se le añadió un segundo que, eliminando la pincelada y enfatizando el plano, limita los colores a rojo, azul y amarillo, es decir. Tres colores primarios puros a los que sólo se les puede añadir el blanco y el negro. Con la ayuda de este rigor, el neoplasticismo pretendía ir más allá de la individualidad para alcanzar el universalismo y crear así una nueva imagen del mundo.

"Bautismo" oficial orfismo ocurrió en el Salón de los Independientes de 1913. Así escribió el crítico Roger Allard en su informe sobre el Salón: “... observemos para los futuros historiadores que en 1913 nació una nueva escuela de orfismo...” (“La Côte ”París 19 de marzo de 1913). Otro crítico, André Varnaud, se hizo eco de esta afirmación: “El Salón de 1913 estuvo marcado por el nacimiento nueva escuela Escuela órfica" ("Comoedia" París, 18 de marzo de 1913). Finalmente Guillaume Apollinaire Reforzó esta afirmación exclamando, no sin orgullo: “Esto es orfismo. Es la primera vez que aparece esta dirección que yo predije” (“¡Montjoie!” Suplemento de París del 18 de marzo de 1913). De hecho, este término fue inventado apollinario(El orfismo como culto a Orfeo) y se afirmó públicamente por primera vez durante una conferencia sobre pintura moderna impartida en octubre de 1912. ¿Qué quiso decir? Parece que él mismo no lo sabía. Además, no sabía cómo definir los límites de esta nueva dirección. De hecho, la confusión que reina hasta el día de hoy se debió a que Apollinaire, sin saberlo, confundió dos problemas que están interconectados, por supuesto, pero antes de intentar conectarlos debería haber enfatizado sus diferencias. Por un lado, la creación Delaunay medios de expresión pictóricos basados ​​íntegramente en el color y, por otro lado, la expansión del cubismo debido al surgimiento de varias direcciones diferentes. Tras romper con Marie Laurencin a finales del verano de 1912, Apollinaire buscó refugio en la familia Delaunay, que lo recibió con amistosa comprensión en su taller de la calle Grand-Augustin. Este mismo verano, Robert Delaunay y su esposa experimentaron una profunda evolución estética que condujo a lo que más tarde llamó el “período destructivo” de la pintura basada únicamente en las cualidades constructivas y espacio-temporales de los contrastes de color.

Posmodernismo (posmoderno, posvanguardista) -

(del latín post “después” y modernismo), nombre colectivo de las corrientes artísticas que se hicieron especialmente claras en la década de 1960 y se caracterizan por una revisión radical de la posición del modernismo y las vanguardias.

Expresionismo abstracto Etapa de desarrollo del arte abstracto de la posguerra (finales de los años 40 y 50 del siglo XX). El término en sí fue introducido en los años 20 por un crítico de arte alemán. E. von Sydow (E. von Sydow) para referirse a determinados aspectos del arte expresionista. En 1929, el estadounidense Barr lo utilizó para caracterizar las primeras obras de Kandinsky, y en 1947 las calificó de “expresionistas abstractas”. Willem de Kooning Y abadejo. Desde entonces, el concepto de expresionismo abstracto se ha consolidado detrás de un campo bastante amplio, estilística y técnicamente variado de la pintura abstracta (y más tarde de la escultura), que recibió un rápido desarrollo en los años 50. en Estados Unidos, en Europa y luego en todo el mundo. Los antepasados ​​directos del expresionismo abstracto se consideran tempranos. Kandinski, expresionistas, órfistas, en parte dadaístas y surrealistas con su principio de automatismo mental. La base filosófica y estética del expresionismo abstracto fue en gran medida la filosofía del existencialismo, popular en el período de posguerra.

Confeccionado(Ready-made en inglés - listo) El término fue introducido por primera vez en el léxico histórico del arte por el artista. marcel duchamp designar sus obras, que son objetos de uso utilitario, retirados del entorno de su funcionamiento normal y exhibidos sin ningún cambio exhibición de arte como obras de arte. Los ready-mades afirmaron una nueva visión de las cosas y de la cosidad. Un objeto que había dejado de cumplir sus funciones utilitarias y estaba incluido en el contexto del espacio del arte, es decir, se había convertido en un objeto de contemplación no utilitaria, comenzó a revelar nuevos significados y movimientos asociativos, desconocidos para el arte tradicional. o a la esfera utilitaria cotidiana de la existencia. El problema de la relatividad de lo estético y lo utilitario ha surgido de forma aguda. El primer confeccionado Duchamp expuesto en Nueva York en 1913. Los más notorios son sus readymades. "Rueda de bicicleta" de acero (1913), "Secador de botellas" (1914), "Fuente" (1917): así se designaba un urinario común.

Arte pop. Después de la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos desarrolló una gran clase social de personas que ganaban suficiente dinero para comprar bienes que no eran particularmente importantes para ellos. Por ejemplo, el consumo de bienes: Coca Cola o jeans Levi's se convierten en un atributo importante de esta sociedad. Una persona que utiliza tal o cual producto demuestra su pertenencia a una determinada clase social. La cultura de masas se estaba formando ahora. Las cosas se convirtieron en símbolos, estereotipos. El arte pop utiliza necesariamente estereotipos y símbolos. Arte pop(arte pop) encarnó la búsqueda creativa de los nuevos estadounidenses, que se basaron en los principios creativos de Duchamp. Este: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, y otros. El arte pop adquiere la importancia de la cultura de masas, por lo que no es sorprendente que se haya formado y se haya convertido en un movimiento artístico en Estados Unidos. Sus personas de ideas afines: Hamelton R, tono China elegido como autoridad kurt schwieters. El arte pop se caracteriza por una obra de ilusión que explica la esencia del objeto. Ejemplo: pastel K. Oldenburgo, representado en varias variantes. Un artista no puede representar un pastel, sino disipar ilusiones y mostrar lo que una persona realmente ve. R. Rauschenberg también es original: pegó varias fotografías al lienzo, las perfiló y adjuntó una especie de peluche a la obra. Una de sus obras famosas es un erizo de peluche. También son muy conocidas sus pinturas, en las que utilizó fotografías de Kenedy.

Primitivismo (arte ingenuo). Este concepto se utiliza en varios sentidos y en realidad es idéntico al concepto "arte primitivo". En diferentes idiomas y diferentes científicos, estos conceptos se utilizan con mayor frecuencia para designar la misma gama de fenómenos en la cultura artística. En ruso (como en otros países), el término "primitivo" tiene un significado algo negativo. Por tanto, es más apropiado detenerse en el concepto. arte ingenuo. En el sentido más amplio, esto se refiere a las bellas artes, caracterizadas por la simplicidad (o simplificación), la claridad y la espontaneidad formal del lenguaje figurativo y expresivo, con la ayuda de las cuales se expresa una visión especial del mundo, no agobiada por las convenciones de la civilización. El concepto apareció en la cultura europea moderna de los últimos siglos y, por lo tanto, refleja las posiciones e ideas profesionales de esta cultura, que se consideraba la etapa más alta de desarrollo. Desde estas posiciones, el arte ingenuo también incluye el arte arcaico de los pueblos antiguos (anteriores a las civilizaciones egipcias o griegas antiguas), por ejemplo, el arte primitivo; el arte de los pueblos retrasados ​​en su desarrollo cultural y civilizacional (poblaciones indígenas de África, Oceanía, indios americanos); arte amateur y no profesional a gran escala (por ejemplo, los famosos frescos medievales de Cataluña o el arte no profesional de los primeros colonos americanos procedentes de Europa); numerosas obras del llamado “gótico internacional”; arte popular; finalmente, el arte de talentosos artistas primitivistas del siglo XX, que no recibieron una educación artística profesional, pero que sintieron el don de la creatividad artística y se dedicaron a su implementación independiente en el arte. Algunos de ellos (francés A. Rousseau, C. Bombois, georgiano N. Pirosmanishvili, croata I. Generalich, Americano SOY. robertson etc.) crearon verdaderas obras maestras artísticas que se incluyen en el tesoro del arte mundial. El arte ingenuo, en su visión del mundo y los métodos de su presentación artística, se acerca algo al arte de los niños, por un lado, y al la creatividad de los enfermos mentales, por el otro. Sin embargo, en esencia se diferencia de ambos. Lo más parecido al arte infantil en la cosmovisión es el arte ingenuo de los pueblos arcaicos y aborígenes de Oceanía y África. Su diferencia fundamental con el arte infantil radica en su profundo carácter sagrado, tradicionalismo y canonicidad.

arte neto(Net Art - del inglés net - network, art - art) El tipo de arte más nuevo, las prácticas artísticas modernas, que se desarrollan en las redes informáticas, en particular en Internet. Sus investigadores en Rusia, que también contribuyen a su desarrollo, O. Lyalina y A. Shulgin, creen que la esencia del Net art se reduce a la creación de espacios comunicativos y creativos en Internet, garantizando a todos total libertad de existencia en línea. Por tanto, la esencia del Net art. no representación, sino comunicación, y su unidad artística única es un mensaje electrónico. Hay al menos tres etapas en el desarrollo del Net art, que surgió en los años 80 y 90. Siglo XX La primera fue cuando los aspirantes a artistas de Internet crearon imágenes a partir de letras e íconos que se encontraban en el teclado de una computadora. El segundo comenzó cuando llegaron a Internet los artistas underground y cualquiera que quisiera mostrar algo de su creatividad.

ARTE ABSTRACTO(Op-art inglés - versión abreviada del arte óptico - arte óptico) - un movimiento artístico de la segunda mitad del siglo XX, que utiliza diversas ilusiones visuales basadas en las peculiaridades de la percepción de figuras planas y espaciales. El movimiento continúa la línea racionalista del tecnicismo (modernismo). Se remonta al llamado abstraccionismo “geométrico”, cuyo representante fue V. Vasarely(de 1930 a 1997 trabajó en Francia) - el fundador del op art. Las posibilidades del Op art han encontrado alguna aplicación en gráficos industriales, carteles y arte de diseño. La dirección del op art (arte óptico) se originó en los años 50 dentro del abstraccionismo, aunque esta vez era de un tipo diferente: la abstracción geométrica. Su difusión como movimiento se remonta a los años 60. Siglo XX

Pintada(graffiti - en arqueología, cualquier dibujo o letra rayada en cualquier superficie, del italiano graffiare - rayar) Así se designan las obras de la subcultura, que son principalmente imágenes de gran formato en las paredes de edificios públicos, estructuras, vehículos, realizado con varios tipos de pistolas pulverizadoras y latas de pintura en aerosol. De ahí otro nombre para el "arte en aerosol": Spray-art. Su origen está asociado a la aparición masiva de graffitis. en los años 70 en los vagones del metro de Nueva York y luego en las paredes de edificios públicos y contraventanas de tiendas. Los primeros autores de graffiti. Se trataba en su mayoría de artistas jóvenes desempleados de minorías étnicas, principalmente puertorriqueños, por lo que los primeros Graffiti mostraban algunos rasgos estilísticos del arte popular latinoamericano, y por el solo hecho de aparecer en superficies no destinadas a ello, sus autores protestaron contra su posición privada de derechos. A principios de los 80. Se formó toda una corriente de maestros casi profesionales de G.. Se conocieron sus nombres reales, antes ocultos bajo seudónimos ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, VISTO, DAZE). Algunos de ellos trasladaron su técnica al lienzo y comenzaron a exponer en galerías de Nueva York, y pronto aparecieron los graffitis en Europa.

HIPERREALISMO(hiperrealismo - inglés), o fotorrealismo (fotorrealismo - inglés) - artístico. un movimiento de pintura y escultura basado en la fotografía y la reproducción de la realidad. Tanto en su práctica como en sus orientaciones estéticas hacia el naturalismo y el pragmatismo, el hiperrealismo se acerca al arte pop. Les une principalmente un retorno a la figuratividad. Actúa como una antítesis del conceptualismo, que no sólo rompió con la representación, sino que también cuestionó el principio mismo de la realización material del arte. concepto.

Arte terrestre(del inglés land art - arte de la tierra), una dirección en el arte del último tercioXXc., basado en la utilización de un paisaje real como principal material y objeto artístico. Los artistas cavan trincheras, crean extraños montones de piedras, pintan rocas y eligen para sus obras lugares generalmente desiertos, paisajes vírgenes y salvajes, como si intentaran devolver el arte a la naturaleza. gracias a su<первобытному>En apariencia, muchas acciones y objetos de este tipo se acercan a la arqueología, así como al fotoarte, ya que la mayoría del público sólo puede contemplarlos en una serie de fotografías. Parece que tendremos que aceptar otra barbarie más en el idioma ruso. No sé si es casualidad que el término<лэнд-арт>apareció al final años 60, en una época en que en las sociedades desarrolladas el espíritu rebelde de los estudiantes dirigía sus fuerzas hacia el derrocamiento de los valores establecidos.

MINIMALISMO(arte minimalista - inglés: arte minimalista) - artista. un flujo que surge de la mínima transformación de los materiales utilizados en el proceso creativo, la sencillez y uniformidad de las formas, la monocromía, la creatividad. El autocontrol del artista. El minimalismo se caracteriza por el rechazo de la subjetividad, la representación y el ilusionismo. Rechazando lo clásico Técnicas de creatividad y tradición. artista Materiales, los minimalistas utilizan materiales industriales y naturales de formas geométricas simples. Se utilizan formas y colores neutros (negro, gris), pequeños volúmenes, en serie, métodos de transporte de producción industrial. Un artefacto en el concepto minimalista de creatividad es un resultado predeterminado del proceso de su producción. Habiendo recibido su desarrollo más completo en la pintura y la escultura, el minimalismo, interpretado en un sentido amplio como economía del arte. medios, ha encontrado aplicación en otras formas de arte, principalmente teatro y cine.

El minimalismo se originó en los Estados Unidos en el carril. piso. años 60 Sus orígenes se encuentran en el constructivismo, el suprematismo, el dadaísmo, el arte abstracto y el amer formalista. pintura de los años 50, arte pop. Directamente precursor del minimalismo. es americano artista f. estela, quien presentó en 1959-60 una serie de “Pinturas Negras”, donde primaban las líneas rectas y ordenadas. Las primeras obras minimalistas aparecen en 1962-63. El término "minimalismo". pertenece a R. Wollheim, quien lo introduce en relación con el análisis de la creatividad Sr. Duchamp y artistas pop que minimizan la intervención del artista en ambiente. Sus sinónimos son “arte genial”, “arte ABC”, “arte serial”, “estructuras primarias”, “arte como proceso”, “sistemático”. cuadro". Entre los minimalistas más representativos se encuentran K. Andre, M. Bochner, U. De Ma-ria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Murden, R. Morris, R. Ryman. Les une el deseo de encajar el artefacto en el entorno, de jugar con la textura natural de los materiales. D. Zhad lo define como “específico”. objeto”, diferente al clásico. obras de plastico letras Independientemente, la iluminación juega un papel importante como forma de crear arte minimalista. situaciones, soluciones espaciales originales; Se utilizan métodos informáticos para crear obras.

A finales del siglo XIX, la tendencia realista en el arte empezó a perder terreno. A principios de siglo, el estilo Art Nouveau comenzó a dominar. Se caracteriza por líneas ornamentadas, motivos biomórficos y el uso de nuevos materiales y tecnologías.

La pintura revela convenciones decorativas, ornamentación de alfombras e imágenes claras, casi escultóricas.

Un destacado representante del estilo Art Nouveau fue M. A. Vrubel (1856-1910), cuyo arte se desarrolló bajo el lema "todo es decorativo". "Demonio" es la imagen que define la obra de Vrubel. En su imagen no hay deseo de vencer sus propias dudas, sino sólo desaliento y desesperanza. Vrubel pintó muchos retratos, uno de ellos del empresario y filántropo Mamontov. El artista expresó fabulosidad y sobrenaturalidad en sus obras "Pan", "La princesa cisne" y otras imágenes míticas.

Vrubel utilizó diferentes técnicas en su trabajo, a veces mezclando géneros y tipos de arte. También incursionó en la escultura y el dibujo. Participó en pinturas monumentales de la Iglesia del Salvador sobre la sangre derramada en San Petersburgo.

La idea de “arte puro” dio lugar a la aparición de la revista “World of Art”. Esta revista se convirtió en el centro de la vida artística en el período prerrevolucionario.

Los artistas unidos en torno al "Mundo del Arte" fomentaron el estudio de la historia rusa, despertaron el interés por los artistas del siglo XVIII y desarrollaron actividades museísticas. Contribuyeron al desarrollo de la ilustración (I. Ya. Bilibin (1876-1942), K. A. Somov (1869-1939)) y del arte teatral y decorativo (L. S. Bakst (1866-1924), N. K. Roerich (1874-1947))

El espíritu revolucionario influyó directamente en la pintura y la gráfica. El artista K. Yuon representó la revolución a escala cósmica en su obra “Nuevo planeta”. El reflejo de la realidad revolucionaria a los ojos de los artistas se puede observar en las obras de K. S. Petrov-Vodkin "La muerte de un comisario", "1918 en Petrogrado" y N. Kupriyanov "Vehículos blindados".

En 1922 se creó la Asociación de Artistas de la Rusia Revolucionaria. Uno de los representantes destacados fue Isaac Brodsky, quien creó las obras "canónicas": "Lenin en Smolny" y "El discurso de Lenin en la fábrica Putilov".

"Sobre los monumentos de la república": el decreto de Lenin de 1918, que anunciaba un plan para agitar a las masas con la ayuda de esculturas monumentales dedicadas a figuras de la revolución y la cultura (el plan "Propaganda Monumental"). Los escultores tuvieron que crear muchas obras con materiales baratos y accesibles en poco tiempo.

En 1920, Tatlin creó la Torre de la Tercera Internacional, que simboliza el nuevo arte y las aspiraciones revolucionarias.

Ivan Shardr crea una serie de esculturas de personas del trabajo socialista: "Trabajador", "Campesino", "Soldado del Ejército Rojo", así como un monumento a Gorki en la plaza de la estación Belorussky.

En los años 20 aparecieron obras de V. Mukhina: el proyecto "Trabajo liberado", "Mujer campesina", "Trabajadora y campesina colectiva", un grupo escultórico que le dio fama al artista.

La inauguración de la Exposición Agrícola de toda la Unión en Moscú es un paso decisivo en el desarrollo de la escultura en la Unión Soviética. S. T. Konenkov también participó en el diseño escultórico. Además, creó esculturas, implementando el plan de "Propaganda Monumental": el bajorrelieve "A los que cayeron en la lucha por la paz y la hermandad de los pueblos", "Stepan Razin".

realismo socialista

En el Primer Congreso de Escritores Soviéticos de toda la Unión, celebrado en 1934, se formularon las reglas básicas de un nuevo método de literatura y arte: el realismo socialista. Fue un estricto control ideológico y propaganda diseñada para alabar a los héroes del trabajo socialista, los revolucionarios, los trabajadores y los campesinos. La trama de la obra de arte debía reflejar la realidad revolucionaria, el deseo de un futuro brillante y visiones materialistas.

El cuadro de B. Joganson "El interrogatorio de los comunistas" transmite claramente todos los principios del realismo socialista: emociones significativas, imágenes integrales y formas monumentales.

A. Deineka escribe trabajos sobre temas de construcción de nueva arquitectura, deportes y aviación: "Futuros pilotos", "Sobre la construcción de nuevos talleres", "En el Donbass". Trabajos de mosaicos de la estación de metro Mayakovskaya (Moscú).

La famosa “Nueva Moscú” de Yu. Pimenov es un símbolo de la nueva vida, la alegría del cambio: la reconstrucción de Moscú y el papel inusual de la mujer.

La Gran Guerra Patria

La Gran Guerra Patria influyó significativamente en el desarrollo del arte. Como en el período revolucionario, el principal género de las bellas artes fue el cartel. En los carteles trabajaron maestros del pasado, así como jóvenes artistas que se hicieron famosos por carteles tan famosos como "¡La Patria está llamando!", "¡Por la Patria!", "¡Guerrero del Ejército Rojo, salva!".

El arte de principios del siglo XIX está asociado con la era del auge social provocado por la Guerra Patria de 1812 y el movimiento contra la servidumbre que condujo al levantamiento decembrista de 1825.

En el ámbito de la cultura artística de este período se observó un cambio de dirección relativamente rápido: clasicismo da paso romanticismo, y el romanticismo en el camino de su desarrollo se topa con crecientes realismo En arte. Es cierto que esto se manifestó principalmente en pintura. Si los artistas del siglo XVIII se esforzaron por lograr el realismo al transmitir la singularidad individual del individuo, en el siglo XIX comenzaron a representar lo que era valioso y lo que les preocupaba en la vida pública.

En el segundo cuarto del siglo XIX en Europa, el capitalismo ya se había establecido en la mayoría de los países, mientras que en Rusia el colapso del sistema feudal-siervo aún continuaba. Sin embargo, tanto en Europa como en Rusia este período se caracteriza por el surgimiento de una vida social vibrante; en Europa esto se debe principalmente La Revolución Francesa y sus consecuencias, y en Rusia la creciente lucha contra la servidumbre, especialmente después del fracaso del levantamiento decembrista.

Durante este período, el clasicismo, que dominaba las paredes Academia de Artes, ha agotado su significado progresivo. En 1829, la Academia quedó subordinada al departamento de la corte imperial, por lo que pasó a ser conductor de opiniones oficiales-oficiales. En un esfuerzo por fortalecer su posición en el arte, los profesores de la Academia intentaron dominar ciertas técnicas características del romanticismo. Así surgió el método del romanticismo académico, que estaba diseñado para crear una belleza ideal y sublime, lejos de la vida cotidiana real.

A diferencia del arte académico, en la primera mitad del siglo XIX comenzó a gestarse en Rusia otro arte, que empezó a llamarse crítico realismo. Los artistas comenzaron a exponer abiertamente, sin recurrir a la forma convencional de las historias evangélicas, los vicios de su sociedad contemporánea; se considera legítimamente al fundador del realismo crítico ruso en la pintura. Pável Fedótov.

La segunda mitad del siglo XIX en Rusia estuvo marcada por un nuevo auge de la lucha de liberación por una vida mejor. La intelectualidad ocupó el primer lugar en el movimiento social. Se abolió la servidumbre, pero esto no facilitó la vida.

Durante este período, aumentó la importancia del arte, en particular de la pintura, que se consideraba un medio poderoso para educar a las personas. A finales de la primera mitad del siglo XIX comenzó a funcionar Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, que ahora ha comenzado a desempeñar un papel muy importante en la sociedad como conductor de caminos democráticos. Aquí echó raíces inmediatamente el sistema pedagógico veneciano, basado en un estudio detenido de la vida circundante. También influyó el hecho de que la escuela estuviera situada lejos de la capital, como si estuviera en el centro de la vida de la gente. El más destacado de los alumnos de la Escuela fue V.G.Perov

El arte del período de la segunda mitad se distingue por su alto nivel ideológico, su interés apasionado por resolver problemas sociales apremiantes y su carácter popular. Servir al pueblo se convirtió en uno de los principales objetivos de los artistas rusos avanzados. Por primera vez en la historia del arte ruso, la vida de los trabajadores se convirtió en el tema principal de las obras de los artistas democráticos. La gente no está representada desde fuera, sino desde dentro. Los artistas que se convirtieron en defensores del pueblo, muchos de los cuales provenían del pueblo, hablaron sobre su opresión, su dura vida y su falta de derechos. Estos sentimientos socialmente críticos también penetraron en las clases de la Academia de las Artes: en 1861, su graduado V. Jacobi realizó el lienzo "El descanso del prisionero". Y en 1864 la imagen fue un éxito rotundo. K. Flavitsky "La princesa Tarakanova"", que está dedicado a la misteriosa prisionera de la Fortaleza de Pedro y Pablo, que era considerada hija de Isabel Petrovna.

Princesa Tarakanova (1864)

A pesar de todos estos cambios en la vida social de Rusia, la Academia de las Artes de San Petersburgo siguió defendiendo el arte académico abstracto y lejano. El tipo de pintura más elevado todavía se consideraba pintura de historia principalmente sobre temas mitológicos y religiosos. Como resultado de esto, los artistas avanzados, que no querían estar de acuerdo con los principios atrasados ​​de la Academia, entraron en conflicto con el antiguo sistema de enseñanza, lo que resultó en una educación abierta. "Revuelta del 14" artistas. Los graduados, encabezados por el artista Kramskoy, se negaron a completar su tesis sobre el tema mitológico que se les había asignado. Exigieron libertad para elegir un tema. El Consejo de la Academia rechazó la solicitud de los graduados y luego abandonaron la Academia en protesta, rechazando su diploma.

Al salir de la Academia el 9 de noviembre de 1863, los protestantes se organizaron Artel de artistas. El iniciador de todo el caso fue Ivan Nikolaevich Kramskoy. Los miembros de Artel alquilaron un apartamento y vivieron juntos. La esposa de Kramskoy se encargaba de la casa. Pronto Artel ganó reconocimiento. A menudo la llamaban "Academia Kramsky". Todos los jueves, por las tardes, pintores y escritores se reunían en el taller de artel. En estas veladas se discutieron temas apasionantes de política, vida social y arte; todo esto contribuyó a la educación de la juventud artística y a la unificación de las fuerzas artísticas.

El artel existió durante unos 7 años y se disolvió en 1870. El Artel fue reemplazado por una nueva asociación artística: Asociación de exposiciones itinerantes de arte.

Ocupa un lugar muy importante en el arte del siglo XIX. actividades de P. M. Tretyakov, quien demostró ser un verdadero ciudadano de Rusia al iniciar una colección de pintura y escultura rusas que se remonta a la antigüedad. Gastó todo su dinero en la compra de pinturas y, a menudo, apoyó con dinero a artistas pobres y talentosos.

El ámbito principal de la pintura rusa de la segunda mitad del siglo XIX fue género cotidiano. El líder todavía estaba tema campesino. Los Peredvizhniki representaron la vida de las personas, mostrando el conflicto social entre las clases dominantes y oprimidas de la sociedad rusa. Las tradiciones acusatorias en la pintura continuaron. Ocupa mucho espacio tema infantil.

En la segunda mitad del siglo XIX, se produjo una reforma en las bellas artes rusas, según la cual los temas mitológicos y religiosos comenzaron a dar paso a representaciones de acontecimientos históricos reales. El inicio de esta reforma lo puso el artista ruso Ge ​​N.N.

En el paisaje ruso de la segunda mitad del siglo XIX se desarrolló una intensa lucha por el establecimiento de un tema nacional. Los artistas notables Savrasov, Shishkin, Levitan y otros en estos años rompieron con las tradiciones del paisaje académico "idealizado", "suavizado", lejos de la vida, principalmente italiano y francés, y se dedicaron a representar la naturaleza de su país natal. La afirmación de Chernyshevsky “Lo bello es la vida” encontró una cálida respuesta entre los maestros de la pintura de paisajes. Al representar la naturaleza en su forma natural y cotidiana, los artistas de Peredvizhniki mostraron en ella una amplia poesía y belleza.

En la segunda mitad del siglo XX, en la pintura rusa se destacaron varios pintores y maestros de la pintura histórica particularmente brillantes, poderosos y talentosos: I. Repin, V. Surikrv, V. Vasnetsov.

El arte ruso de principios de los siglos XIX y XX tomó forma en condiciones de un ambiente revolucionario. Las opiniones decadentes y el pesimismo impregnaron a la intelectualidad creativa. La sociedad ha cambiado valores esteticos. En busca de su camino en el arte, muchos artistas comenzaron a unirse en diversas organizaciones artísticas: asociaciones.

En 1903, muchos artistas realistas se unieron en "Unión de Artistas Rusos" donde continuaron las tradiciones de los Errantes y escribieron obras veraces y realistas. Artistas notables de este período fueron Serov, Vrubel, Nesterov, Ryabushkin, etc.

Esta época se considera el pináculo de la pintura rusa y la introducción del realismo en ella. Los fenómenos sociales y las revoluciones en el país tuvieron una influencia particular en el arte. Ya existía censura y crítica en la pintura. La creatividad de los pintores dejó una huella significativa en las autoridades de la época. Casi todos los artistas nacionales se vieron obligados a pintar al menos un cuadro dedicado a la nueva política y al nuevo sistema social.

Las principales direcciones de la pintura rusa del siglo XX.

Durante el siglo XX, marcó el fin del realismo ruso en la pintura y el comienzo del realismo soviético o socialista. Se considera especial la época de la Gran Guerra, que se distinguió por un movimiento unido del partido y el pueblo. Las pinturas de guerra causaron sensación y son relevantes en el período actual. La tendencia socialista del género paisajístico fue la menos afectada.

vanguardia rusa

La palabra "vanguardia" significa innovación, movimiento avanzado. La vanguardia doméstica combina tendencias radicales en la pintura. Al principio se le llamó modernismo, arte nuevo, arte abstracto y otros nombres. Los primeros atisbos de dirección aparecieron en los años anteriores a la guerra. La vanguardia rusa combina aspectos como el rechazo absoluto del pasado en la cultura y la unificación de los procesos de destrucción y creación. En la pintura hay lugar simultáneamente para la agresión, el deseo de destruir viejos valores artísticos y la creación de algo completamente diferente.

En esta dirección, en primer lugar, cabe destacar a Wassily Kandinsky, quien pintó los cuadros "Motley Life", "Song of the Volga", "White Oval", "Moscú". Cuadrado rojo". Entre los artistas de vanguardia también se encuentra Kazimir Malevich, representante del supermatismo, uno de los movimientos de vanguardia. Este movimiento caracteriza la etapa final del arte, la ausencia de objetos. Se empezó a hablar de ello tras la aparición de pinturas con abstracciones geométricas.

realismo socialista

Después de que tuvo lugar la revolución y se produjeron muchos trastornos y cambios, comenzó un nuevo período y una nueva dirección en las bellas artes. Correspondía a esa época y se llamaba realismo socialista. Así lo exigieron las autoridades y el pueblo. El realismo socialista se distinguió por la presencia del heroísmo expresado por líderes, personas, acontecimientos, la verdad del partido y no la visión del propio artista. La sociedad totalitaria cambió la pintura rusa hasta dejarla irreconocible. Consistía principalmente en pinturas dedicadas a hechos históricos de la época, héroes y líderes del estado, así como a la vida cotidiana de un simple trabajador.

Muchos lo llamaron “estilo severo”, porque carecía de ilusiones, especulaciones y descuidos infantiles. Los lienzos mostraban sólo la verdad despiadada. El heroísmo de esa época residió en la tensión interna y los esfuerzos del líder. En el realismo socialista, el trabajo era una vocación y los héroes eran descubridores y constructores. A finales de siglo, junto con el colapso de la cultura soviética, llegó una nueva dirección en la pintura rusa.

posmodernismo

Una nueva dirección en la pintura rusa reemplazó al modernismo, que no estaba del todo claro en la sociedad. El posmodernismo se caracteriza por las imágenes fotográficas. La pintura es lo más parecida posible al original. El estilo se diferencia en características tipológicas. En primer lugar, la forma terminada. Los pintores utilizan imágenes clásicas, pero las interpretan de una manera nueva y les añaden exclusividad. Muy a menudo, los representantes del posmodernismo combinan formas de varias direcciones, dando a la imagen una ligera ironía y un cierto carácter secundario.

Otra característica de la dirección es la falta de reglas. En el posmodernismo, el artista tiene control total sobre la elección de formas y maneras de representar su pintura. Una cierta libertad dio un nuevo aliento al arte en general. Aparecieron instalaciones de arte y performances. El posmodernismo en la pintura también se caracteriza por la ausencia de técnicas claras y una popularidad universal en todo el mundo. El apogeo de esta tendencia se produjo en los años 90 del siglo XX. Sus representantes más destacados son los siguientes artistas: A. Menus, M. Tkachev, S. Nosova, D. Dudnik.

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Institución educativa estatal

educación profesional superior

Historia del Arte

Trabajo de curso

Arte ruso de finales del siglo XIX y principios del XX

Introducción

Cuadro

Konstantin Alekseevich Korovin

Valentín Alexandrovich Serov

Mijail Alexandrovich Vrubel

"Mundo del Arte"

"Unión de Artistas Rusos"

"Jota de diamantes"

"Unión juvenil"

Arquitectura

Escultura

Bibliografía

Introducción

La cultura rusa de finales del siglo XIX y principios del XX es un período complejo y contradictorio en el desarrollo de la sociedad rusa. La cultura del cambio de siglo siempre contiene elementos de una era de transición, incluidas las tradiciones de la cultura del pasado y las tendencias innovadoras de la nueva cultura emergente. Hay una transferencia de tradiciones y no solo una transferencia, sino el surgimiento de otras nuevas, todo esto está relacionado con el rápido proceso de búsqueda de nuevas formas de desarrollar la cultura, y se ajusta al desarrollo social de una época determinada. El cambio de siglo en Rusia es un período de maduración de cambios importantes: un cambio en el sistema estatal, un cambio de la cultura clásica del siglo XIX a la nueva cultura del siglo XX. La búsqueda de nuevas formas de desarrollar la cultura rusa está asociada con la asimilación de tendencias progresistas en la cultura occidental. La diversidad de tendencias y escuelas es una característica de la cultura rusa de principios de siglo. Las tendencias occidentales se entrelazan y complementan con las modernas, llenas de contenido específicamente ruso. Una característica de la cultura de este período es su orientación hacia una comprensión filosófica de la vida, la necesidad de construir una imagen holística del mundo, donde el arte, junto con la ciencia, juega un papel muy importante. El foco de la cultura rusa de finales del siglo XIX y principios del XX estaba en una persona que se convirtió en una especie de vínculo de conexión en la variada variedad de escuelas y áreas de la ciencia y el arte, por un lado, y una especie de punto de partida para el análisis de los más diversos artefactos culturales, por el otro. De ahí el poderoso fundamento filosófico que subyace a la cultura rusa de principios de siglo.

Si bien se destacan las prioridades más importantes en el desarrollo de la cultura rusa a finales del siglo XIX y principios del XX, no se pueden ignorar sus características más importantes. El final del siglo XIX y principios del XX en la historia de la cultura rusa se suele llamar Renacimiento ruso o, en comparación con la edad de oro de Pushkin, la edad de plata de la cultura rusa.

Con el cambio de siglo surgió un estilo que afectó a todas las artes plásticas, comenzando principalmente por la arquitectura (en la que dominó durante mucho tiempo el eclecticismo) y terminando por la gráfica, que se denominó estilo Art Nouveau. Este fenómeno no es inequívoco, en la modernidad también hay pretenciosidad decadente, pretenciosidad, diseñada principalmente para los gustos burgueses, pero también hay un deseo de unidad de estilo, que es significativo en sí mismo. El estilo Art Nouveau es una nueva etapa en la síntesis de arquitectura, pintura y artes decorativas.

En las bellas artes, el Art Nouveau se manifestó: en la escultura, a través de la fluidez de las formas, la especial expresividad de la silueta y el dinamismo de las composiciones; en pintura: el simbolismo de las imágenes, predilección por las alegorías. simbolismo moderno vanguardista plata

Los simbolistas rusos desempeñaron un papel importante en el desarrollo de la estética de la Edad de Plata. El simbolismo como fenómeno en la literatura y el arte apareció por primera vez en Francia en el último cuarto del siglo XIX y, a finales de siglo, se había extendido a la mayoría de los países europeos. Pero después de Francia, es en Rusia donde el simbolismo se realiza como el fenómeno cultural más importante, significativo y original. Al principio, el simbolismo ruso tenía básicamente los mismos requisitos previos que el simbolismo occidental: “una crisis de cosmovisión y moralidad positivas”. El principio fundamental de los simbolistas rusos es la estetización de la vida y el deseo de diversas formas de reemplazar la lógica y la moral por la estética. El simbolismo ruso se caracteriza, en primer lugar, por una demarcación de las tradiciones de los "años sesenta" democrático-revolucionarios y del populismo, del ateísmo, la ideologización y el utilitarismo. El simbolismo ruso, absorbiendo activamente la literatura modernista de Occidente, se esfuerza por absorber e incluir en el círculo de sus temas e intereses todos los fenómenos de la cultura mundial que, según los simbolistas rusos, corresponden a los principios del arte “puro” y libre.

Otro fenómeno brillante de la Edad de Plata que adquirió importancia mundial fue el arte y la estética de las vanguardias. En el espacio de las direcciones de la conciencia estética ya enumeradas, los artistas de vanguardia se distinguieron por su carácter enfáticamente rebelde. Percibieron con deleite la crisis de la cultura clásica, el arte, la religión, la socialidad y la estadidad como una muerte natural, la destrucción de lo viejo, lo obsoleto, lo irrelevante, y se reconocieron como revolucionarios, destructores y sepultureros de "todas las cosas viejas" y creadores. de todo lo nuevo, en general, una nueva raza emergente. Las ideas de Nietzsche sobre el superhombre, desarrolladas por P. Uspensky, fueron tomadas literalmente por muchos artistas de vanguardia y aplicadas a sí mismos, especialmente por los futuristas.

De ahí la rebelión y lo impactante, el deseo de todo lo fundamentalmente nuevo en los medios de expresión artística, en los principios del enfoque del arte, la tendencia a ampliar los límites del arte antes de que cobre vida, pero sobre principios completamente diferentes a los de representantes de la estética teúrgica. La vida de los artistas de vanguardia de los años 10. Siglo XX - Esto es, ante todo, una rebelión revolucionaria, una rebelión anárquica. Absurdo, caos, anarquía se conceptualizan por primera vez como sinónimos de modernidad y precisamente como principios creativamente positivos basados ​​en la negación total del principio racional en el arte y el culto a lo irracional, intuitivo, inconsciente, sin sentido, abstruso, sin forma, etc. . Las principales direcciones de la vanguardia rusa fueron: abstraccionismo (Wassily Kandinsky), suprematismo (Kazimir Malevich), constructivismo (Vladimir Tatlin), cubofuturismo (cubismo, futurismo) (Vladimir Mayakovsky).

Cuadro

Los pintores del cambio de siglo se caracterizan por formas de expresión diferentes a las de los Errantes, otras formas de creatividad artística, en imágenes que son contradictorias, complicadas y reflejan la modernidad sin carácter ilustrativo ni narrativo. Los artistas buscan dolorosamente la armonía y la belleza en un mundo que es fundamentalmente ajeno tanto a la armonía como a la belleza. Por eso muchos vieron su misión en cultivar el sentido de la belleza. Esta época de “vísperas”, expectativas de cambios en la vida pública, dio lugar a muchos movimientos, asociaciones, agrupaciones, un choque de diferentes visiones del mundo y gustos. Pero también dio lugar al universalismo de toda una generación de artistas que aparecieron después del "clásico" Peredvizhniki.

Lecciones impresionistas de pintura al aire libre, la composición del "encuadre aleatorio", un estilo de pintura amplio y libre: todo esto es el resultado de la evolución en el desarrollo de los medios visuales en todos los géneros del cambio de siglo. En busca de "belleza y armonía", los artistas se prueban en una variedad de técnicas y tipos de arte, desde pintura monumental y decoración teatral hasta diseño de libros y artes decorativas.

En los años 90 se desarrolló la pintura de género, pero de manera algo diferente que en los Peredvizhniki “clásicos” de los años 70 y 80. Así, el tema campesino se revela de una manera nueva. La división en la comunidad rural es subrayada y acusada por S. A. Korovin (1858-1908) en la película "Sobre el mundo" (1893).

En el cambio de siglo se traza un camino un tanto peculiar en la temática histórica. Por ejemplo, A.P. Ryabushkin (1861-1904) trabaja en el género histórico más que en el género puramente histórico. “Mujeres rusas del siglo XVII en la iglesia” (1899), “Tren nupcial en Moscú. Siglo XVII" (1901): son escenas cotidianas de la vida en Moscú en el siglo XVII. La estilización de Ryabushkin se refleja en la planitud de la imagen, en la estructura especial del ritmo plástico y lineal, en la combinación de colores basada en colores principales brillantes y en la solución decorativa general. Ryabushkin introduce audazmente los colores locales en el paisaje al aire libre, por ejemplo, en "El tren nupcial...": el color rojo del vagón, grandes manchas de ropa festiva sobre el fondo de edificios oscuros y nieve, dado, sin embargo, en los más finos matices de color. El paisaje siempre transmite poéticamente la belleza de la naturaleza rusa.

F. A. Malyavin (1869-1940) creó un nuevo tipo de pintura, en la que las tradiciones artísticas populares se dominan de una manera completamente especial y se traducen al lenguaje del arte moderno. Sus imágenes de “mujeres” y “niñas” tienen un cierto significado simbólico - suelo sano Rusia. Sus pinturas son siempre expresivas y, aunque suelen ser obras de caballete, bajo el pincel del artista reciben una interpretación monumental y decorativa. "La risa" (1899, Museo de Arte Moderno, Venecia) , "Torbellino" (1906) es una imagen realista de muchachas campesinas que ríen a carcajadas contagiosas o corren incontrolablemente en un baile circular, pero este es un realismo diferente al de la segunda mitad del siglo. La pintura es amplia, incompleta, con una textura pincelada, las formas son generalizadas, no hay profundidad espacial, las figuras, por regla general, se ubican en primer plano y llenan todo el lienzo.

M. V. Nesterov (1862-1942) aborda el tema de la antigua Rus, pero la imagen de la Rus aparece en las pinturas del artista como una especie de mundo ideal, casi encantado, en armonía con la naturaleza, pero desaparecido para siempre como la legendaria ciudad de Kitezh. . Este agudo sentido de la naturaleza, el deleite por el mundo, por cada árbol y brizna de hierba, se expresa con especial claridad en una de las obras más famosas de Nesterov del período prerrevolucionario: "La visión del joven Bartolomé" (1889-1890). En la revelación de la trama de la imagen, hay los mismos rasgos estilísticos que en Ryabushkin, pero invariablemente se expresa un sentimiento profundamente lírico de la belleza de la naturaleza, a través del cual se transmite la alta espiritualidad de los héroes, su iluminación, su alienación de vanidad mundana.

MV Nesterov pintó muchas pinturas monumentales religiosas. Las pinturas siempre están dedicadas al tema ruso antiguo (por ejemplo, en Georgia, a Alexander Nevsky). En las pinturas murales de Nesterov se observan muchos signos reales, especialmente en los paisajes, en los retratos, en las representaciones de los santos. En el deseo del artista de una interpretación plana de la composición de elegancia, ornamentación y refinada sofisticación de los ritmos plásticos, se hizo evidente la indudable influencia del Art Nouveau.

El género del paisaje también se desarrolló de una manera nueva a finales del siglo XIX. Levitan, de hecho, completó la búsqueda de los Itinerantes en el paisaje. A principios de siglo, K.A. tuvo que decir una nueva palabra. Korovin, V.A. Serov y M.A. Vrúbel.

Konstantin Alekseevich Korovin

Para el brillante colorista Korovin, el mundo aparece como un “derroche de colores”. Generosamente dotado por la naturaleza, Korovin estudió retratos y naturalezas muertas, pero no sería un error decir que el paisaje siguió siendo su género favorito. Introdujo en el arte las fuertes tradiciones realistas de sus profesores de la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú: Savrasov y Polenov, pero tiene una visión diferente del mundo y se propone otras tareas. Comenzó a pintar al aire libre temprano, ya en el retrato de una corista en 1883, se puede ver su desarrollo independiente de los principios del aire libre, que luego se plasmaron en una serie de retratos realizados en la finca de S. Mamontov. en Abramtsevo (“En un barco”, retrato de T.S. Lyubatovich, etc.), en paisajes del norte pintados durante la expedición de S. Mamontov al norte (“Invierno en Laponia”). Sus paisajes franceses, reunidos bajo el título "Luces parisinas", ya son una escritura bastante impresionista, con su más alta cultura de estudio. Impresiones nítidas e instantáneas de la vida de la gran ciudad: calles tranquilas en diferente tiempo días, objetos disueltos en un ambiente de aire ligero, esculpidos con un trazo dinámico, "temblor", vibrante, un flujo de tales trazos, creando la ilusión de una cortina de lluvia o aire de la ciudad, saturado con miles de vapores diferentes - características que recuerdan de los paisajes de Manet, Pissarro, Monet. Korovin es temperamental, emocional, impulsivo, teatral, de ahí los colores brillantes y la euforia romántica de sus paisajes (“París. Boulevard des Capucines”, 1906, Galería Tretyakov; “París de noche. Italian Boulevard”. 1908). Korovin conserva los mismos rasgos de estudio impresionista, maestro pictórico y asombrosa maestría en todos los demás géneros, principalmente en el retrato y la naturaleza muerta, pero también en los paneles decorativos, en las artes aplicadas y en la escenografía teatral, en las que participó toda su vida (Retrato de Chaliapin, 1911, Museo Estatal Ruso; “Pescado, vino y fruta” 1916, Galería Tretyakov).

El generoso talento artístico de Korovin se manifestó brillantemente en la pintura teatral y decorativa. Como pintor de teatro, trabajó para el Teatro Abramtsevo (y Mamontov fue quizás el primero en apreciarlo como artista teatral), para el Teatro de Arte de Moscú, para la Ópera Privada Rusa de Moscú, donde comenzó su amistad de toda la vida con Chaliapin, para el Empresa Diaghilev. Korovin elevó la escenografía teatral y la importancia del artista en el teatro a un nuevo nivel, hizo toda una revolución en la comprensión del papel del artista en el teatro y tuvo una gran influencia en sus contemporáneos con su colorido y "espectacular". escenografía, revelando la esencia misma de una actuación musical.

Valentín Alexandrovich Serov

Uno de los artistas más importantes e innovadores de la pintura rusa de principios de siglo fue Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911). Serov se crió entre figuras destacadas de la cultura musical rusa (su padre era un compositor famoso, su madre era pianista) y estudió con Repin y Chistyakov.

Serov pinta a menudo a representantes de la intelectualidad artística: escritores, artistas, pintores (retratos de K. Korovin, 1891, Galería Tretyakov; Levitan, 1893, Galería Tretyakov; Ermolova, 1905, Galería Tretyakov). Todos son diferentes, los interpreta profundamente individualmente, pero todos llevan la luz de la exclusividad intelectual y la vida creativa inspirada.

Retrato, paisaje, naturaleza muerta, pintura cotidiana, histórica; óleo, gouache, témpera, carboncillo: es difícil encontrar géneros pictóricos y gráficos en los que Serov no trabajó y materiales que no utilizó.

Un tema especial en la obra de Serov es el campesinado. En su género campesino no hay un enfoque social peredvizhniki, pero hay un sentimiento de belleza y armonía de la vida campesina, admiración por la belleza saludable del pueblo ruso (“En el pueblo. Una mujer con un caballo”, usado en un carro ., pastel, 1898, Galería Tretyakov). Especialmente exquisitos son los paisajes invernales con su gama de colores plateados perlados.

Serov interpretó el tema histórico completamente a su manera: las “caza reales” con los paseos placenteros de Isabel y Catalina II fueron transmitidas por un artista de la era moderna, irónico, pero también invariablemente admirando la belleza de la vida cotidiana del siglo XVIII. El interés de Serov por el siglo XVIII surgió bajo la influencia de "El mundo del arte" y en relación con su trabajo en la publicación de "La historia de la caza granducal, zarista e imperial en Rusia".

Serov era un artista profundamente pensante que buscaba constantemente nuevas formas de traducción artística de la realidad. Las ideas inspiradas en el Art Nouveau sobre la planitud y la mayor decoración se reflejaron no solo en composiciones históricas, sino también en su retrato de la bailarina Ida Rubinstein, en sus bocetos para "El rapto de Europa" y "Odiseo y Nausicaa" (ambos de 1910, Tretyakov Galería, cartulina, tempera). Es significativo que al final de su vida Serov se dirigiera al mundo antiguo. En la leyenda poética, que interpretó libremente, fuera de los cánones clasicistas, quiere encontrar la armonía, búsqueda a la que el artista dedicó toda su obra.

Mijail Alexandrovich Vrubel

El camino creativo de Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) fue más directo, aunque al mismo tiempo inusualmente difícil. Antes de ingresar a la Academia de las Artes (1880), Vrubel se graduó en la Facultad de Derecho de la Universidad de San Petersburgo. En 1884 viajó a Kiev para supervisar la restauración de los frescos de la iglesia de San Cirilo y él mismo creó varias composiciones monumentales. Realiza bocetos en acuarela de las pinturas de la Catedral de Vladimir. Los bocetos no fueron trasladados a las paredes porque el cliente estaba asustado por su falta de canonicidad y expresividad.

En los años 90, cuando el artista se instaló en Moscú, tomó forma el estilo de escritura de Vrubel, lleno de misterio y poder casi demoníaco, que no se puede confundir con ningún otro. Esculpe la forma como un mosaico, a partir de piezas afiladas "facetadas" de diferentes colores, como si brillaran desde dentro ("Niña contra el fondo de una alfombra persa", 1886, KMRI; "Adivino", 1895, Galería Tretyakov). Las combinaciones de colores no reflejan la realidad de las relaciones de color, pero tienen un significado simbólico. La naturaleza no tiene poder sobre Vrubel. Él la conoce, la domina a la perfección, pero crea la suya propia. mundo de fantasía, poco parecido a la realidad. Gravita hacia temas literarios, que interpreta de manera abstracta, tratando de crear imágenes eternas de enorme poder espiritual. Así, habiendo retomado las ilustraciones de "El demonio", pronto se alejó del principio de la ilustración directa ("La danza de Tamara", "No llores, niña, no llores en vano", "Tamara en el ataúd ," etc.). La imagen del Demonio es la imagen central de toda la obra de Vrubel, su tema principal. En 1899 escribió "El demonio volador", en 1902 - "El demonio derrotado". El demonio de Vrubel es, ante todo, una criatura que sufre. En él, el sufrimiento prevalece sobre el mal, y esta es una característica de la interpretación nacional-rusa de la imagen. Los contemporáneos, como se señaló acertadamente, vieron en sus "Demonios" un símbolo del destino de un intelectual: un romántico que intentaba rebeldemente escapar de una realidad desprovista de armonía al mundo irreal de los sueños, pero sumergido en la dura realidad de lo terrenal

Vrubel creó sus pinturas y obras gráficas más maduras a principios de siglo, en el género del paisaje, el retrato y la ilustración de libros. En la organización y la interpretación decorativa y plana del lienzo o de la hoja, en la combinación de lo real y lo fantástico, en la apuesta por soluciones ornamentales y rítmicamente complejas en sus obras de este período, los rasgos del Art Nouveau se afirman cada vez más.

Al igual que K. Korovin, Vrubel trabajó mucho en el teatro. Sus mejores decorados fueron interpretados para las óperas de Rimsky-Korsakov "La doncella de las nieves", "Sadko", "El cuento del zar Saltan" y otras en el escenario de la Ópera Privada de Moscú, es decir, para aquellas obras que le dieron la oportunidad de "comunicarse ” Con folklore ruso, cuento de hadas, leyenda.

El universalismo del talento, la imaginación ilimitada y la extraordinaria pasión por afirmar ideales nobles distinguen a Vrubel de muchos de sus contemporáneos.

Víctor Elpidiforovich Borisov-Musatov

Victor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) es un exponente directo del simbolismo pictórico. Sus obras son una tristeza elegíaca por los viejos “nidos de la nobleza” vacíos y los moribundos “jardines de cerezos”, por mujeres hermosas, espiritualizadas, casi sobrenaturales, vestidas con una especie de trajes atemporales que no llevan signos externos de lugar y tiempo.

Sus obras de caballete no recuerdan sobre todo a paneles decorativos, sino a tapices. El espacio está resuelto de una manera extremadamente convencional y plana, las figuras son casi etéreas, como, por ejemplo, las chicas junto al estanque en el cuadro “Embalse” (1902, tempera, Galería Tretyakov), inmersas en una meditación onírica, en una profunda contemplación. Los tonos de color gris pálido y descoloridos realzan la impresión general de una belleza frágil y sobrenatural y una cualidad anémica y fantasmal, que se extiende no sólo a las imágenes humanas, sino también a la naturaleza que representan. No es casualidad que Borisov-Musatov llamara a una de sus obras "Fantasmas" (1903, témpera, Galería Tretyakov): figuras femeninas silenciosas e inactivas, estatuas de mármol cerca de las escaleras, un árbol semidesnudo: una gama descolorida de azules y grises. Los tonos morados realzan el aspecto fantasmal de la imagen.

"Mundo del Arte"

"World of Art" es una organización que surgió en San Petersburgo en 1898 y unió a los maestros de la más alta cultura artística, la élite artística de Rusia de esos años. "El mundo del arte" se ha convertido en uno de los fenómenos más importantes de la cultura artística rusa. Casi todos los artistas famosos participaron en esta asociación.

En los artículos editoriales de los primeros números de la revista se formulaban claramente las principales disposiciones de los “miriskusniks” sobre la autonomía del arte, que los problemas de la cultura moderna son exclusivamente problemas de forma artística y que la principal tarea del arte es Educar los gustos estéticos de la sociedad rusa, principalmente a través del conocimiento de las obras del arte mundial. Debemos reconocerles lo que les corresponde: gracias a los estudiantes de "El mundo del arte", el arte inglés y alemán fue realmente apreciado de una manera nueva y, lo más importante, la pintura rusa del siglo XVIII y la arquitectura del clasicismo de San Petersburgo se convirtieron en un descubrimiento. para muchos. "Mirskusniki" luchó por "la crítica como arte", proclamando el ideal de un crítico-artista con una alta cultura profesional y erudición. El tipo de crítico de este tipo lo encarnó uno de los creadores de "El mundo del arte", A.N. Benoit.

"Miriskusniki" organizó exposiciones. El primero fue también el único internacional, reuniendo, además de rusos, a artistas de Francia, Inglaterra, Alemania, Italia, Bélgica, Noruega, Finlandia, etc. En él participaron pintores y artistas gráficos tanto de San Petersburgo como de Moscú. Pero casi desde el primer día apareció una fisura entre estas dos escuelas, San Petersburgo y Moscú. En marzo de 1903 se cerró la última quinta exposición de World of Art y en diciembre de 1904 se publicó el último número de la revista World of Art. La mayoría de los artistas se trasladaron a la "Unión de Artistas Rusos", organizada sobre la base de la exposición de Moscú "36", los escritores, a la revista "New Way" abierta por el grupo de Merezhkovsky, los simbolistas de Moscú se unieron en torno a la revista "Scales", Los músicos organizaron “Tardes de música contemporánea”, Diaghilev se dedicó por completo al ballet y al teatro.

En 1910 se intentó volver a dar vida al “Mundo del Arte” (dirigido por Roerich). La fama llegó al "Mundo de las Artes", pero el "Mundo de las Artes" en realidad ya no existía, aunque formalmente la asociación existió hasta principios de los años 20 (1924), con una total falta de integridad, con una tolerancia y flexibilidad ilimitadas. de posiciones. La segunda generación de "Mir Iskusstniki" se preocupó menos por los problemas de la pintura de caballete; sus intereses se centraron en la gráfica, principalmente el arte del libro, y el arte teatral y decorativo; en ambas áreas hicieron una verdadera reforma artística. En la segunda generación de “miriskusniks” también hubo personajes importantes (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin, etc.), pero no hubo ningún artista innovador.

El artista más destacado del “Mundo del Arte” fue K. A. Somov (1869-1939). Hijo del conservador jefe del Hermitage, que se graduó en la Academia de las Artes y viajó a Europa, Somov recibió una excelente educación. La madurez creativa le llegó temprano, pero, como señaló correctamente el investigador (V.N. Petrov), siempre fue evidente en él una cierta dualidad: una lucha entre un poderoso instinto realista y una dolorosa percepción emocional del mundo.

Somov, tal como lo conocemos, apareció en el retrato de la artista Martynova (“La dama de azul”, 1897-1900, Galería Tretyakov), en el cuadro-retrato “Eco del tiempo pasado” (1903, usado en un carro. acuarela, gouache, Galería Tretyakov), donde crea una descripción poética de la frágil y anémica belleza femenina de una modelo decadente, negándose a transmitir los verdaderos signos cotidianos de la modernidad. Viste a las modelos con trajes antiguos, dando a su apariencia rasgos de sufrimiento secreto, tristeza y ensoñación, doloroso quebrantamiento.

Somov posee una serie de retratos gráficos de sus contemporáneos, la élite intelectual (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lanceray, Dobuzhinsky, etc.), en los que utiliza una técnica general: sobre un fondo blanco, en un cierto estilo atemporal. esfera: dibuja un rostro, una semejanza en la que se logra no mediante la naturalización, sino mediante generalizaciones audaces y una selección precisa de detalles característicos. Esta ausencia de signos del tiempo crea la impresión de estática, congelamiento, frialdad y una soledad casi trágica.

Antes que nadie en el mundo del arte, Somov recurrió a temas del pasado, a la interpretación del siglo XVIII. (“Carta”, 1896; “Confidencialidades”, 1897), siendo el antecesor de los paisajes de Versalles de Benoit. Es el primero en crear un mundo irreal, tejido a partir de motivos de la cultura noble y cortesana y de sus propios sentimientos artísticos puramente subjetivos, impregnados de ironía. El historicismo de los “miriskusniks” fue un escape de la realidad. No el pasado, sino su puesta en escena, el anhelo de su irreversibilidad: éste es su motivo principal. No es una verdadera diversión, sino un juego de diversión con besos en los callejones: este es Somov.

El líder ideológico del "Mundo del Arte" fue A. N. Benois (1870-1960), un talento inusualmente versátil. Pintor, pintor de caballete e ilustrador, artista de teatro, director, autor de libretos de ballet, teórico e historiador del arte, figura musical, fue, en palabras de A. Bely, el principal político y diplomático del “Mundo del Arte”. Como artista, está relacionado con Somov por sus tendencias estilísticas y su pasión por el pasado (“Estoy embriagado por Versalles, esto es una especie de enfermedad, amor, pasión criminal... Me he trasladado completamente al pasado... ”). Los paisajes de Versalles de Benoit fusionaron la reconstrucción histórica del siglo XVII. y las impresiones contemporáneas del artista, su percepción del clasicismo francés y del grabado francés. De ahí la composición clara, la espacialidad clara, la grandeza y la fría severidad de los ritmos, el contraste entre la grandeza de los monumentos de arte y la pequeñez de las figuras humanas, que entre ellos son sólo personal (primera serie de Versalles de 1896-1898 titulada “El último Paseos de Luis XIV”). En la segunda serie de Versalles (1905-1906), la ironía, que también es característica de las primeras hojas, está coloreada con notas casi trágicas (“El paseo del rey”, óleo, gouache, acuarela, oro, plata, pluma, 1906, Tretyakov Galería). El pensamiento de Benoit es el de un artista teatral por excelencia, que conocía y sentía muy bien el teatro.

Benoit percibe la naturaleza en conexión asociativa con la historia (vistas de Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo, realizadas por él mediante la técnica de la acuarela).

El ilustrador Benois (Pushkin, Hoffman) es una página entera en la historia del libro. A diferencia de Somov, Benoit crea una ilustración narrativa. El plano de la página no es para él un fin en sí mismo. Una obra maestra de la ilustración de libros fue el diseño gráfico de “El jinete de bronce” (1903,1905,1916,1921-1922, tinta y acuarela que imitan la xilografía en color). En una serie de ilustraciones del gran poema, el personaje principal se convierte en el paisaje arquitectónico de San Petersburgo, a veces solemnemente patético, a veces pacífico, a veces siniestro, en cuyo contexto la figura de Eugenio parece aún más insignificante. Así es como Benoit expresa el trágico conflicto entre el destino del Estado ruso y el destino personal del hombrecito (“Y toda la noche el pobre loco, / Dondequiera que movía sus pies, / 3 y en todas partes el Jinete de Bronce / Saltaba con fuertes pisadas ”).

Como artista teatral, Benois diseñó las representaciones de las Temporadas Rusas, de las cuales la más famosa fue el ballet Petrushka con música de Stravinsky, trabajó mucho en el Teatro de Arte de Moscú y, posteriormente, en casi todos los principales escenarios europeos.

N.K. Roerich (1874-1947) ocupa un lugar especial en el “Mundo del Arte”. Experto en filosofía y etnografía de Oriente, arqueólogo-científico, Roerich recibió una excelente educación, primero en casa, luego en las facultades de derecho e histórico-filológica de la Universidad de San Petersburgo, luego en la Academia de las Artes, en Kuindzhi. taller, y en París en el estudio de F. Cormon. También ganó temprano la autoridad de un científico. El mismo amor por la retrospección lo unía a la gente del “Mundo del Arte”, sólo que no de los siglos XVII-XVIII, sino de la antigüedad pagana eslava y escandinava, de la antigua Rusia; tendencias estilísticas, decoración teatral (“El Mensajero”, 1897, Galería Tretyakov; “Los ancianos convergen”, 1898, Museo Ruso Ruso; “Siniestro”, 1901, Museo Ruso Ruso). Roerich estaba más estrechamente asociado con la filosofía y la estética del simbolismo ruso, pero su arte no encajaba en el marco de las tendencias existentes porque, de acuerdo con la cosmovisión del artista, se dirigía, por así decirlo, a toda la humanidad con un llamado a una unión amistosa de todos los pueblos. De ahí la especial cualidad épica de sus pinturas.

Después de 1905, el sentimiento de misticismo panteísta creció en la obra de Roerich. Los temas históricos dan paso a leyendas religiosas (“La batalla celestial”, 1912, Museo Ruso Ruso). El icono ruso tuvo una gran influencia en Roerich: su panel decorativo "La batalla de Kerzhenets" (1911) se exhibió durante la representación de un fragmento del mismo título de la ópera de Rimsky-Korsakov "El cuento de la ciudad invisible de Kitezh y el Maiden Fevronia” en las “Estaciones rusas” parisinas.

El “Mundo del Arte” fue un movimiento estético importante del cambio de siglo, que revalorizó toda la cultura artística moderna, estableció nuevos gustos y temas, devolvió al arte, al más alto nivel profesional, las formas perdidas de la gráfica de libros y del teatro. y la pintura decorativa, que gracias a sus esfuerzos adquirió reconocimiento paneuropeo, creó una nueva crítica artística, que propagó el arte ruso en el extranjero, de hecho, incluso descubrió algunas de sus etapas, como el siglo XVIII ruso. "Mirskusniki" creó un nuevo tipo de pintura histórica, retrato, paisaje con sus propias características estilísticas (distintas tendencias de estilización, predominio de las técnicas gráficas sobre las pictóricas, una comprensión puramente decorativa del color, etc.). De esto depende su importancia para el arte ruso.

Las debilidades del “Mundo del Arte” se reflejaron principalmente en la diversidad e inconsistencia del programa, que proclamaba el modelo “o Böcklin o Manet”; en visiones idealistas del arte, en una indiferencia afectada hacia las tareas cívicas del arte, en una apoliticalidad programática, en la pérdida del significado social de la pintura. La intimidad del "Mundo del Arte" y su puro esteticismo también determinaron el corto período histórico de su vida en la era de los trágicos y amenazadores presagios de la revolución inminente. Estos fueron sólo los primeros pasos en el camino de la búsqueda creativa, y muy pronto los estudiantes de "Mundo del Arte" fueron superados por los jóvenes.

"Unión de Artistas Rusos"

En 1903 surgió una de las asociaciones de exposiciones más importantes de principios de siglo: la "Unión de Artistas Rusos". Al principio, incluía a casi todas las figuras destacadas del "Mundo del Arte": Benois, Bakst, Somov, los participantes en las primeras exposiciones fueron Vrubel, Borisov-Musatov. Los iniciadores de la creación de la asociación fueron los artistas moscovitas asociados con el "Mundo del Arte", pero que estaban agobiados por la estética programática de los residentes de San Petersburgo.

Los paisajes nacionales y los cuadros pintados con cariño de la Rusia campesina son uno de los principales géneros de los artistas de la “Unión”, en los que el “impresionismo ruso” se expresaba de manera única con sus motivos predominantemente rurales más que urbanos. Entonces los paisajes de I.E. Grabar (1871-1960), con su tono lírico, con los más finos matices pictóricos que reflejan cambios instantáneos en la verdadera naturaleza, es una especie de paralelo en suelo ruso con el paisaje impresionista de los franceses (“Nieve de septiembre”, 1903, Galería Tretyakov). El interés de Grabar por la descomposición del color visible en colores espectrales y puros de la paleta lo asemeja al neoimpresionismo, con J. Seurat y P. Signac (“March Snow”, 1904, Galería Tretyakov). El juego de colores en la naturaleza, los complejos efectos coloristas se convierten en objeto de minucioso estudio de los "Aliados", quienes crean en el lienzo un mundo figurativo pictórico y plástico, desprovisto de narrativa e ilustratividad.

A pesar de todo el interés por la transmisión de la luz y el aire en las pinturas de los maestros de la Unión, nunca se observa la disolución del tema en el ambiente de luz y aire. El color adquiere un carácter decorativo.

Los "aliados", a diferencia de los artistas gráficos de San Petersburgo del "Mundo del Arte", son principalmente pintores con un elevado sentido decorativo del color. Un excelente ejemplo de esto son las pinturas de F.A. Malyavina.

En general, los "Aliados" gravitaban no sólo hacia los bocetos al aire libre, sino también hacia las formas de pintura monumentales. En 1910, época de la escisión y formación secundaria del “Mundo del Arte”, en las exposiciones de la “Unión” se podía ver un paisaje íntimo (Vinogradov, Yuon, etc.), pinturas cercanas al divisionismo francés (Grabar, temprano Larionov) o cercano al simbolismo ( P. Kuznetsov, Sudeikin); En ellos también participaron artistas del "Mundo del Arte" de Diaghilev: Benois, Somov, Bakst.

La "Unión de Artistas Rusos", con sus sólidas bases realistas, que jugó un papel importante en las bellas artes rusas, tuvo un cierto impacto en la formación de la escuela de pintura soviética, que existió hasta 1923.

En 1907, en Moscú, la revista “Toisón de Oro” organizó la única exposición de artistas seguidores de Borisov-Musatov, llamada “La Rosa Azul”. El artista principal de "Blue Rose" fue P. Kuznetsov. Los "goluborozovitas" son los más cercanos al simbolismo, que se expresa principalmente en su "lenguaje": la inestabilidad del estado de ánimo, la musicalidad vaga e intraducible de las asociaciones, la sofisticación de las relaciones de color. La plataforma estética de los participantes en la exposición se reflejó en los años siguientes, y el nombre de esta exposición se convirtió en una palabra familiar para todo un movimiento en el arte de la segunda mitad del siglo XX. Toda la actividad de "Blue Rose" también lleva una fuerte huella de la influencia del estilo Art Nouveau (estilización plana y decorativa de formas, ritmos lineales caprichosos).

Las obras de P.V. Kuznetsov (1878-1968) reflejan los principios básicos de los "goluborozovitas". Kuznetsov creó una pintura sobre panel decorativo en la que buscaba abstraerse de la concreción cotidiana, mostrar la unidad del hombre y la naturaleza, la estabilidad del ciclo eterno de la vida y la naturaleza, el nacimiento del alma humana en esta armonía. De ahí el deseo de formas de pintura monumentales, oníricas y contemplativas, purificadas de todo lo momentáneo, universal, atemporal, un deseo constante de transmitir la espiritualidad de la materia. Una figura es sólo un signo que expresa un concepto; el color sirve para transmitir sentimiento; ritmo: para introducir sensaciones en un cierto mundo (como en la pintura de iconos, un símbolo de amor, ternura, tristeza, etc.). De ahí la técnica de distribución uniforme de la luz sobre toda la superficie del lienzo como uno de los fundamentos de la decoración de Kuznetsov. Serov dijo que la naturaleza de P. Kuznetsov "respira". Esto se expresa perfectamente en sus suites kirguís (estepa) y Bukhara, así como en los paisajes de Asia Central. Kuznetsov estudió las técnicas de la pintura de iconos rusos antiguos y del Renacimiento italiano temprano. Esta apelación a las tradiciones clásicas del arte mundial en busca de su propio gran estilo, como correctamente señalaron los investigadores, fue de fundamental importancia en un período en el que cualquier tradición a menudo era completamente negada.

El exotismo de Oriente (Irán, Egipto, Turquía) está plasmado en los paisajes de M. S. Saryan (1880-1972). Oriente era un tema natural para el artista armenio. Saryan crea en su pintura un mundo lleno de decoración brillante, más apasionado, más terrenal que el de Kuznetsov, y la solución pictórica siempre se construye sobre relaciones de color contrastantes, sin matices, en una fuerte yuxtaposición de sombras (“Palma datilera, Egipto”, 1911, mapa. , témpera, Galería Tretyakov).

Las imágenes de Saryan son monumentales debido a la generalidad de formas, los grandes planos coloridos y la naturaleza lapidaria general del lenguaje; esta es, por regla general, una imagen generalizada de Egipto, Persia o su Armenia natal, manteniendo una naturalidad vital. como si estuviera pintado de la vida. Los lienzos decorativos de Saryan son siempre alegres, corresponden a su idea de creatividad: “... una obra de arte es el resultado mismo de la felicidad, es decir, el trabajo creativo. En consecuencia, debería encender la llama de la creatividad en el espectador y ayudar a revelar su deseo natural de felicidad y libertad”.

"Jota de diamantes"

En 1910, varios artistas jóvenes (P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova y otros) se unieron en la organización "Jack of Diamonds", que Tenía su propia carta, organizaba exposiciones y publicaba sus propias colecciones de artículos. "La sota de diamantes" existió en realidad hasta 1917. Así como el postimpresionismo, principalmente Cézanne, fue una "reacción al impresionismo", la "Sota de diamantes" se opuso a la vaguedad, la intraducibilidad y los matices sutiles del lenguaje simbólico de "El azul". Rose” y el estilismo estético de “The World of Art”. "Valentine of Diamonds", fascinado por la materialidad, la "cosidad" del mundo, profesaba un diseño claro de la imagen, una objetividad enfatizada de la forma, la intensidad y el color pleno. No es casualidad que la naturaleza muerta se convierta en el género favorito de los "Valetovitas", así como el paisaje es el género favorito de los miembros de la "Unión de Artistas Rusos". La sutileza en la transmisión de cambios de humor, el psicologismo de las características, la subestimación de los estados, la desmaterialización de la pintura de los "Goluborozovitas", su poesía romántica son rechazados por los "Valetovtsy". Se contrastan con la festividad casi espontánea de los colores, la expresión del dibujo de contornos, la rica y amplia pincelada empastada, que transmite una visión optimista del mundo, creando un estado de ánimo casi ridículo y de espíritu cívico. "La válvula de diamantes" permite simplificaciones en la interpretación de la forma que son similares a los grabados populares, los juguetes populares, la pintura de azulejos o los letreros. El anhelo de primitivismo (del latín primitivus - primitivo, original) se manifestó entre varios artistas que imitaron las formas simplificadas de arte de las llamadas épocas primitivas - tribus y nacionalidades primitivas - en busca de ganar espontaneidad e integridad de la percepción artística. La “Jota de Diamantes” también tomó sus ideas de Cézanne (de ahí a veces el nombre de “cezanneismo ruso”), más aún del cubismo (“cambio” de formas) e incluso del futurismo (dinámica, diversas modificaciones de las formas).

La extrema simplificación de las formas y la conexión directa con el arte de la señalización se notan especialmente en M.F. Larionov (1881-1964), uno de los fundadores de la “Jota de Diamantes”, pero ya en 1911 rompió con ella. Larionov pinta paisajes, retratos, naturalezas muertas, trabaja como artista teatral para la empresa de Diaghilev y luego se dedica a la pintura de género, cuyo tema es la vida en una calle provincial y en los cuarteles de soldados. Las formas son planas, grotescas, como deliberadamente estilizadas para parecerse a un dibujo, un grabado popular o un letrero de un niño. En 1913, Larionov publicó su libro "Rayismo", de hecho, el primero de los manifiestos del arte abstracto, cuyos verdaderos creadores en Rusia fueron V. Kandinsky y K. Malevich.

Artista N.S. Goncharova (1881-1962), esposa de Larionov, desarrolló las mismas tendencias en sus pinturas de género, principalmente de temática campesina. En los años que analizamos, en su obra, más decorativa y colorida que el arte de Larionov, monumental en fuerza interna y laconismo, se siente agudamente una pasión por el primitivismo. Al caracterizar la obra de Goncharova y Larionov, se utiliza a menudo el término "neoprimitivismo".

M.Z. Chagall (1887-1985) creó fantasías transformadas a partir de aburridas impresiones de la vida en la pequeña ciudad de Vitebsk e interpretadas con un espíritu simbólico ingenuo, poético y grotesco. Con su espacio surrealista, sus colores brillantes y su deliberada primitivización de la forma, Chagall está cerca tanto del expresionismo occidental como del arte popular primitivo (“I and the Village”, 1911, Museo de Arte Moderno, Nueva York; “Above Vitebsk”, 1914, colección Zak. Toronto; “Boda”, 1918, Galería Tretyakov).

"Unión juvenil"

La "Unión de Jóvenes" es una organización de San Petersburgo que surgió casi simultáneamente con la "Jota de Diamantes" (1909). El papel principal lo desempeñó L. Zheverzheev. Al igual que los valetovitas, los miembros de la Unión de Jóvenes publicaron colecciones teóricas. Hasta el colapso de la asociación en 1917. La Unión de Jóvenes no tenía un programa específico, profesaba simbolismo, cubismo, futurismo y “no objetividad”, pero cada uno de los artistas tenía su propia personalidad creativa.

El arte de los años prerrevolucionarios en Rusia estuvo marcado por la extraordinaria complejidad e inconsistencia de las búsquedas artísticas, de ahí los sucesivos grupos con sus propias pautas programáticas y simpatías estilísticas. Pero junto con los experimentadores en el campo de las formas abstractas, "Mir Iskusstiki", "Goluborozovtsy", "Aliados", "Valentine of Diamonds" continuaron trabajando en el arte ruso de esta época; también hubo una poderosa corriente de movimiento neoclásico, un ejemplo de ello es el trabajo de un miembro activo del arte "Mir" en su "segunda generación" Z. E. Serebryakova (1884-1967). En sus pinturas de género poético con su diseño lacónico, modelado plástico táctil-sensual y composición equilibrada, Serebryakova parte de las altas tradiciones nacionales del arte ruso, en primer lugar de Venetsianov y aún más, del arte ruso antiguo (“Campesinos”, 1914, ruso). Museo Ruso; “Cosecha”, 1915, Museo de Arte de Odessa; “Blanqueamiento del lienzo”, 1917, Galería Tretyakov).

Finalmente, una brillante prueba de la vitalidad de las tradiciones nacionales y de la gran pintura rusa antigua es la obra de K. S. Petrov-Vodkin (1878-1939), un artista y pensador que más tarde se convirtió en el maestro de arte más destacado del período soviético. En el famoso cuadro “El baño del caballo rojo” (1912, PT), el artista recurrió a la metáfora pictórica. Como se ha señalado acertadamente, un joven sobre un caballo rojo brillante evoca asociaciones con la imagen popular de San Jorge el Victorioso ("San Yegory"), y la silueta generalizada, la composición rítmica y compacta, la saturación de manchas de colores contrastantes que suenan. En toda su fuerza, la monotonía en la interpretación de las formas nos lleva como recuerdo de un antiguo icono ruso. Petrov-Vodkin crea una imagen armoniosamente ilustrada en el lienzo monumental "Las niñas en el Volga" (1915, Galería Tretyakov), en el que también se puede sentir su orientación hacia las tradiciones del arte ruso, que lleva al maestro a la verdadera nacionalidad.

Arquitectura

La era del capitalismo industrial altamente desarrollado provocó cambios significativos en la arquitectura, especialmente en la arquitectura de la ciudad. Están surgiendo nuevos tipos de estructuras arquitectónicas: fábricas y fábricas, estaciones de tren, tiendas, bancos y, con la llegada del cine, los cines. La revolución fue provocada por nuevos materiales de construcción: hormigón armado y estructuras metálicas, que permitieron cubrir espacios gigantes, hacer enormes escaparates y crear un extraño patrón de encuadernaciones.

En la última década del siglo XIX, los arquitectos tuvieron claro que en el uso de estilos históricos del pasado la arquitectura había llegado a un callejón sin salida; lo que se necesitaba, según los investigadores, no era una "reordenación" de los estilos históricos. , sino una comprensión creativa de lo nuevo que se estaba acumulando en el entorno de una ciudad capitalista en rápido crecimiento . Los últimos años del siglo XIX y principios del XX fueron la época del predominio del modernismo en Rusia, formado en Occidente principalmente en la arquitectura belga, del sur de Alemania y austriaca, un fenómeno generalmente cosmopolita (aunque aquí la modernidad rusa difiere de la de Europa occidental). , porque es una mezcla con estilos historicos neorrenacentista, neobarroco, neorococó, etc.).

Un ejemplo sorprendente del modernismo en Rusia fue el trabajo de F.O. Shekhtel (1859-1926). Edificios de apartamentos, mansiones, edificios de empresas comerciales y estaciones de tren: Shekhtel dejó su firma en todos los géneros. La asimetría del edificio, el aumento orgánico de volúmenes, el carácter diferente de las fachadas, el uso de balcones, porches, ventanales, sandriks sobre las ventanas, la introducción de imágenes estilizadas de lirios o lirios en la decoración arquitectónica, el uso. Las vidrieras con el mismo motivo ornamental y las diferentes texturas de materiales en el diseño de interiores le resultan efectivas. El diseño caprichoso, construido sobre la torsión de líneas, se extiende a todas las partes del edificio: el friso de mosaico favorecido por el Art Nouveau, o el cinturón de azulejos de cerámica vidriada en colores decadentes descoloridos, los marcos de las vidrieras, el patrón de la cerca, las rejas del balcón; en la composición de la escalera, incluso en los muebles, etc. Caprichosos contornos curvilíneos dominan todo. En el Art Nouveau se puede rastrear una cierta evolución, dos etapas de desarrollo: la primera es decorativa, con especial pasión por la ornamentación, la escultura decorativa y el pintoresquismo (cerámica, mosaicos, vidrieras), la segunda es más constructiva, racionalista.

El Art Nouveau está bien representado en Moscú. Durante este período se construyeron aquí estaciones de tren, hoteles, bancos, mansiones de la rica burguesía y edificios de apartamentos. La mansión Ryabushinsky en la Puerta Nikitsky de Moscú (1900-1902, arquitecto F.O. Shekhtel) es un ejemplo típico del Art Nouveau ruso.

Una apelación a las tradiciones de la arquitectura rusa antigua, pero a través de técnicas modernas, sin copiar de manera naturalista los detalles de la arquitectura rusa medieval, que era característica del "estilo ruso" de mediados del siglo XIX, sino variándolo libremente, tratando de transmitir el mismo espíritu de la antigua Rus, dio lugar al llamado estilo neorruso de principios del siglo XX. (a veces llamado neoromanticismo). Su diferencia con el Art Nouveau en sí está principalmente en el camuflaje, y no en lo revelador, que es característico del Art Nouveau, la estructura interna del edificio y el propósito utilitario detrás de la ornamentación intrincadamente compleja (Shekhtel - Estación Yaroslavl en Moscú, 1903-1904; Estación A.V. Shchusev-Kazansky en Moscú, 1913-1926; V.M. Vasnetsov - antiguo edificio de la Galería Tretyakov, 1900-1905). Tanto Vasnetsov como Shchusev, cada uno a su manera (y el segundo bajo la gran influencia del primero), estaban imbuidos de la belleza de la arquitectura rusa antigua, especialmente de Novgorod, Pskov y el Moscú temprano, apreciaron su identidad nacional e interpretaron creativamente su formas.

El Art Nouveau se desarrolló no sólo en Moscú, sino también en San Petersburgo, donde se desarrolló bajo la indudable influencia del escandinavo, el llamado "Art Nouveau del Norte": P.Yu. Suzor en 1902-1904. construye el edificio de la empresa Singer en Nevsky Prospekt (ahora la Casa del Libro). La esfera terrestre en el tejado del edificio debía simbolizar el carácter internacional de las actividades de la empresa. Para el revestimiento de las fachadas se utilizaron valiosas piedras (granito, labradorita), bronce y mosaicos. Pero el modernismo de San Petersburgo estuvo influenciado por las tradiciones del clasicismo monumental de San Petersburgo. Este fue el impulso para el surgimiento de otra rama de la modernidad: el neoclasicismo del siglo XX. En la mansión de A.A. Polovtsov en la isla Kamenny en San Petersburgo (1911-1913) por el arquitecto I.A. Fomin (1872-1936) las características de este estilo se reflejaron plenamente: la fachada (volumen central y alas laterales) fue diseñada en orden jónico, y los interiores de la mansión, en una forma más pequeña y modesta, parecen repetir el enfilada de la sala del Palacio Tauride, pero los enormes ventanales de la semi-rotunda del jardín de invierno, el dibujo estilizado de los detalles arquitectónicos definen claramente la época de principios de siglo. Obras de la escuela de arquitectura puramente de San Petersburgo de principios de siglo (edificios de apartamentos) al comienzo de la avenida Kamennoostrovsky (nº 1-3), el conde M.P. Tolstoi en Fontanka (No. 10-12), edificio b. El banco Azov-Don en Bolshaya Morskaya y el hotel Astoria pertenecen al arquitecto F.I. Lidval (1870-1945), uno de los maestros más destacados del Art Nouveau de San Petersburgo.

El Art Nouveau fue uno de los estilos más importantes que puso fin al siglo XIX y marcó el comienzo del siguiente. En él se utilizaron todos los logros modernos de la arquitectura. El modernismo no es sólo un determinado sistema estructural. Desde el reinado del clasicismo, el modernismo ha sido quizás el estilo más consistente en su enfoque holístico y diseño conjunto del interior. El Art Nouveau como estilo ha capturado el arte de los muebles, utensilios, telas, alfombras, vidrieras, cerámica, vidrio, mosaicos; es reconocible en todas partes por sus contornos y líneas dibujadas, su especial combinación de colores de colores pastel descoloridos y su patrón favorito de lirios e lirios.

Escultura

Escultura rusa de principios del siglo XIX y XX. y los primeros años prerrevolucionarios están representados por varios nombres importantes. Este es principalmente P.P. Trubetskoi (1866-1938). Sus primeras obras rusas (retrato de Levitan, imagen de Tolstoi a caballo, ambas - 1899, bronce) dan una imagen completa del método impresionista de Trubetskoy: la forma parece estar completamente impregnada de luz y aire, dinámica, diseñada para ser vista desde todos puntos de vista y desde lados diferentes crea una caracterización multifacética de la imagen. La obra más notable de P. Trubetskoy en Rusia fue el monumento de bronce a Alejandro III, erigido en 1909 en San Petersburgo, en la plaza Znamenskaya. Aquí Trubetskoy deja su estilo impresionista. Los investigadores han notado repetidamente que la imagen del emperador que tiene Trubetskoy parece contrastar con la de Falconet, y junto a "El jinete de bronce" es casi una imagen satírica de la autocracia. Nos parece que este contraste tiene un significado diferente; No Rusia, “levantada sobre sus patas traseras”, como un barco sumergido en aguas europeas, sino la Rusia de paz, estabilidad y fuerza está simbolizada por este jinete sentado pesadamente sobre un pesado caballo.

El impresionismo en una refracción creativa única y muy individual encontró expresión en las obras de A. S. Golubkina (1864-1927). En las imágenes de Golubkina, especialmente en las femeninas, hay mucha pureza moral y profunda democracia. En la mayoría de los casos se trata de imágenes de gente pobre y corriente: mujeres agotadas por el trabajo o “niños de la clandestinidad” enfermizos.

Lo más interesante de la obra de Golubkina son sus retratos, siempre dramáticamente tensos, característicos en general de la obra de este maestro, e inusualmente diversos (retrato de V.F. Ern (madera, 1913, Galería Tretyakov) o busto de Andrei Bely (yeso, 1907, Galería Tretiakov)) .

En las obras de Trubetskoy y Golubkina, a pesar de todas sus diferencias, hay algo en común: rasgos que las relacionan no sólo con el impresionismo, sino también con el ritmo de las líneas fluidas y las formas de la modernidad.

El impresionismo, que se apoderó de la escultura a principios de siglo, tuvo poca influencia en la obra de S. T. Konenkov (1874-1971). El mármol "Nike" (1906, Galería Tretyakov), con rasgos claramente retratos (y eslavos) de una cara redonda con hoyuelos en las mejillas, presagia las obras que Konenkov realizó después de su viaje a Grecia en 1912. Imágenes de la mitología pagana griega son entrelazado con la mitología eslava. Konenkov comienza a trabajar en madera, basándose en gran medida en el folclore ruso y los cuentos de hadas rusos. De ahí su "Stribog" (árbol, 1910, Galería Tretyakov), "Velikosil" (árbol, privado, coleccionado), imágenes de mendigos y ancianos ("Old Field Man", 1910).

El gran mérito de Konenkov en el resurgimiento de la escultura en madera. El amor por la epopeya rusa, por el cuento de hadas ruso, coincidió en el tiempo con el "descubrimiento" de la pintura de iconos rusos antiguos, la escultura de madera rusa antigua y el interés por la arquitectura rusa antigua. A diferencia de Golubkina, Konenkov carece de dramatismo y de colapso espiritual. Sus imágenes están llenas de optimismo popular.

En su retrato, Konenkov fue uno de los primeros en plantear el problema del color a principios de siglo. Su teñido de piedra o madera es siempre muy delicado, teniendo en cuenta las características del material y las peculiaridades de la solución plástica.

Entre las obras monumentales de principios de siglo, cabe destacar el monumento a N.V. Gógol N.A. Andreeva (1873-1932), inaugurada en Moscú en 1909. Este es Gogol en los últimos años de su vida, enfermo terminal. Su perfil triste con nariz afilada (“gogoliana”) y su figura delgada envuelta en un abrigo son inusualmente expresivos; En el lenguaje lapidario de la escultura, Andreev transmitió la tragedia de una gran personalidad creativa. En un friso en bajorrelieve sobre un pedestal en composiciones de varias figuras, los héroes inmortales de Gogol están representados de una manera completamente diferente, con humor o incluso satíricamente.

A. T. Matveev (1878-1960). Superó la influencia impresionista de su maestro en sus primeras obras: desnudo (el tema principal de esos años. La arquitectura estricta, el laconismo de formas generalizadas estables, el estado de iluminación, la paz y la armonía distinguen a Matveev, contrastando directamente su trabajo con el escultórico impresionismo.

Como bien señalan los investigadores, las obras del maestro están diseñadas para una percepción reflexiva a largo plazo; requieren un estado de ánimo interior, "silencio", y luego se revelan de manera más completa y profunda. Tienen musicalidad de las formas plásticas, gran gusto artístico y poesía. Todas estas cualidades son inherentes a la lápida de V.E. Borisov-Musatov en Tarusa (1910, granito). En la figura de un niño dormido es difícil ver la línea entre el sueño y la inexistencia, y esto se realiza siguiendo las mejores tradiciones de escultura conmemorativa del siglo XVIII. Kozlovsky y Martos, con su sabia y serena aceptación de la muerte, que a su vez nos lleva aún más lejos, a arcaicas estelas antiguas con escenas de “entretenimiento funerario”. Esta lápida es el pináculo de la obra de Matveev del período prerrevolucionario, quien aún tuvo que trabajar fructíferamente y convertirse en uno de los famosos escultores soviéticos. En el período anterior a octubre, aparecieron en la escultura rusa varios jóvenes maestros talentosos (S.D. Merkurov, V.I. Mukhina, I.D. Shadr, etc.), que en la década de 1910 apenas comenzaban su actividad creativa. Trabajaron en diferentes direcciones, pero conservaron tradiciones realistas, que incorporaron al nuevo arte, desempeñando un papel importante en su formación y desarrollo.

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