Pintor de iconos Dionisio y sus iconos. Dionisio: pintor de iconos de la segunda mitad del siglo XV y principios del XVI.

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El arte no pudo evitar reflejar los principales momentos de la historia rusa. Por lo tanto, naturalmente, en muchos aspectos el desarrollo de la pintura rusa en la segunda mitad de los siglos XV-XVI estuvo determinado por un proceso histórico tan importante como la creación de un estado centralizado. Su tarea era glorificar el poder estatal. Se amplía el contenido ideológico del arte, pero al mismo tiempo aumenta la regulación de tramas y esquemas iconográficos, lo que introduce en las obras un carácter oficial abstracto y una cierta frialdad. Sin embargo, todo esto se aplica al arte del siglo XVI y, a finales del siglo XV, el movimiento Rublev todavía desempeñaba un papel destacado.

Biografía

El artista más importante de este movimiento fue Dionisio (décadas de los años 30 y 40 del siglo XV, entre 1503 y 1508).

Dionisio (c. 1440-1502): destacado pintor de iconos (isógrafo) de Moscú de finales del siglo XV y principios del XVI. Se le considera un sucesor de las tradiciones de Andrei Rublev.

Las primeras noticias sobre Dionisio se remontan a los años 1460-1470. Junto con Mitrofaniy, el anciano de la catedral del monasterio Simonov de Moscú, que ya tenía su propio taller de pintura de iconos a principios del siglo XV, participa en la pintura de la catedral del monasterio Pafnutievo-Borovsky cerca de Moscú. (La catedral fue reconstruida a finales del siglo XVI; solo quedaron unas pocas piedras con fragmentos de pinturas, incluidos adornos que se parecen vívidamente a las pinturas ornamentales de la catedral del monasterio de Ferapontov). Se sabe que esta pintura causó sorpresa en el propio Gran Duque Iván III. Entre las obras de Dionisio, los investigadores, con razón, incluyen miniaturas del Evangelio de principios de la década de 1470, almacenadas en biblioteca científica Universidad Estatal de Moscú en Moscú.

A diferencia de Rublev, Dionisio era un laico, aparentemente de origen noble. El artista dirigió un gran artel, cumplió órdenes tanto principescas como monásticas y metropolitanas, y sus hijos Vladimir y Teodosio trabajaron con él.

El arte de Dionisio se forma en el entorno de los libros académicos que rodean a figuras tan importantes de la época de Iván III como el arzobispo de Rostov Vassian Rylo, autor de la notable obra periodística Epístola a Ugra, por orden del artista creó el iconostasio de la Catedral de la Asunción en el Kremlin en 1481; como el arzobispo Joasaph Obolensky, que ordenó pintar la catedral del monasterio de Ferapontov; como escritor y teólogo Joseph Volotsky, un feroz perseguidor de herejes, líder de un gran partido eclesiástico que defendía la idea de una "iglesia rica" ​​y actuaba como oponente de los "no poseedores". También fue un gran conocedor del arte. La relación de Dionisio con él podría remontarse a la década de 1470, la época de la estancia de José en el monasterio de Borovsky. En el monasterio de Volotsk, fundado por José en 1479, Dionisio ha estado trabajando en la pintura de la Catedral de la Asunción desde 1484-1485. Y luego él y sus hijos diferente tiempo cumplir otras órdenes del abad.

En este círculo se desarrolló la idea del Estado como imagen de una comunidad espiritual ideal, un reino de absoluta moralidad y belleza.

La obra más antigua que se conoce es la pintura de la Catedral de la Natividad de la Virgen María en el Monasterio Pafnutievo Borovsky (1467-1477), cuando fue invitado a participar en la pintura de la iglesia. Aquí todavía no trabajó de forma completamente independiente, sino bajo la supervisión del maestro Mitrofan, a quien llaman su maestro. Sin embargo, ya entonces apareció el estilo individual y el brillante talento del joven pintor de iconos, ya que los documentos mencionan a ambos pintores como "notorios".<…>más que nadie en este asunto”.

En 1481, un artel dirigido por Dionisio pintó la Iglesia de la Asunción en Moscú (probablemente la Catedral de la Asunción, construida por Aristóteles Fioravanti). Sus asistentes en este trabajo, como informa la crónica, fueron "Prest Timofey, Yarets y Konya". Lo mucho que se valoraba al joven pintor de iconos lo demuestra un hecho poco común en aquella época: el cliente, el obispo Vassian, pagó a los artistas un depósito de 100 rublos incluso antes de comenzar el trabajo. En aquel entonces era una cantidad importante. Los investigadores creen que el pincel de Dionisio pertenecía principalmente al rango Deesis, es decir, la parte más importante de la obra. Esta Deesis fue “muy maravillosa” y glorificó aún más el nombre de Dionisio. Desde entonces, se ha ganado la reputación de “maestro precioso” y personificó la escuela de pintura de iconos de Moscú. El favorito de Iván III y el famoso perseguidor de herejes José de Volotsky, por cuya orden pintó más de 80 iconos, Dionisio fue el portador de la tradición oficial gran ducal en el arte. Las composiciones de sus obras se distinguían por una estricta solemnidad, los colores eran claros, las proporciones de las figuras se alargaban con gracia, las cabezas, brazos y piernas de los santos eran en miniatura y sus rostros eran invariablemente hermosos. Sin embargo, no se debe buscar en ellos la pasión de Teófanes el Griego ni la profundidad de las imágenes de Andrei Rublev. La brillante festividad y la pompa de sus obras, la sofisticación de su colorido cumplían con las exigencias de la época: la Rus de Moscú estaba experimentando su apogeo.

En 1482, Dionisio pintó el icono "Nuestra Señora Odigitria" para el Monasterio de la Ascensión del Kremlin de Moscú. El fondo dorado claro favorito del maestro, el maforium (túnica) púrpura de la Madre de Dios, su pose solemne y los ángeles glorificantes crearon la majestuosa estructura general de la imagen.

Dionisio realizó muchas obras para los monasterios de José-Volokolamsk y Pavlo-Obnorsky. Allí pinta iconos para la iglesia catedral de la Asunción de Nuestra Señora y dirige un artel de pintura. En particular, para este último escribió "La Crucifixión", que fue colocada en el iconostasio de la catedral. El centro del tablero de iconos, enfatizando su verticalidad, estaba ocupado por la imagen de la cruz en la que fue crucificado el Salvador. La cabeza caída, como la corola de una flor marchita, los brazos extendidos como tallos y un cuerpo plásticamente curvado crean un ambiente solemne y triste. Las figuras silenciosamente congeladas de los presentes (María, Juan y las mujeres y el guerrero que los acompañaban) forman grupos lúgubres ubicados simétricamente a los lados de la cruz. Las figuras de ángeles en el registro superior se hacen eco de ellos y, aún más arriba, por encima del travesaño, hay imágenes del Sol y la Luna, que simbolizan el significado cósmico del evento. Los ángeles que observan el correr de los cuerpos celestes los alejan del cielo.

Las últimas obras documentadas, y probablemente las más famosas de Dionisio, son las pinturas murales y el iconostasio de la Catedral de la Natividad de la Virgen María del Monasterio Ferapontov, realizadas por el maestro junto con sus hijos Teodosio y Vladimir. Colores puros y delicados con predominio de verdosos, dorados y, lo más importante, blanco, que por primera vez en el arte ruso antiguo recibieron aquí un sonido independiente, están en excelente armonía con la estructura emocional de las imágenes.

El monasterio de Ferapontov, ubicado en el extremo norte y rara vez visitado por peregrinos, no era rico y, por lo tanto, no tenía fondos para actualizar la pintura. A esta circunstancia se debe que los frescos de Dionisio evitaron grabaciones posteriores, conservaron un color cercano al original y permitieron hacernos una idea fiel del estilo de escritura del maestro.

Se sabe bastante obras de arte, cuya autoría está documentada por Dionisio, ya sea atribuida al propio Dionisio o a su séquito. Entre los iconos del maestro que han sobrevivido hasta nuestros días, se conocen los siguientes: iconos hagiográficos de los metropolitanos Pedro y Alexei (1462-1472), "Nuestra Señora Hodegetria" (1482), "Bautismo del Señor" (1500), "El Salvador en el poder" y "Crucifixión" (1500), "Descenso a los infiernos".

El tipo de iconos hagiográficos, cuando en el centro del tablero, en el medio, había una figura de un santo elegido, y en los lados estaba rodeado de sellos: pequeñas composiciones enmarcadas que representaban escenas de la vida y hechos milagrosos de un El hombre justo estaba muy extendido en la pintura rusa antigua. Particularmente famosos son dos iconos hagiográficos emparejados de Dionisio, que representan a los metropolitanos Pedro y Alexy, hechos para la Catedral de la Asunción en el Kremlin de Moscú. Los metropolitanos se presentan con vestimentas ceremoniales, en pleno crecimiento, las posiciones de sus figuras y gestos son casi simétricas (quizás los íconos colgados uno frente al otro en la catedral y, por lo tanto, se superponen compositivamente), la figura del metropolitano Pedro está solo ligeramente desplazada hacia el a la izquierda y el metropolitano Alexy a la derecha. Posturas majestuosas, vestimentas coloridas, con predominio del color blanco, realzan la solemnidad y monumentalidad de las imágenes. Los pequeños cuadros-sellos, que representan episodios de la vida de los santos, reflejaban el mundo real, tan cercano a Dionisio.

Diferentes fuentes indican diferentes fechas de la muerte de Dionisio: “después de 1503”, “antes de 1508”, “después de 1519”, “mediados de la década de 1520”, etc.

Breve trabajo

Dionisio trabajó para el Monasterio Pafnutyevo-Borovsky, la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú, el Monasterio Pavlov-Obnorsky, de cuyo iconostasio nos han llegado dos iconos: "El Salvador está en el poder" con una inscripción en el reverso que indica la autoría de Dionisio e indicando la fecha de ejecución - 1500. , y "La Crucifixión" (ambos en la Galería Tretyakov).

Dos iconos cotidianos también llevan el nombre de Dionisio: los metropolitanos Pedro y Alexei (ambos de la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú).

Trabajo largo, Monasterio NO Ferapontov.

Las ideas de la época encontraron una encarnación única en la obra de Dionisio. Al artista le preocupa, en primer lugar, el problema de la “construcción” de la personalidad humana. A diferencia de Rublev, cuyo tema de la creatividad era la vida más íntima del alma humana, también representó la vida espiritual de una persona como un trabajo destinado a la "mejora" externa. Para él, la vida humana es un camino de constante mejora espiritual, cuidado y educación del alma, que necesita ser protegida y “excluida” de la “autocracia” de sí misma, en palabras de Fyodor Kuritsyn, un funcionario cercano a Iván III. Basado en la experiencia de sus predecesores y maestros, maestros moscovitas y balcánicos extranjeros de la primera mitad y mediados del siglo XV, crea un lenguaje universal de formas pictóricas que le permite representar no solo y no tanto la imagen de la personalidad personal de una persona. relación con Dios, como fue el caso en las obras de Andrei Rublev, y construir un modelo del cosmos divino, basado en una relación estricta y equilibrada de todos los elementos que lo componen, en condiciones especiales, reglas ideales comportamiento, guiado por el cual sus “habitantes” forman un todo indivisible. Una línea roja que atraviesa toda su obra es el tema de las personas que entran en este mundo y su participación en su vida.

Ilustraciones visibles de este camino fueron los iconos hagiográficos de los venerados santos rusos creados por Dionisio y sus discípulos. De estos, los más significativos son los grandiosos iconos de los metropolitanos de Moscú Pedro (GMMK) y Alexei (GTG), pintados para la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú, probablemente en la década de 1480, y el icono de San Sergio de Radonezh ( C. 1492, Catedral de la Trinidad (Laurel de la Trinidad y Sergio). Las escenas hagiográficas ubicadas en amplios campos demuestran sus hazañas, formando alrededor de los santos semejanzas de coronas, brillando con oro y varios tonos claros de color. Lo principal aquí no es una narración entretenida o una enseñanza de carácter moralizante, sino acciones que acercan el “Reino de Dios” y abren la entrada a él. Las figuras de los metropolitanos en las piezas centrales de los íconos se asemejan a altos pilares triunfales erigidos en el centro de un mundo transformado por sus trabajos y sostenido y protegido por sus oraciones. En los rostros de los santos no quedan rastros del "retrato" de Rublev; son imágenes de "ángeles entre personas" y "hombres entre ángeles", como llama el autor de su solemne alabanza al metropolitano Alexei.

Formar una imagen de un espacio compositivo ordenado arquitectónicamente, que simboliza un mundo transformado por la gracia divina, es una tarea de suma importancia y casi intrínseca para el artista. A él están subordinadas tanto la interpretación de los volúmenes como la interpretación del movimiento. Las líneas libres de carga plástica y el color no cargado de materia hacen que el entorno que rodea a las figuras sea ligero, transparente y extremadamente espiritual. Los contornos que se expanden libremente y se extienden hacia arriba de las figuras y escenas que enmarcan el escenario revelan el ritmo no solo de la trama, sino también del movimiento arquitectónico y espacial. Un sentido absoluto del tono del color y un dominio magistral de la línea permitieron al maestro dar incluso a los espacios aparentemente insignificantes en el fondo la propiedad del espacio infinito. La combinación de colores está construida de tal manera que predomina el ocre dorado claro, el blanco y el azul cielo. En esta atmósfera sensible y colorida se hacen perceptibles los más mínimos cambios en los matices de color, el ritmo de las líneas y la naturaleza de los movimientos.

A diferencia de Rublev, en quien cada figura, cada detalle tiene plenitud plástica y semántica, en Dionisio todas las imágenes están conectadas por vínculos complejos y diversos y no pueden concebirse fuera de la unidad compositiva, fuera del conjunto, ya sea un pequeño icono de la Crucifixión de el Monasterio Pavlovo-Obnorsky (1500, Galería Tretyakov) o el grandioso cuadro de la catedral del Monasterio Ferapontov. Aquí todas las partes se distinguen claramente, pero, al igual que las voces individuales en un coro, sólo adquieren significado en consonancia. Ni en el conjunto de pinturas ni en las características de los iconos hagiográficos hay imágenes de los principales y menores, cada escena representa un ritual solemne, desprovisto de detalles aleatorios y opcionalidad episódica. Nada perturba la regularidad y el silencio de la celebración del sacramento. Los movimientos de los personajes son extremadamente parcos y, por regla general, se limitan a gestos simbólicos con las manos; sus rostros llevan el sello de una casta mansedumbre y al mismo tiempo una atención intensa, una escucha sensible de sí mismos y de todo lo que sucede en el mundo que los rodea. . Los labios están cerrados, ni siquiera un pequeño movimiento puede perturbar su armonía inherente. Al intensificar este sentimiento, Dionisio a menudo ralentiza o incluso interrumpe la acción de la trama. La mirada del espectador se desplaza hacia el espacio de cesuras luminosas del fondo, antes ocultas a su atención, portales abiertos, cortinas parcialmente abiertas.

Monasterio de Ferapontov

El monumento más notable de Dionisio es el ciclo de pinturas de la Catedral de la Natividad del Monasterio Ferapontov, ubicado muy al norte, en las tierras de Vologda, cuyo trabajo fue realizado por Dionisio junto con sus hijos Vladimir y Teodosio en el verano. de 1502, como lo demuestra la inscripción del templo. Este es casi el único caso en el que los frescos se han conservado casi en su totalidad y en su forma original. La pintura está dedicada al tema de la Virgen María (unas 25 composiciones).

El ritmo del movimiento del espectador en el espacio arquitectónico real de la catedral está sujeto al ritmo de las escenas que se van desarrollando ante él, desde la composición del Juicio Final en el brazo occidental del templo hasta las composiciones que suenan como un himno alegre a ti, la Intercesión, la Catedral de Nuestra Señora, ubicada en los lunetos del luminoso espacio bajo la cúpula, y además, a la imagen del trono de la Madre de Dios, presentada en la concha del altar. La dirección del movimiento está indicada por la procesión de “vírgenes sabias y misericordiosas” y las figuras del rey y la reina entrando en el espacio de la naos en una de las escenas incluidas en el ciclo que ilustra los himnos del Akathist a la Madre de Dios. . Sus vestimentas festivas simbolizan la carne humana purificada y transformada tras el Juicio Final.

Las escenas representadas son "La Catedral de la Virgen María", "Alabanza a la Virgen María", "Protección de la Virgen María", "Akathist a la Virgen María". Es el himno de alabanza (akathist) a la Madre de Dios el que se convierte en el tema principal de la pintura. No es casualidad que la escena de la muerte de la Dormición de la Virgen María nunca se encuentre en las imágenes. Nada eclipsa el ambiente festivo y solemne, creado principalmente por el color: una sorprendente armonía colorista de delicados medios tonos, que los investigadores comparan acertadamente con las acuarelas: principalmente turquesa, verde pálido, lila, lila, rosa claro, leonado, blanco u cereza oscuro ( El manto de la Madre de Dios suele pintarse al final). Todo esto está unido por un fondo azul brillante. Colores claros saturados, una composición libre de múltiples figuras (Dionisio a menudo se aleja de los esquemas compositivos e iconográficos habituales), ropa estampada, el lujo de las mesas de banquete (en escenas de parábolas evangélicas), un paisaje con colinas claras distantes y árboles delgados: todo Da la impresión de una doxología alegre y jubilosa en los colores.

La pintura entrelaza polifónicamente varios temas, siendo los principales la glorificación de la Madre de Dios, la salvación de los justos y la justificación de los pecadores arrepentidos. El último de ellos fue especialmente relevante para la época. En los primeros años del siglo XVI, cuando la disidencia religiosa estaba prácticamente suprimida, los representantes del partido "josefita" comenzaron a dirigirse al Gran Duque exigiendo que los herejes fueran sometidos a las ejecuciones más severas. Sus oponentes del campo "no adquisitivo", que incluía a los hermanos del monasterio Kirillo-Belozersky y, muy probablemente, a Ferapontov, adoptaron una posición diferente. Insistieron en que el pecador arrepentido debería ser bienvenido nuevamente en la iglesia. Respondiendo a estas ideas, Dionisio representa en la escena del Juicio Final un río azul que enfría las llamas de la ardiente Gehena, muestra al pecador hijo pródigo regresando con su padre, escenas de curaciones de pecadores que creían en Cristo y, por el contrario, escenas. de reproche y condenación de los fariseos, orgullosos de su fidelidad a la letra de la ley, dada por Dios, pero carentes de la virtud principal: el amor.

Especialmente perfecto es el fresco del portal del templo: "La Natividad de la Virgen María", que sin duda pertenece al propio Dionisio. El mayor carácter decorativo y solemnidad de las composiciones de múltiples figuras de Dionisio, así como cierta estandarización de los rostros, son características que ya indican un alejamiento de la naturalidad armoniosa y la simplicidad de las imágenes altamente espirituales de Rublev. Pero la apariencia de todas estas cualidades es característica precisamente del arte de la época de crear un Estado centralizado.

A juzgar por la pintura de la catedral del monasterio de Ferapontov, Dionisio, durante su estancia en la "región del Trans-Volga", se hizo amigo cercano de los seguidores del Nilo de Sorsky, quienes defendieron los principios morales fundamentales del cristianismo: el amor y la misericordia hacia el prójimo, que en el siglo XV ya estaban profundamente arraigados en la conciencia del pueblo y se convirtieron en parte integral de la mentalidad nacional. Pero el cambio de siglo marcó un punto de inflexión en la relación entre las masas de creyentes y la jerarquía eclesiástica. Al principio imperceptiblemente, pero poco a poco empezaron a alejarse el uno del otro. Dionisio no pudo evitar ser consciente de esta tendencia de desarrollo y, a través del poder de su arte, trató de preservar esta imagen ideal del mundo de la decadencia.

Sobre el círculo de Dionisio

Junto con sus alumnos y asistentes, Dionisio también creó el iconostasio de la Catedral de la Natividad (Museo Estatal Ruso, Galería Estatal Tretyakov, Museo del Monasterio Kirillo-Belozersky), del cual el propio Dionisio posee el icono "Nuestra Señora Hodegetria" (un tipo iconográfico de especial solemnidad, con la bendición del Niño Jesús).

La influencia del arte de Dionisio afectó a todo el siglo XVI. Afectó no sólo a la pintura monumental y de caballete, sino también a las miniaturas y las artes aplicadas.

Trabajando en grandes pedidos con sus hijos y aprendices, el pintor de iconos creó con el tiempo un círculo de sus alumnos y seguidores. Y aunque ninguno de ellos logró alcanzar la belleza y expresividad de las imágenes características de las obras del maestro, las obras del "círculo" o "escuela" de Dionisio se distinguen por un alto mérito artístico. Entre ellas se incluyen obras del hijo del famoso pintor de iconos Teodosio, que en 1508 pintó las paredes de la Catedral de la Anunciación del Kremlin de Moscú.

La obra de Dionisio, que se encontraba en el centro de la vida artística del país y dirigía grandes artistas que trabajaban tanto en Moscú como en centros remotos, tuvo un gran impacto en toda la pintura rusa. Artistas cercanos a él crearon el ícono de la Intercesión de la Madre de Dios del Monasterio de la Intercesión de Suzdal (Museo Histórico y de Arte Vladimir-Suzdal), pintaron la barrera del altar y el altar de la Catedral de la Asunción en Moscú y la Catedral de la Resurrección en Volokolamsk. . Sus obras eran bien conocidas por los maestros de Nóvgorod y Moscú, quienes en 1497 crearon el iconostasio de varios niveles de la Catedral de la Asunción del Monasterio Kirillo-Belozersky (Museo-Reserva Kirillo-Belozersky, Galería Tretyakov, Museo Estatal Ruso, Museo Central de Arte y Cultura). Al mismo tiempo, este conjunto, así como otras obras pictóricas destacadas de las dos últimas décadas del siglo XV, por ejemplo, el grandioso icono del Apocalipsis de la Catedral de la Asunción del Kremlin, muestran que la dirección asociado con el nombre de Dionisio no fue el único.

El arte de Dionisio, que trabajó al borde de dos siglos, a pesar de que fue precisamente este arte el que durante mucho tiempo determinó el estilo "metropolitano" de las obras creadas por los maestros de Moscú, en su significado y estructura todavía pertenecía al siglo 15. Ya a los ojos de los artistas de principios del siglo XVI, su sistema de pensamiento figurativo parecía tan ideal, sublime y abstracto que podían esforzarse por preservarlo y, por tanto, academizarlo, o adaptarlo a aquellas cuestiones de la vida espiritual que planteaba la propia realidad histórica, reduciendo con ello el grado de abstracción y de abstracción especulativa.

Está aumentando el número de iconos hagiográficos de varias figuras, así como de iconos que ilustran himnos litúrgicos y textos alegóricos. Su estilo se distingue por la complejidad de las composiciones, la decoración especial, la elegancia en la representación de diversos detalles y el fortalecimiento del papel de la ornamentación. Se trata de las miniaturas y tocados finamente ornamentados del Evangelio de 1507 (NRB), creados por el hijo de Dionisio, Teodosio, junto con el famoso pintor de oro moscovita Mikhail Yakovlevich Medovartsev. La misma sofisticación se distingue por el icono hagiográfico de Sergio de Radonezh, atribuido al mismo Teodosio, en las dos primeras décadas del siglo XVI (CMiAR), donde el monje es representado como un predicador y hacedor de milagros, y el icono de San Pedro. Jorge el Victorioso, procedente de la Catedral de la Asunción de Dmitrov, cerca de Moscú, en la que la figura del santo, presentada en el centro, se asemeja a una estatua del ilustre héroe enmarcada por un arco triunfal, y las escenas de los sellos en los márgenes - los relieves que lo representan.

Sello 12 del icono de Dimitry Prilutsky de Dionisio, ca 1503. El entierro de Dimitry en su iglesia (al fondo)

Edificio milagroso de la iglesia de Dimitry. Sello 15 del icono de Dimitry Prilutsky de Dionisio, ca 1503.

Fresco de Dionisio en el Monasterio de Ferapontov "Juan Bautista Ángel del Desierto". (Copiar)

El 6 de agosto de 1502, Dionisio comenzó a pintar el monasterio de Ferapontov. Las fuentes que mencionan a Dionisio están llenas de admiración por su sabiduría y talento. El último de los más grandes pintores de iconos de la antigua Rusia, un representante de la Edad de Oro de la pintura de iconos rusa.

Sufrimiento gozoso

“La Crucifixión” es un icono del rito festivo. Contiene no sólo la muerte, el sufrimiento y el horror, sino también el pisoteo de esta muerte, el gozo de la futura resurrección, la expiación por los pecados de todos los hombres. Todo este icono es un movimiento vertical, comenzando con la figura inusualmente alargada de Cristo, símbolo del avance de la esfera terrenal a la celestial. Este avance se produce a través de la cruz, que es uno de los símbolos cristianos más importantes. El plano del icono está mentalmente dividido verticalmente en tres zonas: la inferior, la más estrecha, significa el inframundo, la media, el mundo humano en la tierra, la superior, el cielo. Aquí se combinan dos perspectivas: la tradicional para la pintura (el mundo entero) y la tradicional para la pintura de iconos, al revés (la figura de Cristo). El significado principal de este icono es un milagro incomprensible, la transformación de la humillación y el sufrimiento del Dios-Hombre en su exaltación y glorificación, su muerte en un símbolo de inmortalidad. Esto es lo que Alpatov escribe sobre la “Crucifixión” de Dionisio: “El Cristo colgado parece flotar... La Madre de Dios se levanta... Y al mismo tiempo, el tiempo se ha detenido, no pasa nada, todo existe como expresión. de las leyes eternas e inmutables de la existencia”. Ahora este icono se puede ver en la Galería Tretyakov de Moscú.

vida para dos

Dionisio es el primer pintor de iconos que "unió" al metropolitano Pedro y al metropolitano Alexy en un solo icono, aunque estos santos no estaban relacionados ni biográfica ni cronológicamente. En su época, Pedro había sido venerado durante mucho tiempo como el primer metropolitano de Moscú, y Alexy fue canonizado recientemente y fue considerado un "nuevo" hacedor de milagros. Pero Dionisio “rima” sus íconos, creando en ellos muchos paralelos y superposiciones entre sí. Las figuras y los gestos de los metropolitanos parecen repetirse, y las marcas de los iconos resuenan: Dionisio omite momentos idénticos de la vida de los santos y los deja a uno u otro santo, obligando al espectador, familiarizado con las vidas, a para mirar ambos íconos a la vez. En las características del icono de Pedro, el pintor de iconos enfatiza lo milagroso, lo sobrenatural (la visión de la madre de Pedro, la predicción de la victoria en Constantinopla, el milagro durante el traslado del cuerpo de Pedro al templo, etc.), mientras que en el características del icono de Alexia, por el contrario, elimina el énfasis de tales milagros, transfiriéndolo a los milagros realizados por los propios santos. Con estas técnicas, Dionisio enfatiza la continuidad del poder espiritual: de Pedro a Alejo. El investigador de iconografía M.V. escribe maravillosamente sobre el estilo original de Dionisio en estos iconos. Alpatov: “En términos de su habilidad pictórica, este icono representa uno de los picos del arte antiguo ruso. Limitándose a siluetas generalizadas, Dionisio evita los claroscuros nítidos y las líneas de contorno claras. Todo se basa en las mejores relaciones de manchas de color... En las últimas notas, que cuentan los acontecimientos posteriores a la muerte de Alexei, los colores adquieren una transparencia de acuarela... Todo el icono no parece tanto una historia, sino como un panegírico en honor del metropolitano de Moscú”.

mendigos reales

Dionisio y sus dos hijos pintaron la Catedral de la Natividad de la Virgen María en el Monasterio Ferapontov cuando ya era muy anciano. Es sorprendente que los frescos, cuya superficie es de 600 metros cuadrados, se han conservado íntegramente y nunca se han actualizado. Nada ha desaparecido de las pinturas del monasterio, y quienes rezan en la Iglesia de la Natividad en el siglo XXI ven lo mismo que vieron a principios del siglo XVI. En el arco de la entrada norte hay una inscripción que dice que la pintura del templo fue realizada por el pintor de iconos Dionisio “con sus hijos” en 1502, y que esta pintura tardó 34 días. Los frescos de Dionisio se distinguen por una extraordinaria riqueza de tonos, suavidad de colores y una coherencia armoniosa de proporciones (incluidas las proporciones y la forma del templo). Las pinturas decoran no solo el interior, sino también la fachada del templo, donde se representa la trama principal: "La Natividad de la Virgen María". Así, la historia de la vida de la Madre de Dios comienza en la entrada del templo y continúa en el interior del mismo. Dionisio también representa himnos en honor a la Virgen María: "Él se regocija en ti", "Alabanza a la Madre de Dios". Todos los frescos de este templo están unidos por el tema de glorificar a la Madre de Dios, su misericordia y grandeza. Dionisio es un maestro en la representación de figuras, e incluso las doncellas y los mendigos adquieren de él un porte regio.

reina estricta

"Nuestra Señora Odigitria (Guía)". Estricta y regia, incluso fría, la Madre de Dios con el Niño, que no se deja tocar y no abraza al niño contra sí misma, sino que, por así decirlo, lo revela al mundo. El borde dorado de su capa yace solemnemente, ocultando casi por completo la diadema azul oscuro. La rotura de sus pliegues sobre la frente de la Madre de Dios parece brillar con una estrella dorada bordada y parece como si esta corona coronara la frente de María. La mano que sostiene al Bebé no parece ser la mano cariñosa de la Madre, sino una especie de Trono Real... Y el borde inferior de la capa que cae de la mano izquierda de María parece formar el pie de este trono. El gesto de la mano de la Madre de Dios que señala a su Hijo se interpreta de otra manera: como una oración dirigida a Él. Y el mismo Cristo en este icono no se dirige a los espectadores, sino que bendice a su madre. Todo esto sirve para que el espectador sienta la distancia que lo separa del Salvador y pueda acudir al Señor a través de Su Santa Madre como mediadora y “escalera”.

Toca el milagro

El icono "La seguridad de Tomás" del año 1500 se basa en una trama del Nuevo Testamento: Tomás, uno de los doce apóstoles, estuvo ausente en la primera aparición de Cristo después de su resurrección, quiere estar convencido de esto, "tocar " el milagro. Sin abrir las puertas, Cristo apareció milagrosamente y exigió que Tomás tocara las heridas dejadas en su cuerpo por las lanzas. En respuesta, Tomás proclamó su confesión de fe: “¡Señor mío y Dios mío!”

Reverencia, miedo, admiración: todo se transmite en el gesto y la postura de Thomas. Su mano se estiró hacia la mano de Cristo, y la silueta de su espalda parecía continuar la línea, cuyo comienzo era el contorno de la mano doblada de Cristo. Tomás está bajo su mano, bajo su autoridad, bajo su mirada misericordiosa y comprensiva. Detrás de la figura de Cristo hay una puerta por la que pasó sin abrirla. Esta puerta recuerda al espectador las palabras del Salvador: “Yo soy la puerta; el que entre por mí será salvo, entrará y saldrá y encontrará pastos”. En primer plano a la izquierda está el apóstol Tomás, extendiendo su mano derecha hacia el Salvador y tocando Sus costillas; su figura se destaca en la composición con un manto de cinabrio brillante, que contrasta con las sobrias vestimentas de los demás representados.

Victoria de la luz sobre la oscuridad.

Icono "Descenso a los infiernos". Las tramas del descenso a los infiernos y la Resurrección están estrechamente relacionadas, y en este icono ambas están representadas. Rodeado de fuerzas celestiales, pisoteando las puertas cruzadas del infierno y pareciendo flotar sobre su negro abismo, Cristo está en pie. Expulsa a Adán y Eva de sus tumbas abiertas con ambas manos. Está de pie en la cruz, símbolo de martirio y victoria, dolor y alegría al mismo tiempo. La luz vence a la oscuridad, este tema está desarrollado en el ícono con gran detalle, de modo que el ícono está repleto de inscripciones que nombran todas las fuerzas oscuras. Pasión, corrupción, dolor, desesperación, odio, enemistad, desesperación: estos demonios intentan perforar la brillante mandorla del Salvador con lanzas rojas. A ambos lados hay iconos de los resucitados de entre los muertos. Arriba, entre las montañas rocosas que se separan, hay ángeles que levantan y alaban la cruz del Calvario. “Celebramos la mortificación de la muerte, la destrucción del infierno, el comienzo de otra vida eterna”, se canta en el Triodion Coloreado. Este icono celebra la victoria de la vida sobre la muerte.

Muchos mundos en uno

El icono "Salvador en el poder" de Dionisio cuelga en la Galería Tretyakov en la misma sala que el icono "Salvador en el poder" de Andrei Rublev. La composición del icono de Dionisio casi repite a Rublevskaya, pero aún no del todo: se ha cambiado la posición del pie de la pierna derecha, las proporciones de la figura y la "gloria" circundante, algo comprimida por el marco del arca. .

“El Salvador en el poder” es el icono central del iconostasio de una iglesia ortodoxa, rico en simbolismo. Cuanto más lo mira el espectador, más detalles, imágenes y símbolos encuentra. Por ejemplo, en este icono hay una imagen alegórica de los cuatro evangelistas en forma de becerro, águila, león y ángel (humano). Cuadrados y óvalos Colores diferentes simbolizar mundos diferentes– terrenal, el mundo de los poderes celestiales (están representados en el icono), el mundo invisible. En la mano izquierda del Salvador está el Evangelio con una cita en eslavo eclesiástico: “Venid a mí todos los que estáis trabajados y cargados, y yo os haré descansar: tomad mi yugo sobre vosotros y aprended de mí, porque yo Soy manso y humilde de corazón”. Este icono del Salvador es un verdadero tratado teológico en color. Su trama se basa principalmente en el Apocalipsis de Juan el Teólogo, y la imagen muestra a Cristo tal como aparecerá al final de los tiempos.

Ekaterina Hoaro

A diferencia de otros pintores de iconos famosos de la antigua Rusia, Teófanes el Griego y Andréi Rublev, cuya información biográfica casi no se conserva, Dionisio es una rara excepción. Y aunque las fechas de su nacimiento y muerte son muy aproximadas, se sabe bastante sobre la obra del maestro, sus obras y encargos.

El destino excepcional, el talento y los grandes mecenas (el Gran Duque y las personas espirituales más elevadas) proporcionaron las condiciones más favorables para la creatividad del maestro.

Dionisio recibió su primer encargo serio entre 1467 y 1477, cuando le ofrecieron participar en la pintura de la Iglesia de la Natividad de la Santísima Virgen María en el Monasterio Pafnutievo-Borovsky. Aquí todavía no trabajó de forma completamente independiente, sino bajo la supervisión del maestro Mitrofan, a quien llaman su maestro. Sin embargo, ya entonces apareció el estilo individual y el brillante talento del joven pintor de iconos, ya que los documentos mencionan a ambos pintores como "notorios".<...>más que nadie en este asunto."

En 1481, Dionisio recibió una nueva orden honorífica: junto con otros tres maestros, debía crear iconos para el iconostasio de la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú, para las filas Deesis, festivas y proféticas (filas del iconostasio). Lo mucho que se valoraba al joven pintor de iconos lo demuestra un hecho poco común en aquella época: el cliente, el obispo Vassian, pagó a los artistas un depósito de 100 rublos incluso antes de comenzar el trabajo. En aquel entonces era una cantidad importante. Los investigadores creen que el pincel de Dionisio pertenecía principalmente al rango Deesis, es decir, la parte más importante de la obra.

Esta Deesis fue “muy maravillosa” y glorificó aún más el nombre de Dionisio.

Crucifixión

Desde entonces, se ha ganado la reputación de “maestro precioso” y personificó la escuela de pintura de iconos de Moscú. Favorito de Iván III y del famoso perseguidor de herejes José de Volotsky, por cuya orden pintó más de 80 iconos, Dionisio fue el portador de la tradición oficial gran ducal en el arte. Las composiciones de sus obras se distinguían por una estricta solemnidad, los colores eran claros, las proporciones de las figuras se alargaban con gracia, las cabezas, brazos y piernas de los santos eran en miniatura y sus rostros eran invariablemente hermosos. Sin embargo, no se debe buscar en ellos la pasión de Teófanes el Griego ni la profundidad de las imágenes de Andrei Rublev. La brillante festividad y la pompa de sus obras, la sofisticación de su colorido cumplían con las exigencias de la época: la Rus de Moscú estaba experimentando su apogeo.

En 1482, Dionisio pintó el icono "Nuestra Señora Odigitria" para el Monasterio de la Ascensión del Kremlin de Moscú. El fondo dorado claro favorito del maestro, el maforium (túnica) púrpura de la Madre de Dios, su pose solemne y los ángeles glorificantes crearon la majestuosa estructura general de la imagen.

Dionisio realizó muchas obras para los monasterios de José-Volokolamsk y Pavlo-Obnorsky. En particular, para este último escribió "La Crucifixión", que fue colocada en el iconostasio de la catedral. El centro del tablero de iconos, enfatizando su verticalidad, estaba ocupado por la imagen de la cruz en la que fue crucificado el Salvador. La cabeza caída, como la corola de una flor marchita, los brazos extendidos como tallos y un cuerpo plásticamente curvado crean un ambiente solemne y triste. Figuras silenciosamente congeladas del futuro.

Monasterio Ferapontov, Catedral de la Natividad de la Virgen María

- María, Juan y las mujeres y el guerrero que los acompañaban - forman grupos lúgubres situados simétricamente a los lados de la cruz. Las figuras de ángeles en el registro superior se hacen eco de ellos y, aún más arriba, por encima del travesaño, hay imágenes del Sol y la Luna, que simbolizan el significado cósmico del evento. Los ángeles que observan el correr de los cuerpos celestes los alejan del cielo.

La obra más importante de Dionisio fueron las pinturas monumentales: frescos de la Catedral de la Natividad de la Virgen María en el Monasterio de Ferapontov (1495-96). Aquí el artista no trabajó solo, sino con sus hijos y aprendices. La pequeña Iglesia de la Natividad de la Virgen María está pintada con escenas de la vida terrenal de la Virgen María. Al entrar, los fieles son recibidos por un fresco en el portal que parece sobresalir del interior de la iglesia hacia las paredes de la fachada. Su composición se divide en tres registros: la fila inferior sirve como base para las superiores y consta de "toallas", una especie de adorno que imita la tela. Arriba, a los lados de la entrada, hay dos figuras de arcángeles, Miguel y Gabriel, el tercer registro lo ocupan escenas de la infancia de la Virgen María, y la Deesis completa la composición. En el interior de la catedral, un lugar importante está dedicado a las escenas del Akathist a la Madre de Dios, creadas por el poeta bizantino del siglo VI. Sladkopevets romano. 25 himnos, cuyas escenas, empezando por la Anunciación, se desarrollan en los pilares orientales, luego en los occidentales y en el muro occidental de la iglesia, constituyen una auténtica Suite de la Madre de Dios. Un ambiente brillante y alegre une todos los frescos que glorifican a la Virgen María y su intercesión por el pueblo ante el Señor ("Protección", "Catedral de la Virgen María", "Se regocija en ti", "Juicio final", etc.).

Los colores puros y delicados con predominio del verdoso, dorado y, lo más importante, el blanco, que por primera vez en el arte ruso antiguo recibieron aquí un sonido independiente, están en excelente armonía con la estructura emocional de las imágenes. El monasterio de Ferapontov, ubicado en el extremo norte y rara vez visitado por peregrinos, no era rico y, por lo tanto, no tenía fondos para renovar la pintura. A esta circunstancia se debe que los frescos de Dionisio evitaron grabaciones posteriores, conservaron un color cercano al original y permitieron hacernos una idea fiel del estilo de escritura del maestro.

Dionisio también pintó iconos hagiográficos de los santos Cirilo de Belozersky, Demetrio de Prilutsky y otros. Una especie de iconos hagiográficos, cuando en el centro del tablero, en el medio, se colocaba la figura del santo elegido, y en los lados estaba rodeado de sellos: en la pintura rusa antigua estaban muy extendidas pequeñas composiciones enmarcadas que representaban temas de la vida y las hazañas milagrosas del justo.

Particularmente famosos son dos iconos hagiográficos emparejados de Dionisio, que representan a los metropolitanos Pedro y Alexy, hechos para la Catedral de la Asunción en el Kremlin de Moscú. Los metropolitanos se presentan con vestimentas ceremoniales de cuerpo entero, las posiciones de sus figuras y gestos son casi simétricas (quizás los íconos colgados uno frente al otro en la catedral y, por lo tanto, se superponen compositivamente), la figura del metropolitano Pedro está solo ligeramente desplazada hacia la izquierda. y el metropolitano Alexy a la derecha. Posturas majestuosas, vestimentas coloridas, con predominio del color blanco, realzan la solemnidad y monumentalidad de las imágenes.

Los pequeños cuadros-sellos, que representan episodios de la vida de los santos, reflejaban el mundo real, tan cercano a Dionisio. Trabajando en grandes pedidos con sus hijos y aprendices, el pintor de iconos creó con el tiempo un círculo de sus alumnos y seguidores. Y aunque ninguno de ellos logró alcanzar la belleza y expresividad de las imágenes características de las obras del maestro, las obras del "círculo" o "escuela" de Dionisio se distinguen por un alto mérito artístico. Entre ellas se incluyen obras del hijo del famoso pintor de iconos Teodosio, que en 1508 pintó las paredes de la Catedral de la Anunciación del Kremlin de Moscú.

Dionisio es un pintor de iconos ruso, seguidor de la escuela de Andrei Rublev y su alumno más talentoso que vivió en el siglo XV. El artista gran ducal y “pintor de iconos” Dionisio nació en la familia de un noble laico en 1430-1440. El sinodicon del monasterio Kirilo-Belozersky enumera la "familia de Dionisio el iconógrafo", estos son los príncipes y el príncipe de la Horda Pedro, por quien Dionisio oró.

Los sucesores del oficio de pintar iconos de Dionisio fueron sus hijos, los pintores Vladimir y Teodosio. Dionisio pintó pinturas de templos: "frescos" e imágenes de santos del arte tradicional ruso para los iconostasios de los templos: "iconos". Según las antiguas crónicas rusas, se sabe que Dionisio trabajó mucho, recibió órdenes de monasterios, príncipes de los antiguos principados rusos de Vladimir, Rostov, Uglich y el zar de Moscú Iván III Vasilievich.

Los príncipes de Moscú intentaron establecer su supremacía entre otros principados rusos, para demostrar el derecho de sucesión al poder después de la ciudad rusa de Vladimir. En 1326, el metropolitano Pedro trasladó la corte metropolitana de Vladimir a Moscú. Al mismo tiempo, se fundó un templo en el Kremlin de Moscú en nombre de la Dormición de la Virgen María, en cuyo altar se encuentra la tumba del metropolitano Pedro, que no vivió para ver la finalización de la construcción de la Catedral de la Dormición. , fue puesto. La Catedral de la Asunción, construida en el Kremlin desde 1472 por los maestros de Pskov, Krivtsov y Myshkin, y llevada “casi hasta las bóvedas”, se derrumbó debido a las malas noticias: “Y esto provocó una gran tristeza para el gran duque Juan Vasílievich. .” Iván III dio instrucciones al embajador ruso en Italia para que invitara a Semyon Tolbuzin a construir un arquitecto italiano. El famoso ingeniero y arquitecto de Bolonia Aristóteles Fiorovanti aceptó venir a Moscú. En 1475, según el diseño de un arquitecto italiano invitado, se colocaron en el Kremlin de Moscú los cimientos de la “nueva catedral de la Asunción que sustituirá a la antigua”. “Fue maravilloso ver que habían estado haciéndolo durante tres años en una semana y menos que eso destruido..." se maravilló el cronista. "Esa iglesia era maravillosa en su majestuosidad, altura, ligereza, timbre y espacio, como nunca antes se había visto en Rusia". La catedral, que jugó un papel importante en la vida del estado de Moscú, estaba decorada con especial esplendor. Ivan Vasilyevich vio la obra de los “monjes Dionisio y Mitrofan” en la Catedral de la Natividad Santa Madre de Dios Pafnutyev Borovsky en Borovsk (cerca de Kaluga) e invitó al talentoso pintor de iconos Dionisio a Moscú para pintar la Catedral de la Asunción. Dionisio y sus asistentes, el "sacerdote Timofey, Yarts y Koney", pintaron frescos (pinturas al agua sobre yeso húmedo) en las bóvedas del altar de la catedral. Cuando el zar, los boyardos y el clero entraron por primera vez en la Catedral de la Asunción del Kremlin después de la pintura, "al ver la gran iglesia y la pintura maravillosa, se imaginaron que estaban en el cielo..."

Actualmente, en la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú se conservan los frescos de Dionisio del siglo XV: “Adoración de los Magos”, “Alabanza a la Madre de Dios”, “Siete jóvenes durmientes de Éfeso”, “Cuarenta mártires de Sebastia”, varias escenas de la vida de San Apóstol Pedro y figuras de “venerables santos mártires” "en el muro frontal del altar de la catedral. Uno de los veinte frescos supervivientes, "Alexei el Hombre de Dios", representa al Santo Venerable Alexy con un halo dorado sobre su cabeza, con una camisa con cinturón y los brazos cruzados sobre el pecho. La imagen del hombre de Dios Alexy nos permite ver al propio Dionisio en el autor”. La pintura al fresco de Dionisio se caracteriza por las proporciones alargadas de los santos representados y la suavidad de sus movimientos. El público queda cautivado por la armonía colorista de la imagen de los santos, la transparencia y la ternura de los medios tonos de los colores de los frescos, que recuerdan a las acuarelas.

De los iconos de Dionisio, en el iconostasio de la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú se conservan dos grandes iconos de metropolitanos: "El metropolitano Alexy con su vida" (conservado en la Galería Estatal Tretyakov) y "Pedro metropolitano con su vida" ( Museos del Kremlin de Moscú). En San Pedro, el metropolitano fue metropolitano entre 1308 y 1326. Representa una túnica ceremonial de brocado “sakkos”, decorada con perlas y piedras preciosas. El ícono “Pedro metropolitano de Moscú” de Dionisio tiene marcas alrededor del perímetro del ícono, con escenas de la vida del Alto Jerarca ruso. Iglesia Ortodoxa: sobre sus estudios, la vida en el monasterio y la iniciación a la jerarquía eclesiástica hasta el rango de metropolitano y su participación en la construcción de la Catedral de la Asunción del Kremlin. Una característica de la innovación colorista de Dionisio al pintar los iconos de los metropolitanos Alexei y Peter es la "intensificación con color", un tono, es decir. superponiendo un tono de rojo sobre otro. Así, la forma está construida mediante planos, reforzando así la impresión de la imagen creada del metropolitano Pedro y el metropolitano Alexei en sus grandes iconos hagiográficos de la Catedral de la Asunción.

Además de los iconos hagiográficos de los metropolitanos Pedro y Alexy, uno de los mejores iconos de Dionisio es el icono del Apocalipsis de la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú. La creación del icono se asoció con el fin del mundo esperado en 1492. El nombre completo del icono: “Apocalipsis o revelación de Juan el Teólogo, visión del fin del mundo y del Juicio Final”. Se representan composiciones de varios niveles: multitudes de creyentes en Linda ropa, abrazados por el poder unido de la oración, se inclinaron ante el cordero. En torno a los fieles se despliegan imágenes majestuosas del Apocalipsis: detrás de los muros de las ciudades de piedra blanca, figuras translúcidas de ángeles contrastan con las figuras negras de demonios. A pesar de la complejidad, la composición de múltiples figuras, abarrotada y de varios niveles, el icono de Dionisio "Apocalipsis" es elegante, ligero y de colores muy hermosos, como la pintura de iconos tradicional de la escuela de Moscú de la época de Andrei Rublev.

Después de Moscú en los años 1480-1490, la biografía creativa de Dionisio se asoció con el Monasterio José-Volokolamsk, donde trabajó en iconos para la iglesia catedral de la Asunción de la Madre de Dios, dirigiendo un artel de pintura de iconos con sus hijos, los pintores Vladimir. y Teodosio. Los tres trabajamos juntos y se crearon 90 íconos. En la crónica estas obras son calificadas de “gran belleza”. En el monasterio de José-Volokolamsk se conservan los restos de la pintura de la barrera del altar con composiciones de los Concilios Ecuménicos.

De la misma época data el icono de Dionisio “Nuestra Señora Odigitria” del Monasterio de la Ascensión en el Kremlin de Moscú. El icono fue pintado por Dionisio sobre una vieja tabla a partir de un icono griego, “traído de Constantinopla por el arzobispo Dionisio de Suzdal en 1381. A juzgar por el mensaje de la crónica, la imagen de la "Odigitria" que fue dañada en el incendio de 1482 era una copia exacta de la milagrosa "Odigitria" de Constantinopla. Dionisio repitió la imagen dañada, aparentemente conservando su iconografía y composición. La imagen de medio cuerpo de la Madre de Dios con el Niño en su mano izquierda está ejecutada sobre un gran tablero, sus proporciones se acercan a un cuadrado, con amplios márgenes destinados al marco. La imagen de la madre y el bebé es frontal, el rostro de María está ligeramente girado hacia la derecha. En las esquinas superiores del icono están las medias figuras de los arcángeles Miguel (izquierda) y Gabriel (derecha). Cerca de las imágenes de los arcángeles hay inscripciones con sus nombres. A la izquierda, sobre el hombro de la Madre de Dios, hay una inscripción con el nombre de la imagen “Odigitria”. Con su mano izquierda, el Niño Cristo sostiene un pergamino apoyado sobre su rodilla. Fueron estos rasgos iconográficos los que distinguieron a la milagrosa Odigitria de Constantinopla, que pereció en 1453, de otras imágenes veneradas de la Madre de Dios”. Actualmente, el icono “Nuestra Señora Odigitria” de 1482, pintado por Dionisio según el modelo antiguo, se encuentra en los museos del Kremlin de Moscú.

Para el monasterio Joseph-Volkolamsky en 1484-1485. Dionisio pintó un icono de la “Madre de Dios Odigitria” (guía) similar al modelo bizantino. La grandeza del tamaño del icono y la monumentalidad de la imagen hicieron de la imagen su intercesora con su estricta majestad y severa representatividad. Dionisio conocía personalmente a José Volotsky y mantuvo relaciones con él. Sabio por experiencia de vida, siguiendo al pintor de iconos Andrei Rublev, Dionisio reflexionó sobre problemas iconográficos y de cosmovisión, tratando de comprender el propósito del hombre, su camino hacia la perfección. Joseph Volotsky era un partidario del arte festivo y decorativo con magníficos ritos ceremoniales eclesiásticos, característicos de la gran corte ducal. Pero "con el lirismo conmovedor de su creatividad, la nobleza espiritual de sus héroes, Dionisio está cerca del oponente de José en la lucha ideológica: el anciano sabio Nil de Sorsky, quien enseñó que Dios "muestra al hombre perfecto como un ángel". Estos son todos los santos de los iconos de Dionisio. Todos los investigadores de la obra de Dionisio notan la luminosidad especial y la pureza radiante de los colores de este pintor de iconos. Dionisio es considerado, con razón, un maestro del color insuperable. Pureza y transparencia especial, la llamada. La luminosidad de los colores es inherente a las pinturas de Dionisio. Esto es especialmente evidente en los frescos del monasterio de Ferapontov en el norte de Rusia. Dionisio entró en la historia del arte antiguo ruso como un maestro insuperable que creó las famosas pinturas del monasterio de Ferapontov en Beloozero, territorio de Vologda, donde personas de todo el mundo vienen para ver el milagro.

Entonces, al final de su vida, alrededor de 1500, Dionisio, un maestro de Moscú, firmemente conectado con las tradiciones de los seguidores de la escuela de pintura de iconos de Moscú de Andrei Rublev, se fue con sus hijos al norte, a Belozerye, en el remoto. Monasterio de Ferapontov, para crear “para la gloria del Señor” una de sus mejores creaciones. En la 24ª sesión del Comité del Patrimonio Mundial de la UNESCO a finales de 2000, el conjunto del Monasterio Ferapontov con pinturas de Dionisio fue incluido en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO. Los murales de esta catedral son grandiosos: 600 metros cuadrados. metros, los cuales fueron pintados en poco tiempo. Según el texto de la crónica, conservado en la ladera de la puerta norte de la Catedral de la Natividad de la Virgen, en Ferapontovo, fue pintado: “el pintor de iconos Dionisio con sus hijos” del 6 de agosto al 8 de septiembre de 1502. del verano siguiente. En las pinturas de la Iglesia de la Natividad de la Santísima Virgen María en el Monasterio de Ferapontov, el pintor de iconos Dionisio parece silenciar ligeramente el color, iluminando la paleta, por lo que adquiere una suavidad especial y una pureza radiante. La suavidad de las líneas confiere al cuadro una cualidad musical. Además de las majestuosas pinturas murales del Monasterio de Ferapontov, se han conservado 17 iconos, la Deesis y las filas proféticas del iconostasio de la Iglesia de la Natividad de la Santísima Virgen María. Los iconos de este iconostasio, obra del maestro Dionisio y sus hijos, se conservan en diferentes museos: el Museo Estatal Ruso, la Galería Tretyakov - Galería Estatal Tretyakov y el Museo Belozersky. Además del icono del Señor Jesucristo, el iconostasio de la Iglesia de la Natividad incluía iconos de la Madre de Dios, Juan Bautista, los santos Demetrio de Tesalónica y Jorge el Victorioso, arcángeles, apóstoles, santos, mártires y pilares. A pesar de la unidad interna de las imágenes de un iconostasio de la Iglesia de la Natividad del Monasterio Ferapontov, los iconos tienen características individuales. Esto se explica por la gran originalidad y sublimidad de las imágenes de santos creadas por Dionisio. Después de su muerte, durante muchos años sus seguidores y alumnos decoraron iglesias al “estilo del Maestro Dionisio”. Todas estas imágenes sagradas geográficamente dispersas de la obra del "artista de iconos Dionisio" y su escuela son reconocibles por sus signos externos. Este es el lirismo especial de las imágenes, su sofisticación, ritmo y musicalidad. Finalizan las obras del monasterio de Ferapontov camino creativo Pintor de iconos Dionisio. Se supone que el gran pintor murió entre 1502 y 1508, ya que ya en 1508 el artel de la pintura estaba dirigido por su hijo mayor Vladimir. Del segundo hijo se sabe que “el pintor Teodosio, hijo de Dionisio”, decoró el “Libro de los Profetas” de 1497 y el famoso “Evangelio de 1507”: “escriba Nikon, pintor de oro Mikhail Medovartsev, pintor Teodosio, hijo de Dionisio”. El pintor Teodosio, hijo de Dionisio, copió varios cientos de miniaturas de la Crónica de Radzivilov. Estas refinadas ilustraciones de Teodosio se distinguen por su especial elegancia de diseño y sofisticada elegancia de color”.

La obra del pintor de iconos Dionisio, una canción alegre y brillante con los colores de un brillante artista ruso, que glorifica la bondad y la belleza, fue una expresión vívida de la creación de la Santa Rusia, la floreciente cultura ortodoxa y arte de los siglos XV-XVI. cuando el Estado de Moscú afirmó su poder.

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En la dura y escasamente poblada región de la tierra rusa, cerca del Lago Blanco, hay dos monasterios no muy lejos uno del otro: Kirillo-Belozersky y Ferapontov.
En 1383, el viaje al norte era casi una hazaña. Esto lo hicieron dos monjes del monasterio Simonov de Moscú, dos camaradas, Kirill y Ferapont. Y surgieron monasterios: Kirillo-Belozersky con la Iglesia de las Enseñanzas de la Madre de Dios y Ferapontov con la Iglesia de la Natividad de la Santísima Virgen María.
A principios del siglo XVI, las paredes del Monasterio de Ferapontov fueron vistas por un equipo de maestros pintores que pintaron la Iglesia local de la Natividad de la Virgen María, considerada la patrona de Moscú en esos años. Y cuatrocientos s años extra los muros de piedra conservaron la memoria de estos maestros, los colores de los frescos, las inscripciones.
A principios del siglo XX, los científicos leyeron las inscripciones de los artistas antiguos y todos conocieron los nombres de "isógrafos" hasta entonces desconocidos. El nombre del primero y mayor de ellos es Dionisio.

DIONISIO
R. F. Fedorov

El honor del “descubrimiento” de Dionisio pertenece al científico curioso y conocedor de la antigüedad rusa Vasily Timofeevich Georgievsky, quien publicó un libro sobre los frescos del monasterio de Ferapontov en 1911. Y aunque es controvertido lo escrito sobre este maravilloso monumento por su primer investigador, se despertó el interés por Dionisio y su obra.
La información más interesante sobre el artista se encontró en crónicas y vidas. Se encontró un icono de la Madre de Dios "Odigitria" pintado por Dionisio y se instalaron otras obras del maestro. Se atribuyen los iconos "Apocalipsis" (de la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú) y "Seis días": el icono hagiográfico de Sergei de Radonezh (del Monasterio de la Trinidad), algunos iconos del Museo de Vologda, miniaturas de varios manuscritos y frescos. a él. En 1966 se descubrió otra obra del maestro, que data de 1502-1503.

Salvador está en el poder

Ahora bien, no hay duda de que Dionisio pasó toda su vida en un trabajo duro y fructífero. Según el inventario del "anciano Izosima", elaborado en el siglo XVI para el guardián de los libros del monasterio de Volokolamsk, Dionisio, junto con sus hijos y discípulos, creó un enorme iconostasio en el monasterio de Volokolamsk en 1486 y, además, pintó otro. ochenta y siete iconos.
Sin embargo, en la actualidad, sólo unas cuarenta pinturas están asociadas con el nombre del maestro. Y la mayoría de los investigadores consideran que un número aún menor de iconos y frescos son los más "dionisíacos".

Rev. José Volotsky
(Volokolamsky)

En 1477, al informar sobre la muerte del anciano Pafnucio, abad del monasterio de Borovsky, el cronista consideró necesario anotar que el anciano construyó una iglesia de piedra en su monasterio y la firmó "maravillosamente velmi", la decoró con iconos y todo tipo. de utensilios de la iglesia.
En la vida de Pafnucio Borovsky, escrita más tarde, se dice que fue Dionisio quien pintó esta iglesia junto con sus asistentes. El autor de la vida afirma que este maestro “no era precisamente un pintor de iconos, sino más bien un pintor”, y cuenta algo sobre Dionisio que retrata al artista bajo una luz muy desfavorable desde el punto de vista de la moral eclesiástica.
En los años ochenta del siglo XV, Dionisio llevó a cabo una serie de órdenes honoríficas en la corte gran ducal de Moscú. En honor a la victoria sobre las hordas de Khan Akhmat, crea un iconostasio de varios niveles para la Catedral de la Asunción del Kremlin. En 1482, por orden del príncipe Andrés de Uglich, creó otro iconostasio.
En el mismo año 1482 (o 1484), Dionisio escribe su Odigitria en una tabla de un antiguo icono griego que fue quemado durante un incendio. El icono griego era una reliquia de la familia real, y el hecho de que fuera Dionisio a quien se le encomendara la “restauración” sugiere que el artista gozaba de un gran respeto.
Un poco más tarde, junto con sus hijos y asistentes, el maestro mayor Mitrofan (o Mitrofaniy), el anciano Paisius, el sacerdote Timofey, los maestros Yarts y Koney y los sobrinos de José de Volotsky, Dosifei y Vassian, Dionisio decora el templo del monasterio de Volokolamsk. Durante este período, se pintaron ochenta y siete íconos, que figuran en el inventario del "Elder Izosima", pero se desconoce qué tipo de íconos eran y adónde fueron.

Icono “Se regocija en ti”

En sus últimos años, Dionisio dejó el gran ducal de Moscú para ir al apartado Monasterio de Ferapontov, donde inscribió su nombre sobre una de las entradas de la Iglesia de la Natividad de la Virgen.
Obviamente, sus contemporáneos reconocieron incondicionalmente el talento del artista, pero al mismo tiempo se sintieron avergonzados por la vida no del todo "justa" de Dionisio; lo miraban más como un pintor que como un pintor de iconos.
vida creativa Dionysia se divide claramente en tres períodos.
Primer periodo– el trabajo en el monasterio de Paphnutius Borovsky y la época anterior, la época de la creación de los iconos hagiográficos de los metropolitanos Pedro y Alexei, pintados, se cree, entre 1462 y 1472.
Segundo período- trabajo en la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú, la época de la creación de "Odigitria", "Apocalipsis", son los años ochenta del siglo XV.
Tercer periodo– trabajo en el monasterio de Ferapontov, años 1500 – 1502.
Entre el segundo y tercer período también se pintó el templo del monasterio de José de Volotsky. Pero es difícil hablar de esta época de la obra del artista, ya que de aquella época no ha sobrevivido ningún icono de Dionisio.

El primer período de la obra de Dionisio.

Se debe suponer que Dionisio nació a finales de los años treinta o principios de los cuarenta del siglo XV. En cualquier caso, en los años sesenta emergió como un maestro completamente independiente y establecido, y cuando comenzó a trabajar con Pafnucio Borovsky, Dionisio estaba casado y sus hijos, Teodosio y Vladimir, ya estaban creciendo.
A juzgar por el hecho de que Dionisio mayoría Pasó su vida en el Gran Ducado de Moscú, se le puede considerar moscovita de nacimiento. Su familia, al parecer, no era rica: él mismo pasó toda su vida pintando como profesional, ganándose la vida con su arte.
Se desconoce quién le enseñó a Dionisio los conceptos básicos de la artesanía, le presentó las técnicas desarrolladas por la pintura de esa época y moldeó su cosmovisión. Sin embargo, a mediados del siglo XV, la pintura rusa dejó de ser la “especialidad” exclusiva de los monjes y el artista laico fue reemplazando al artista monje. Quizás uno de los primeros maestros de Dionisio fue precisamente un artista laico talentoso, quizás el mismo “viejo maestro Mitrofan” con quien Dionisio trabajó para Joseph Volotsky.

Venerable Neil de Sorsky

Es curioso que Mitrofan pintara frescos en ese momento (es decir, se le confió la parte más importante de la obra), y Dionisio pintó solo iconos.
Dionisio, sus asistentes y, posiblemente, maestros pertenecían a los laicos. Pero es imposible equiparar a los laicos con los incompetentes pintores de iconos expuestos por la Catedral de Stoglavy. El taller donde estudió Dionisio y su propio taller eran muy respetados; los contemporáneos valoraban mucho el arte de los pintores talentosos.
¿Tenía el taller de Dionisy una conexión directa con los alumnos de Rublev? No hay información sobre esto. Pero, como escribe el famoso crítico de arte M.V. Alpatov, "...en el arte de Dionisio hay mucha espiritualidad, nobleza moral, sutileza de sentimiento, y esto lo conecta con las mejores tradiciones de Rublev".
Dionisio no fue el primer artista ruso que creó imágenes de los metropolitanos moscovitas Pedro y Alexei. Tanto en la Catedral de la Asunción, donde fue enterrado Pedro, como en el Monasterio de Chudov, donde se encuentra el ataúd de Alexei, se conservan desde hace mucho tiempo iconos con sus imágenes.
Por supuesto, antes de Dionisio, a nadie se le ocurrió representar a ambos metropolitanos uno al lado del otro, "en el mismo tablero": estos "santos" no estaban conectados ni biográfica ni cronológicamente. Si Pedro había sido venerado durante mucho tiempo como el primer metropolitano de Moscú, Alexei no fue canonizado hasta 1448 y fue considerado un "nuevo" hacedor de milagros. A los ojos de un pintor de iconos corriente, no podría igualarse al metropolitano Peter.
Dionisio fue el primero en desviarse de la regla de representar a ambos metropolitanos por separado. Es cierto que los pintó en tableros diferentes, pero ambos iconos fueron concebidos como un todo.

Icono “Garantía de Tomás”

Cada uno de estos íconos consta de una pieza central con la figura de un metropolitano y una serie de marcas, que cuentan “la vida del santo”. Las dimensiones de los parteluces son las mismas. La figura del metropolitano Alexei parece repetir la figura del metropolitano Peter. La diferencia es que Peter tiene el dobladillo izquierdo de su túnica girado y su pierna derecha adelantada, mientras que Alexey tiene el dobladillo derecho de su túnica girado y su pierna izquierda adelantada. El tablero en la mano de Peter cae hacia la izquierda y en la mano de Alexei cae hacia la derecha. Las figuras de los metropolitanos carecen de rasgos individuales. Pero el punto aquí no es la falta de ingenio del maestro, sino la sofisticación de sus pensamientos. Dionisio, que encarna en dos imágenes el tipo ideal del "santo" canónico, muestra a Alexei como el sucesor de la obra de Pedro y afirma la idea de la sucesión del poder espiritual.

Icono "Seis días"

También es peculiar el enfoque de Dionisio a la hora de elegir las escenas para los sellos de ambos iconos. Estas marcas rodean la pieza central y cuentan la historia de la vida de los metropolitanos. Parecería que la forma más fácil para el maestro era seguir el texto de las "vidas" de Pedro y Alexei, especialmente porque la "biografía" de Alexei (su vida se formó en 1459) sólo difiere de la "biografía" de Pedro. por campañas en la Horda, y el resto de acontecimientos en ella parecen repetirse.
Pero Dionisio perseguía un objetivo concreto y, precisamente aquí, en los sellos, no siguió el texto de las Vidas. Evitando la repetición, eligió en un caso las mismas escenas que estrenó en otro.

El Salvador está en el poder. 1500. Dionisio

Las características del icono de Pedro enfatizan el elemento de lo sobrenatural y milagroso. Habla de la visión de la madre de Pedro, de cómo el icono pintado por Pedro predijo su victoria en Constantinopla sobre su rival, Geroncio. Se representa a un ángel advirtiendo a Pedro sobre su muerte inminente y se canta el "terrible milagro" que ocurrió durante el traslado del cuerpo de Pedro a la iglesia.
Hay pocos "milagros" de este tipo en las características del icono de Alexei. Incluso el “milagro de la vela” se presenta como una imagen ordinaria de un servicio de oración en la Catedral de la Asunción.
Pero Dionisio describe aquí todo un ciclo de milagros supuestamente realizados por el propio Alexei.
Esto revela el plan del maestro: demostrar la "santidad" de Alexei, quien fue canonizado hace relativamente poco tiempo, para enfatizar una vez más que Alexei es un digno sucesor de Pedro.

Dormición de la Virgen María. dionisio

Se suele creer que en los iconos de los metropolitanos Pedro y Alexei, Dionisio sigue la tradición establecida, enfatizando la superioridad del poder espiritual sobre el secular. Esto es cierto, pero la “tradición” por sí sola no puede explicar el contenido de ambos íconos.
El artista transmite claramente aquí las ideas que vivían muchos líderes de la iglesia en ese momento, en particular Joseph Volotsky. Dionisio no sólo expresa la idea de la superioridad del "sacerdocio" sobre el rey, sino que también habla en defensa de la institución del monaquismo, en defensa de la Iglesia Ortodoxa Rusa, heredera directa de la Iglesia griega. cuyos pactos fueron “traicionados” por Bizancio.
Además, Dionisio expresa estos puntos de vista y pensamientos en un lenguaje inusual para la pintura de esa época, abandonando una serie de técnicas desarrolladas por sus predecesores.
Sin embargo, habiendo conservado el esquema habitual, obligatorio para los íconos de tamaño natural, Dionisio no hizo que las marcas difieran marcadamente en color del centro, no las delineó con una línea oscura, como un marco para la parte central, que haría la figura del metropolitano mira constreñida.
Los iconos pintados por Dionisio son claros y "espaciosos": el fondo verde pálido del medio, los fondos arquitectónicos y paisajísticos de los sellos (verde claro, rosa, dorado) se fusionan en un campo de luz.
Por lo general, en la parte inferior de los iconos hagiográficos había una franja oscura "bajo tierra". Dionisio utilizó un color verde claro para el suelo y lo decoró con colinas y "hierbas". Esto realza la impresión de ligereza y amplitud.
Además, la hombrera blanca y el borde blanco parecen desmembrar y aplastar la mancha roja. ropa de calle(sakkosa) metropolitano. La parte inferior de los sakkos está adornada con amplios bordados dorados y relucientes, suavizados por una franja blanca de la ropa inferior, delineada con contornos verdes y casi se fusiona con el fondo general. Las figuras de los “santos”, sin una silueta clara, parecen flotar en el aire.
Es curioso que en los sellos la figura del metropolitano Alexei esté dibujada de manera muy estricta, la armonía de los tonos de la ropa y el fondo vuelve a suavizar el contorno, como si lo disolviera en el espacio circundante.
“En su habilidad pictórica”, dice M. V. Alpatov, “este icono representa una de las cimas del arte antiguo ruso. Limitándose a siluetas generalizadas, Dionisio evita los claroscuros nítidos y las líneas de contorno claras. Todo se basa en las mejores relaciones de manchas de color... En los últimos sellos, que cuentan los acontecimientos posteriores a la muerte de Alexei, los colores adquieren una transparencia de acuarela. En general, el colorido de la "vida" de Alexey crea un ambiente brillante y armonioso. Todo el icono parece menos una historia y más un panegírico en honor del metropolitano de Moscú”.
Tanto los colores como la proporción de tonos: todo en ambos íconos de Dionisio se pone al servicio de la tarea principal: mostrar al espectador a los metropolitanos rusos como "benefactores" del pueblo. Y está claro por qué Joseph Volotsky valora mucho el arte del artista y, al salir del monasterio de Borovsky, se lleva, como dice la leyenda, un icono de la Madre de Dios pintado por Dionisio.

El segundo período de la obra de Dionisio.

El nombre de Dionisio apareció en la Crónica de Moscú a principios de los años ochenta del siglo XV.
En 1481, el artista decoró la Catedral de la Asunción del Kremlin, reconstruida en los años setenta, y recibió una suma enorme para aquella época: cien rublos. Dionisio creó un iconostasio de varios niveles de la catedral "tanto con las fiestas como con los profetas".

Catedral de la Asunción del Kremlin

Luego Dionisio pintó la imagen de la Madre de Dios "Odigitria" para el gran duque Ivan Vasilyevich.
Se puede suponer que Dionisio no se limitó sólo a estas obras, ya que fue en los años ochenta cuando comenzó la rápida construcción de iglesias de piedra en Moscú. Se están reconstruyendo las catedrales de la Anunciación y la Asunción, en el suburbio se está construyendo la iglesia de San Juan Crisóstomo, una iglesia en el patio de la Trinidad del Kremlin, una iglesia "en el Salvador" detrás de Yauza...

Nuestra Señora Odigitria.
1482, Dionisio

Es curioso que al informar sobre la muerte de la iglesia detrás de Yauza por un incendio en 1547, la crónica notó con tristeza que "un cuadro maravilloso" se quemó.
Desafortunadamente, la obra de Dionisio en el período de Moscú sólo puede juzgarse por dos obras: el icono de Odigitria y el icono del Apocalipsis.

Fragmento de un fresco de Dionisio.
1481. Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú

Dionisio trabajó en Moscú en el apogeo de las polémicas de los herejes con la iglesia oficial, en un momento de prosperidad para el círculo de Fyodor Kuritsyn, en un momento de triunfo del Gran Duque sobre sus enemigos.
El icono del Apocalipsis está mal conservado, los colores se han descolorido y agrietado, pero está claro que, al resolver el tema del Juicio Final, el autor todavía se acerca a su interpretación de Rublev.
Dionisio (o un maestro cercano a él) describe el “Juicio Final” como el triunfo de los justos. El icono no tiene un carácter lúgubre: el artista busca animar al espectador, no intimidarlo ni reprimirlo.
No sabemos en qué medida los herejes pudieron influir en el "Apocalipsis" de Dionisio, pero en ese momento Dionisio trabajaba en la Catedral de la Asunción, donde el hereje pop Alexei, llevado por Iván III de Novgorod, sirvió, sobre iconos y frescos con el artista más de una vez, aparentemente; interpretado por los rangos más altos de la diócesis de Moscú, y se puede suponer que Dionisio cumplía un cierto "orden social".

Fresco de Dionisio.
1481 Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú

La Madre de Dios fue pintada en Rusia antes y después de Rublev, y el famoso icono de Vladimir "Ternura", que expresaba los profundos sentimientos de la joven madre, su tierna y reflexiva tristeza, generalmente se tomaba como modelo. Todos los íconos rusos de la “Madre de Dios” de finales del siglo XIV y principios del XV conservaban rasgos de tristeza y ternura, profunda humanidad y representaban sentimientos que conectaban a una madre y su bebé.
Pero a partir de mediados del siglo XV, los pintores rusos interpretan cada vez más la imagen de la Madre de Dios como una imagen solemne de la "Reina del Cielo". Y no es casualidad que fue en Moscú en la segunda mitad del siglo XV donde el tema de la Madre de Dios magnificada, "Odigitria" (guerrera, guía turística), se convirtió en un tema favorito.
E incluso si el pintor de iconos ahora no escribe "Odigitria", sino "Ternura", la Madre de Dios solo conserva la pose que expresaba "ternura", y ella misma se vuelve como una reina "en gloria", aceptando el culto de sus súbditos. .
Fue esta nueva imagen de la "reina del cielo" la que recibió la encarnación más completa y clara en el icono dionisíaco "Odigitria".
En "Virgen María" de Dionisio no hay nada que se parezca a la imagen de una madre cautivadoramente joven que se regocija con su bebé y lo acaricia.
Los rasgos del hermoso rostro de la Madre de Dios son fríos y severos. Los grandes ojos oscuros no están vueltos hacia el niño, sino que miran como por encima de las cabezas del público.
María ya no sostiene al bebé cerca de ella, sólo lo muestra.
La solemnidad de la imagen se ve reforzada por las combinaciones de patrones y colores de la ropa.
El borde dorado de la capa se encuentra en estrictos pliegues, ocultando casi por completo la diadema azul oscuro. La rotura de estos pliegues sobre la frente de la Madre de Dios parece brillar con una estrella dorada de bordado y parece que la frente de María esté coronada.
La mano que sostiene al bebé no parece la mano cariñosa de una madre, sino una especie de trono real... Y el borde inferior de la capa que cae de la mano izquierda de María parece formar el pie de este trono.
Mano derecha María señala a la audiencia hacia su hijo, llamado a "salvar la raza humana". Sin embargo, en el icono dionisíaco este gesto adquiere también un segundo significado: una súplica dirigida a su hijo.
Por lo tanto, el mismo Cristo (bendiciendo a los espectadores en otros íconos) en Dionisio no se dirige a los espectadores, sino a la Madre de Dios, quien recibe su bendición.
Con esta técnica, el artista alejaba un poco la imagen del espectador y establecía la “distancia” entre ellos. Para él, Cristo es inaccesible y sólo puede llegar a ser accesible a través de una intermediaria: la Virgen María (“escalera celestial”).
Es importante señalar que en la época en que Dionisio escribió su Odigitria, se estaba produciendo un cambio en las ideas sobre la santidad.
Los "santos" comienzan a ser elevados al pedestal de la realeza, las antiguas "vidas" se transfieren a otras nuevas, que se distinguen por la "complejidad de las palabras". Las reliquias de los santos se trasladan de simples ataúdes a magníficos y magníficos relicarios. Dionisio capta con sensibilidad las tendencias de la época.
A Dionisio no le interesa tanto el mundo interior del hombre como su relación con el mundo circundante, su lugar en el mundo.
El artista parece sentir que el hombre como individuo está aislado de la cosmovisión, opuesto a ella, tiene valor sólo como parte de un gran todo...
Y si Rublev, en palabras de los antiguos, "oraba con un pincel", entonces Dionisio filosofaba con un pincel.
El hecho de que Dionisio sintiera la necesidad de "comprender" las Sagradas Escrituras de una manera nueva, de comprender los textos dogmáticos y expresara su comprensión a través de los métodos de la pintura, creando imágenes vívidas completamente nuevas, sugiere que la comunicación con los herejes de Moscú (el círculo del diácono Fyodor Kuritsyn) no pasó sin dejar rastro para el artista.

La tercera etapa de la creatividad de Dionisio.

Los frescos de la Iglesia de la Natividad de la Virgen María en el Monasterio de Ferapontov son la última obra de Dionisio que conocemos. Después de 1503, su nombre desaparece de las crónicas. En los registros de 1506 ya se encuentra el nombre de su hijo: Teodosio.

Frescos del monasterio de Ferapontov
El taller de dionisía

Se puede suponer que Dionisio al final de sus días buscó el monasterio de Ferapontov para crear de forma independiente, sin restricciones, queriendo dejar su testimonio artístico a sus descendientes.
No es casualidad que Dionisio escribiera una inscripción sobre una de las entradas de la Iglesia de la Natividad de la Virgen María, indicando que esta obra le pertenece a él y a sus asistentes. Y no es casualidad que Dionisio se inmortalizara a sí mismo, a su esposa y a sus dos hijos en uno de los motivos del fresco.
La originalidad de las pinturas dionisíacas del monasterio de Ferapontov es tan evidente que no se puede hablar de imitación de ejemplos anteriores.

Monasterio Theotokos-Natividad Ferapontov

Los temas de la Madre de Dios, según lo establecido por los historiadores del arte, no se encuentran en las iglesias rusas del período temprano. Fueron populares en las iglesias eslavas del sur, búlgaras y serbias, donde se reproducían escenas de los evangelios, se ilustraba la historia de la iglesia, se mostraban innumerables huestes de mártires, profetas, santos y la separación de la iglesia.
Dionisio eligió para pintar solo los temas más necesarios, determinados por la tarea de glorificar a María y obligatorios para cualquier pintura de iglesia.

Fresco "Arcángel Miguel" de la Catedral de la Natividad de la Virgen María en el Monasterio Ferapontov.

En la zona inferior de los frescos, como era necesario, representó a mártires, grandes mártires y padres de la iglesia. En el altar está el “servicio de los santos padres”. Cristo Pantocrátor está escrito en la cúpula, en el tambor, entre las ventanas - los arcángeles, en las llamadas velas (la transición de las paredes a la cúpula) - los evangelistas, y en el muro occidental del templo - “El Juicio Final”.
Dionisio siguió aquí el canon, que no tenía derecho a violar.

Frescos del monasterio de Ferapontov

Pero al crear el resto de los frescos, pudo elegir qué y cómo escribir exactamente. Y el maestro hace la selección con mucho cuidado, interpretando los dogmas de la iglesia a su manera.
El artista es completamente independiente en sus frescos dedicados a la propia Virgen María.
En las iglesias eslavas del sur, generalmente se representaba toda la vida de María, comenzando con la Natividad de la Virgen María y terminando con la Asunción, que se colocaba en el muro occidental. Si en la pintura se incluía un acatista de la Madre de Dios, ocupaba un lugar insignificante en algún lugar de los pasillos laterales.
Dionisio crea un cuadro que glorifica a María; el cuadro es similar a los cánticos compuestos en su honor.

Icono "Crucifixión". Dionisio. 1500
Monasterio Pavlovo-Obnorsky

En el lado norte de la Iglesia de Ferapontov, la Madre de Dios está entronizada, rodeada de arcángeles, y a los pies se agolpa una multitud de mortales que cantan la "reina del mundo".
En el muro sur, una multitud de cantantes alaban a María como “que llevó en su vientre al libertador de los cautivos”.
En el muro occidental, en la composición del Juicio Final (que reemplaza a la Asunción, más común en las iglesias eslavas del sur de la Madre de Dios). María es glorificada como intercesora del género humano.
Resulta sumamente curiosa la imagen de María en el luneto oriental del templo. Aquí se la representa, con un espíritu nacional puramente ruso, como patrona y defensora del Estado ruso. Ella está de pie con un “velo” en sus manos contra el telón de fondo de los muros del antiguo Vladimir, que en ese momento servían como símbolo de la unidad religiosa y política de Rusia. María no está rodeada de cantantes ni de santos, sino de una multitud de personas vestidas con trajes rusos.

Icono "Demetrio de Prilutsky, con vida".
El taller de Dionisía. Principios del siglo XVI
Monasterio Spaso-Prilutsky

Así, en cuatro composiciones, Dionisio muestra su actitud ante la interpretación de la imagen de la Virgen María, cercana a lo que hizo en Odigitria.
En el nivel medio, el artista no colocó escenas de la vida de María, como era habitual en las iglesias eslavas del sur, sino ilustraciones de veinticuatro canciones del acatista a la Madre de Dios. Aquí el maestro estaba menos limitado por los cánones y todas las imágenes son originales.
Dionisio nuevamente rechaza la oportunidad de mostrar el movimiento tormentoso del alma humana, pasiones humanas– le atrae la reflexión, la interpretación original de temas tradicionales.

Juan el Teólogo en Patmos.

Por ejemplo, María y el anciano José, quienes se enteraron de que su esposa estaba esperando un bebé.
Por lo general, los maestros representaban esta escena llena de dramatismo. José corrió hacia María, haciendo gestos salvajes, y la doncella le respondió con gesticulaciones no menos expresivas.
En Dionisio, José, que ya conoce la “inmaculada concepción”, se inclina reverentemente ante María, le extiende la mano y repite el gesto habitual de la “inmaculada concepción”, y María baja humildemente la cabeza, como si aceptara la adoración.
En la misma postura de “de pie” ante la deidad, se representa a los pastores inclinándose ante María y el bebé. Los jinetes que corren hacia el pesebre no están representados en un galope frenético: están sentados tranquilamente sobre sus caballos y parecen estar escuchando algo.

Icono "Metropolitano Alexy, con su vida".
El taller de Dionisía. Estafa. siglo XV

Existe la opinión de que solo el diseño general de la pintura perteneció a Dionisio, y la mayoría de los frescos del templo fueron pintados por los asistentes del maestro.
Se cree que, siendo anciano, el artista no pudo subir bajo la cúpula del templo y pintar el enorme rostro de Cristo; que no podía hacer composiciones en lunetos, y eligió para pintar el portal occidental, donde podía crear sin estar asociado al ritmo general de trabajo, y dentro de la iglesia pintó sólo los arcos que sujetaban la bóveda de la cúpula.
Se ha observado que en casi todas las obras al fresco de Dionisio hay "errores" y algo de estado incompleto. Esto se debía al hecho de que los hijos que trabajaban con su padre o sus aprendices no podían soportar el ritmo de trabajo de Dionisio necesario para escribir sobre yeso seco.
Sea como fuere, la idea de pintar la Iglesia de la Natividad de la Virgen María se expresa de forma más completa y artística en los frescos del portal y los arcos occidentales.

Icono "Pedro metropolitano, con su vida".
El taller de Dionisía. Estafa. siglo XV

El portal occidental está dividido en tres niveles. En el inferior, a los lados hasta la entrada, se representan ángeles con pergaminos en la mano, en el medio, la escena de la Natividad de la Virgen María y la escena de la llamada “caricia del niño por Joaquín y Ana”. El nivel superior contiene la Deesis.
El fresco del nivel medio es el único "hagiográfico" de todo el templo. El hecho de que esté situada precisamente en el portal, en el “lugar más destacado”, se explica por el propósito de la iglesia, dedicada a la fiesta de la “Natividad de la Virgen María”.
Antes de Dionisio, los artistas solían interpretar el argumento de “La Natividad de la Virgen” como una escena familiar en la casa de Joaquín y Ana, los padres de María.
Dionisio no pudo evitar los detalles de género dictados por el contenido mismo de la pintura y, sin embargo, se diferencia marcadamente de sus predecesores.
Anna en el fresco de Dionisio no intenta levantarse, no busca comida: se sienta en la cama, llena de dignidad y humildad, y la mujer que está detrás de la cama no solo no ayuda a Anna a levantarse, sino que tampoco atreverse incluso a tocar la portada de quien dio a luz a la futura madre Cristo.
La mujer a la derecha de la cama no sólo le entrega a Anna un plato de comida, sino que se lo ofrece solemnemente. Y esta copa dorada se convierte en el centro de la composición y recibe un significado semántico especial. Dionisio parece inspirar a la audiencia de que lo que están viendo no es la vanidad cotidiana habitual que acompaña al nacimiento de un niño, sino la celebración de un sacramento.
En tal “contexto”, la escena generalmente menor del baño de María se vuelve significativa. El centro compositivo de este fresco es la pila bautismal dorada. Las mujeres que bañan a la recién nacida no se atreven a tocarla, y la que le trajo el regalo a Anna lo sostiene con cuidado, como si fuera un recipiente con incienso.

Kirill Belozersky en su vida.
Dionisio siglo XVI

Dionisio hace que el espectador recuerde los regalos que los Magos le llevaron a otro bebé: Cristo.
En la escena de la Caricia del Niño, los anchos escalones de mármol en los que se sientan el padre y la madre de María parecen un trono. Anna abraza a su hija con un gesto en el que la Madre de Dios suele abrazar –en iconos y frescos– al niño Cristo, y Joaquín toca con reverencia la mano extendida de María.
En todas las pinturas griegas y eslavas del sur que hablan de la prehistoria de la Madre de Dios, la persona principal siempre fue su madre, Anna. En Dionisio, el personaje principal es la propia María. Por lo tanto, todas las escenas del fresco se perciben como variaciones del tema del culto a la Virgen María y suenan como una colorida introducción a la pintura del templo.
Se ha observado un fenómeno muy curioso. Por lo general, se reservaba un lugar para la deidad en el centro del fresco. En Dionisio, este lugar central lo ocupa una pila bautismal vacía, o un rincón de una mesa vacía cerca de la cama de Anna, o un cuenco para recoger dinero u otros objetos. Y en ocasiones el artista deja el espacio central completamente vacío.
En los frescos de Ferapontov, llenos de una gran cantidad de personajes, una "multitud", esta pausa es especialmente notable. Evoca en el público un sentimiento de anticipación de algo que está a punto de suceder o que está sucediendo invisible a los ojos.
Dionisio no intenta “representar lo invisible”, aunque al mismo tiempo intenta recordar la presencia invisible de un “poder superior” en cualquier caso. El deseo de Dionisio de llenar los frescos con una "multitud" se explica por su preocupación por rastrear las acciones de los personajes.
Desarrollando las ideas expresadas en Odigitria, el maestro intenta identificar la imagen en su comunicación con otros héroes de la obra, en sus hechos y acciones. Aquí Dionisio se diferencia marcadamente de Rublev, quien organiza la pintura en torno a los personajes principales, enfatizando al individuo incluso en los personajes secundarios.
El héroe Dionisio, uniéndose a la multitud, parece perder una parte de sí mismo. Pero sólo a ese precio, según Dionisio, una persona puede permanecer indisolublemente ligada al mundo que la rodea. Con ese mundo enorme que deja de ser “derivado del hombre” (como ocurre con Rublev), sino que surge como algo completamente independiente.

Icono "Descenso a los infiernos"

Bibliografía

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